Anduriña (Novola) 1968

Juan y Junior

Contraportada: Dibujo de Pablo Picasso

Una historia: “Lo suyo era pop dirigido al sector juvenil femenino, pero con una calidad y profesionalidad que, en cierto modo, les distanciaba de sus objetivos primarios. Sus grabaciones y actuaciones las cuidaban con mimo y delicadeza, haciéndose acompañar por músicos de reconocida calidad. Su productor era Mike Smith, quien también trabajaba con el grupo inglés The Tremeloes, y las grabaciones se hacían en Londres y Milán.
Su singladura no fue muy extensa, pero brindaron a sus incondicionales un ramillete de delicadas canciones pop de excelente factura: Nos falta fe, Bajo el sol (este single llegó al nº 1 de las listas en octubre de 1967), A dos niñas (todo un éxito en las Navidades del 67), Anduriña (1968) y Tiempo de amor (1969)”. Salvador Domínguez. Bienvenido Mr. Rock. SGAE. 2002.

Otra: “La separación del dúo Juan y Junior no fue más que otro caso de la epidemia que asolaba a la mayoría de las formaciones de entonces. Su escueta discografía es de lo más supremo del pop nacional. Su salida de Los Brincos desnortó al conjunto, a pesar de que se recuperaron espléndidamente, pero habían demostrado que dos, cuando hay talento en ambas partes, es un número suficiente para deslumbrar. La asociación no obstante fue efímera, disolviéndose a finales de 1968. Al año siguiente cada uno resurgiría como vocalista independiente”. Gerardo Irles. ¡Sólo para fans! La música ye-yé y POP española en los años 60. Alianza Editorial. 1997.

Canciones: Anduriña. Para verte reír.

Músicos: Juan Pardo (voz), Junior (voz), David Waterston (órgano), Bill Robinson (bajo) y José María Moll (batería).

Además: “Hasta consiguieron que Juan Manuel Serrat, hasta entonces cantante casi en exclusiva de canciones propias, tradujera al catalán y grabara su En San Juan: que quedó en su voz como Per Sant Joan”. José Ramón Pardo.

Más portadas: La caza/nada (1967), Nos falta fe/bajo el sol (1967), Tiempo de amor/En San Juan (1968) y Lo que el viento se llevó/Tus ojos (1969).

En la playa. Na praia. On the beach. 在海滩. Sulla spiagga. на пляже. Sur la plage. على الشاطئ. Am strand.

The Beach Boys 20 Golden Greats (Capitol, 1976)

The MoodyBlues Sur la Mer (Polydor, 1988)

Firefall Undertow (Atlantic, 1979)

America Harbor (Warner, 1977)

Lied Ohne Worte

Aboia un esbardar de marusías

tentando os ceos sin atopar a Lúa.

Pero a Lúa esta noite

desertou dos almanaques.

Murcha entre dúas follas

-violedas pensamentos-

do manual póstumo

-outo madrigaes-

que versifiquéi eu.

Mansas vagas unánimes

reorgaízanse detrás do vento.

Cando pase a rafega derradeira

diranos adeus

co pano branco do gaf-tope.

Alude a un fracaso

de follas amarelas

e renóvase a sorrisa dos mastros

sempre cas ponlas novas e xoviaes.

Noiva miña

vestida de lúa

que romantizas

¡tan cursi!

polo xardín.

Senteime a proa

fumando a miña pipa.

Pero outra noite pensaréi en ti.

(Flota un escampar de marejadas,/tanteando los cielos sin encontrar la Luna./Pero la Luna esta noche/desertó de los calendarios./Marchita entre dos hojas/-pensamientos violetas-/del manual póstumo/-ocho madrigales-/ que compuse yo./ Mansas olas unánimes/se reorganizan detrás del viento./Cuando pase la última ráfaga/no dirán adiós/con el trapo blanco de la serviola./Alude a un fracaso/de hojas amarillas/y se renueva la sonrisa de los mástiles/siempre con las ramas nuevas y joviales./Novia mía,/vestida de Luna,/que romantizas,/¡tan cursi!,/por el jardín./ Me senté a proa/fumando mi pipa./Pero otra noche pensaré en ti./)



De catro a catro, libro composto a bordo, Atlántico-Mediterráneo, 1926/1927.

Manuel Antonio (Rianxo 1900-1930)

Cara Conocida

Transformer Man

Lotta Love

Harvest Moon

Cowgirl In The Sand

I Believe In You

Albuquerque
Like A Hurricane

The Old Laughing Lady

Neil Young

Lucky Thirteen (Geffen, 1992)

Comes A Time (Reprise, 1978)

Unplugged (Reprise, 1993)

Everybody Knows This Is Nowhere (Reprise, 1969)

After The Gold Rush (Reprise, 1970)

Tonight´s The Night (Reprise, 1975)

American Star´n´Bars (Reprise, 1977)

Neil Young (Reprise, 1969)

The Modern Lovers (Beserkley) 1976
The Modern Lovers
Portada: Fotografía de Richard P. Rodgers

Una opinión: “Recopilado por la gente de Beserkley, este primer LP había sido producido casi en su totalidad por Mr. John Cale unos años antes. Es pura prehistoria punk, y un primerizo y potente manifiesto que le canta al mundo moderno con un desparpajo genial. En la banda estaban David Robinson, después bajista de los Cars, Jerry Harrison, ahora teclista de Talking Head, y Ernie Brooks, bajista también de los Necessaries, más Jonathan, claro; todo un personal. Incluye una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos, Roadrunner, y ruge con sonidos imprescindicles”. Michele Curel. Jonathan Richman. Eterna primavera. Rock Espezial. Número 28. Diciembre de 1983.

Otra: “Su ensañamiento por recuperar los años cincuenta y su creciente rechazo del volumen le han convertido en una figura encantadora pero marginal. Estructuras simples y miradas en las que caben reggaes egipcios o canciones de amor chinas. Cara de niño y cerebro inquieto, la obra de Richman parece la jugada maestra de un polemista perverso”. Antonio de Miguel. Calles de fuego. Historia del Rock. El País. 1987.

Canciones: Roadrunner. Astral Plane. Old World. Pablo Picasso. I’m Straight. Dignified And Old. She Crakd. Hospital. Someone I Care About. Girl Friend. Modern World. Government Center.

Músicos: Jonathan Richman (voz y guitarra), Ernie Brooks (bajo), Jerry Harrison (teclados) y David Robinson (batería).

Además: “En 1973, Cale produce a los Modern Lovers, una banda de Boston reunida por un hiperadulador de Velvet, Johnathan Richman, que se levanta contra la droga y el sexo, y canta soy un chico recto. Resultó un fracaso –nos dice Cale-. El disco no lleg´a salir. Se burlaban de todo el mundo. Nunca estaban contentos con lo que hacían. Para mí se hizo imposible trabajar con ellos”. Poetas malditos del rock. Traducción de Alberto Manzano. Espiral/Fundamentos. 1986.

Más portadas: Rock And Roll With The Modern Lovers (1977), Jonathan Richman And The Modern Lovers (1977), Back In Your Life (1979), Jonathan Sings (1983), It’s Time For (1986), Modern Lovers 88 (1988).

Nebraska (CBS) 1982
Bruce Springsteen
Portada: Fotografía de David Kennedy


Una opinión: “Folk acústico, seco, punzante, solitario, un puñetazo en el estómago de la Nueva América de Reagan, fielmente retratada en canciones tremendas como Johnny 99, Used Cars y Reason To Believe. Nebraska es el grito descarnado de un hombre que ha sentido el aliento del abismo y ha sobrevivido, un hombre que ya jamás volverá a interpretar Born To Run con la misma ingenuidad con que la escribió”. Luis Lapuente. Discografía. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Otra: “Conjuga las consignas de los textos del rock con las exploraciones de la canci´n de autor. Se reconoce –vía discos homenaje- en creadores marginales como Woody Guthrie, Pete Seeger o Curtis Mayfield. Orienta las interpretaciones de su trabajo que le insertan en la cadena de Grandes Narradores Estadounidenses, de Jon Ford a John Steinbeck. Ya empieza a pensar en la posteridad”. Diego A. Manrique. ¿De qué hablamos cuando hablamos de Springteen. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Canciones: Nebraska. Atlantic City. Mansión On The Hill. Johnny 99. Highway Patrolman. State Trooper. Used Cars. Open All Night. My Father’s House. Reason To Believe.

Músicos: Bruce Springteen (guitarra, armónica y voz).

Además: “Olvídate de las barbarides –“¡es el camionero del rock, el Rambo de los escenarios! Que los vendedores de humo te han querido colocar tantísimas veces. Bruce Springteen da para análisis con mucha enjundia. Por ejemplo: el de Nueva Jerey, leído entre líneas, sirve como magnífico diccionario enciclopédico con el que descubrir o repescar míticos personajes de la música popular estadounidense cubiertos hoy de telarañas”. Miguel Martínez. Bruce Springteen. Las raíces del cielo. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Más portadas: Greetings From Ashubry Park (1973), The Wild, The Innocent And The Street Shuffle (1973), Born To Run (1975), Born In The USA (1984), Live 1975-1985 (1986) y Tunnel Of Love (1987).

Canta as súas canciós (Edigsa/Xistral) 1968
Miro CasabellaPortada: Diseño y fotografía de J. Fornas

Una opinión: “La Nova Canción Galega nació con el propósito bien definido de servicio a Galicia y a su cultura. Fundamentalmente el objetivo de estos jóvenes universitarios es revitalizar la lengua gallega en un ámbito hasta ahora no tratado: la canción no folclórica, pero con unas posibilidades inmensas de proyección multitudinaria. Por encima de todo quieren dar testimonio de la problemática viva de su país, lejos de cualquier plano esteticista y con una decidida voluntad de servicio a una comunidad a la que se sienten honda y radicalmente unidos. Hay pues dos proyecciones inmediatas en este quehacer: una hacia el pueblo gallego intentando darle una canción viva con textos que reflejen su situación; otra hacia Galicia como comunidad, colaborando en la tarea de surgimiento de su cultura, labor esta que es imposición ineludible de nuestro tiempo”. Nota de presentación del primer EP de Miro Casabella.


Otra: “Casabella andaba un poco escarmentado. Pero, ya que contaba con Xerardo Moscoso y conmigo, entró en Voces Ceibes un par de meses después (al tiempo que Guillermo) aportando empuje, honradez y, lo más importante, calidad y capacidad de innovación”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991.

Canciones: Ti, Galiza. O labrego. Soia. No desterro.

Músicos y compositores: Miro Casabella y Pedro J. Puértolas.

Además: “El impacto de los cantautores franceses y americanos y la necesidad de uso de la canción como un arma más contra la dictadura franquista lleva a la aparición de las Voces Ceibes y al inicio con ellas un nuevo camino para la música popular en el que el idioma es ya un instrumento irrenunciable”. Editorial del especial Cancións para todos nós. A Nosa Terra. Diciembre de 1996.

Más portadas: Ti, Galiza (1977) y Treboada (1979).

Cuarenta años después 

Discos de 1967



The Doors (Elektra) 1967
The Doors
Portada: fotografía de Guy Webster

Una opinión: “La prehistoria de los Doors se remonta a 1965. En aquella época, Jim Morrison y Ray Manzarek estudiaban cine en la UCLA, la universidad de Los Ángeles. Los viernes y sábados por la noche, Ray Manzarek se convertía en Screamin’ Ray Daniels, el cantante de Rick And The Ravens, grupo que había formado con sus dos hermanos Rick (al piano) y Jim (a la guitarra). Tal como se desprende fácilmente del impresionante seudónimo adoptado por Ray, hacían blues, cosa que habían aprendido en su misma fuente, ya que los Manzarek provenían de Chicago. También tocaban los fines de semana en un club de Santa Mónica, el Turkey Joint West. Ello proporcionaba a Ray dinero para pagar sus estudios, y no pedía nada más. Como es lógico, sus compañeros del departamento de cine de la UCLA se encontraban normalmente en la sala, y a veces Ray invitaba a todos a subir y reunirse con él en el escenario para cantar, gritar y desmadrarse todos juntos. Entre ellos, de vez en cuando, estaba Jim Morrison.
En aquella época Jim escribía. No solamente poemas, sino canciones con concepto melódico, incluso había llegado a planear, con Dennis Jacob, un amigo de la UCLA, la eventualidad de forma un dúo de rock que se llamaría The Doors: Open And Closed. En ese momento, para él la idea era una especie de fantasma semi-inconsciente, tal como confiesa más tarde: No lo pensaba realmente en serio. Estaba ahí, eso es todo. Yo no cantaba nunca. Ni siquiera se me había pasado por la cabeza. Pensaba que me convertiría en escritor o sociólogo, quizás escribiría obras de teatro. Nunca iba a un concierto, todo lo más uno o dos. Había visto algunas cosas en la tele, pero nunca me había identificado con todo eso”. Hervé Muller. Jim Morrison y The Doors. Ediciones Júcar. Los Juglares. 1975.

Otra: “Con la ayuda de Paul Rothchild y Bruce Botnick, un ingeniero de sonido extraordinariamente creativo, The Doors superarían pronto su falta de experiencia y en tan sólo dos semanas completan el trabajo en el estudio de grabación.

La elección de los temas se realizado entre los que tenían mejor sonido en vivo, todos ellos trabajados noche a noche durante el año anterior en los distintos clubes. Morrison era el autor de ocho de los once temas del álbum, escritos la mayoría de ellos en Venice. Break On Trough, The Cristal Ship, Soul Kitchen, un pequeño y económico restaurante que Jim frecuentaba), aparecían en la Cara A, junto a Alabama Song, Un tema que formaba parte de The Threepenny Opera (la Ópera de tres peniques), compuesta en 1928 por Bertolt Brech y Kut Weill.

El primer tema de la cara B, Back Door Man, de Willie Dixon, era un favorito de Morrison que incluían a menudo en su repertorio. Rothchild defiende la aparente mediocridad de los tres temas que siguen, I Looked At You, End Onf The Night y Take It As It Comes, diciendo que representaban probablemente más que ningún otro la génesis del grupo. Para cerrar ambas caras están The End y Light My Fire ”. Inés Vega. Jim Morrison y The Doors. Rock Pop. Cátedra. 1996.

Canciones: Break On Through (To The Other Side). Soul Kitchen. The Crystal Ship. Twentieth Century Fox. Alabama Son (Whiskey Bar). Light My Fire. Black Door Man. I Looked At You. End Of The Night. Take It As It Comes. The End.

Músicos: Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería).

Además: “La personalidad creativa de Morrison, evidenciada en las letras compuestas por él, creaba un clima necesario para a comunicación entre el intérprete y su auditorio. Sus textos no eran de fácil comprensión, la mayoría de sus composiciones resultaban oscuras; sin embargo, ponían de manifiesto la necesidad del hombre por expresar sus inquietudes existenciales”. Jaime Rosal. Introducción. Señores y nuevas criaturas, Jim Morrison. Star Books. 1977.

Más portadas: Strange Days (1967), Waiting For The Sun (1968), The Soft Parade 1969), Morrison Hotel (1970), Absolutely Live (1970), L.A. Woman (1971), Weird Scenes Inside The Gold Mine (1972), Primeras Grabaciones (1974), An American Prayer (1978) y Alive She Cried (1983).

De Paso (Movieplay) 1975Hilario Camacho
Portada: Octavio Colis

Una opinión: “De paso y La estrella del alba son dos producciones en las que el ímpetu por experimentar se hacen patentes en cada recodo de los mismos, muestran a un Hilario Camacho que busca una sonoridad propia, algo enloquecida, que lo emparienta más, salvando todas las distancias, a los modelos mediterráneos de Pau Riba y Jaume Sisa que a sus compañeros mesetarios: “Me di cuenta que fui a grabar que no había hablado nada, sólo había libertad y dije sí. Los discos se hicieron con cuatro duros y medio, pero la virtud fue que yo iba allí con las canciones que quería y Gonzalo García Pelayo, el productor se enteraba durante la grabación. Este hombre tuvo una idea: propuso a Movieplay hacer un sello, Gong, en el que grabase, no todo Dios, pero sí muchísima gente y a ver qué pasaba, unos siguieron grabando, otros sólo hicieron un disco, él, creo, se lo planteó así, ése fue su acierto: dejar a la gente hacer sus cosas, a ver qué ocurría. Y ahí está De paso. Hablé con una gente, un grupo de jazz vanguardista, comenzamos a trabajar los temas y aquello empezó a florecer. Fue un tiempo muy explosivo para mí y ahí ha quedado”. Juan Puchades. Efe eme. Número 3. Enero de1999.

Otra: “Por fin llega al público algo representativo de la clase de Hilario Camacho, un testimonio válido del actual momento que atraviesa. La atmósfera tan placentera que crea en el primer instrumental, Tiempo al tiempo, no nos abandonará en todo el disco; es más, no irá envolviendo y casi ni escucharemos las letras, letras que en este caso ofrecen un menor interés que en el anterior LP, simplemente porque no es necesario decir demasiado con las palabras cuando se dice todo con la música”. Manuel Domínguez. Ozono. Junio de 1975.

Canciones: Tiempo al tiempo. Volar es para los pájaros. Dolores, Dolores. El agua en sus cabellos. Testimonio. Verónica. Princesa de cera. Pequeña muerte. Cuerpo de ola. El peso del mundo.

Músicos: Hilario Camacho (guitarras acústicas, armónica y voz), Pierre Torlois (guitarras, mandolina y armónica), Jorge Pardo (saxos y flautas), José Antonio Galicia (batería), Javier Estrella (percusión), Quique Santana (bajo), Jesús Pardo (teclados) y Rosa Ávila (voces).

Además: “El caso de Hilario Camacho es un tanto especial en el panorama de la canción de autor en España. Fue uno de los primeros en romper el concepto clásico y tradicional de la canción de autor. Rotundamente influido por el rock y la musicalidad electroacústica americana de la segunda mitad de los años sesenta (Dylan, Cohen, Byrds, Janis Joplin…), supo releer la canción castellana con la mirada puesta en el público joven, aquel que, a principios de los años setenta, era consciente de que la juventud era un valor revolucionario en la España de Franco, y así comenzó a cantar contra la monotonía, los años grises de la dictadura y la necesidad de favorecer el cambio desde dentro, desde las actitudes individuales”. Jordi Turtós-Marga Bonet. Cantautores en España. Celeste. 1978.

Más portadas: A pesar de todo (1973), La estrella del alba (1976), La mirada del espejo (1981), Subir subir (1983), Gran ciudad (1986) y El mercader del tiempo (1990).

Do It Yourself (Stiff) 1979
Ian Dury & The Blockheads
Portada: Diseño Barney Bubbles



Una opinión: “Un nuevo single, Hit me with your rhythm stick, fue número uno en el ranking británico, y preparó el terreno al volumen definitivo: Do It Yourself (1979), estreno formal de la banda y sinuoso manifiesto de rock casero en contacto con ritmos funk. Sink My Boats, Inbetweenies y otras ocurrencias dieron en el blanco. El canto del cisne: un año después, Jankel se daba de baja y Wilko Johnson –recién rebotado de Dr. Feelgood- se sumaba al correcto Laughter, su despido de Stiff”. Jordi Bianciotto. Efe eme. Número 18, correspondiente al mes de mayo de 2000.

Otra: “El elepé Do It Yourself sirvió para que Ian Dury (1942-2000) se estrenase discográficamente a con la banda The Blockheats. A la vez orientó su música hacía un eclecticismo en el que destacaba el ritmo bailable, algo que el cantante británico prefirió por encima de modas, hasta convertirse en una seña de identidad de los discos y actuaciones que protagonizó hasta su muerte”. Sam Rock.

Canciones: Inbetweenies. Quiet. Don’ t Ask Me. Sink My Boats. Waiting For You Taxi. This Is What We Find. Uneasy Sunny Day Hotsy Totsy. Mischief. Dance Of The Scremers. Lullaby For Francies.

Músicos: Ian Dury (voz), John Turnbull (guitarras), Mickey Gallagher (teclados), Davey Payne (saxos), Chaz Jankel (teclados), Norman Watt-Roy (bajo) y Charley Charles (batería).

Además: “No me interesa ser el precursor de nada. Richard Hell sí decía que el había inventado el punk, pero puedo asegurarte que se lo enseñó todo su novia, Roberta Bayley. Y ella había sido mi novia antes de liarse con él…” Ian Dury en una entrevista concedida a Ignacio Juliá. Rock Especial. Número 3. Diciembre de 1981.

Más portadas: Handshome (con Kilburn And The High Roads -1975), Wotabunch! (con the Kilburns-1977), New Boot & Panties!! (1977), Laughter (1980), Lord Upmisnter (1981) y 4.000 Weeks’ Holiday (1984).

Michelangelo Antonioni (1912-2007)

En las calles del Swinging London y por el desierto de Arizona post-jipi

Blow-up (1966)

Una opinión: “La idea de Blow-up me vino al leer un breve relato de Julio Cortázar. No me interesaba tanto el argumento como el mecanismo de las fotografías. Descarté aquél y escribí uno nuevo, en el que el mecanismo asumía un peso y un significado diversos. Tonino Guerra y, para los diálogos ingleses, Edward Bond colaboraron conmigo en el guion”. Michelangelo Antonioni.

Música: Herbie Hancock. Yarbirds (Stroll On) y Tomorrow (Am I Glad Too See You).

Zabriskie Point (1970)

Una opinión: “Psicodelia, rock, folk, blues y country son los estilos predominantes en la banda sonora de esta película americana del italiano Antonioni, quien con su singular visión de la juventud de inicio de la década de 1970 no logró el visto bueno de la crítica especializada en el séptimo arte. Para muchos, el director de Ferrara entraba entonces en declive en su introspección fílmica, mientras que la banda sonora del largometraje resultaba actual a los oídos de los seguidores del rock”. Sam Rock.

Música: Pink Floyd, The Grateful Dead, Jerry García, The Youngbloods, Patti Page, Roscoe Holcomb, The Kaleidoscope y John Fahey.

Más bandas sonoras: Chung Kuo Cina (1972), Professione: Reporter (1975) y Il Misterio Di Oberwald (1980).

Talking Back To The Night (Island) 1982
Steve Winwood
Portada: Diseño de Tony Wright

Una opinión: “Esta segunda entrega de la Factoría Individual Winwood incluye más canciones que su antecesor, pero resulta menos sorprendente, igual de difícil en su asimilación y, quizás, menos creativo. Vamos por partes: No se puede esperar de un músico como Steve una renovación total de sus esquemas, tampoco es lógico que el chico se eche al monte y trabaje con nuevos experimentos, pero sí se lo podría pedir una mayor variación entre disco y disco. Sin embargo Talking back to the night tiene una gran virtud, la falta de pretenciosidad y la sencillez que cobija a todas las canciones escritas por Winwood. Ni un solo de los cortes sueña a ampuloso ni excesivamente barroco. En las nueve que se incluyen en el LP se entremezclan distintas influencias de todo tipo, desde el gospel hasta el funky pasando por el blues y las evoluciones a Traffic”. Jordi Beltrán Astor. Rock Espezial. Número 14. Octubre de 1982.

Otra: Desde su adolescencia británica al frente de Spencer Davis Group, Stevie Wimwood está considerado uno de los músicos y compositores más inquietos de las décadas de los sesenta y setenta como se puede comprobar en los discos que participó junto a grupos que ahondaron en nuevas lecturas del r&blues o experiencias vanguardistas, como la primera etapa de Traffic, además de sus abundantes colaboraciones como acompañante en grabaciones de conocidos músicos, entre otros Jimi Hendrix.

Canciones: Valerie. Big Girls Walk Away. And I Go. While There’s A Candle Burning. Still In the Game. It Was Happiness. Help Me Angel. Talking Back to the Night. There's A River.

Músicos: Steve Winwood (sintetizador, guitarra, teclados y voz) y Nicole Winwood (voz).

Además: Durante los primeros años de la década de 1980, Stevie Winwood ofrece muestras de que su talento no está agotado como es el caso de Talking Back To The Night, a pesar de los cambios producidos dentro de un nuevo público más interesado por los sonidos actuales que por las glorias pasadas.

Más portadas: Steve Winwood (1977), Arc Of Diver (1980), Back In The High Life (1985), Roll With It (1988) y Refugees Of The Heart (1990).

Más postales del estío urbano

Enviadas desde California durante el verano de 1967

Gracias al gallego García y sus muertos agradecidos, a la banda del aeroplano, a los hermanos de Chambers, al Dr. Leary y sus viajes, electrics prunes y la hermandad yanqui canadiense de Buffalo Springfield. ¡Hasta siempre! Nos escribimos dentro de 15 días.

Postales desde el estío urbano

Verano en la ciudad

Ciudad caliente,
Verano en la ciudad.
Se me está ensuciado el cuello.

He estado vencido.
¿No es una lástima?
Parece no haber una sola sombra
en la ciudad.

Por todos los lados.
La gente tiene aspecto
medio muerto
caminando en la acera
más caliente
que la cabeza de una cerilla.

Pero a la noche
es un mundo diferente.
Sal afuera y encuentra
una muchacha.
Ven, vamos y baila
toda la noche
a pesar del calor,
se está muy bien.

Y, chica,
¿acaso no saber que es una pena
que los días no puedan ser
como las noches
de verano
en la ciudad?

Ciudad fresca.
Atardecer en la ciudad
Tan bien vestido
y con aspecto tan bonito.

Gato elegante
buscando una gatita,
voy a buscar en todas las esquinas
de la ciudad
hasta que resollando
como una parada de autobús
suba corriendo las escaleras
para encontrarse en el tejado.

Summer in the city

Lovin' Spoonful

Red Headed Stranger (CBS) 1975
Willie Nelson
Portada: Monica White


Una opinión: “En 1975, Willie y su tercera esposa, Connie, grabaron el álbum Red Headed Stranger, elaborando una sola historia relatada a lo largo de las canciones incluidas. Una de ellas, Blues Eyes Criyng In The Rain, compuesta por Fred Rose, llegó al número uno de las listas country –curiosamente, el pretigioso compositor había triunfado como cantante con un tema ajeno-. Pero Nelson, además de complacer a la conservadora clase media, grabando discos posteriores como Stardust –con standards del tipo Blue Sky, que permaneció en el Bilboard durante más de diez años y vendió cuatro millones de copias-, nunca renunció a conectar con el público melenudo que había conocido en los festivales al aire libre de Austin”. Alfonso Trulls. Country. Celeste Ediciones 1997.

Otra: Red Headed Stranger mantiene la línea anticonvencional practicada por Willie Nelson a lo largo de su carrera discográfica en contraposición al entonces sonido Nashville, conservador y poco receptivo a incluir en los textos de las canciones la problemática social u otros asuntos cotidianos (sexo, drogas, conflictos conyugales).

Canciones: Time of the Preacher. I Couldn’t Believe It Was True.Time of the Preacher Theme. Medley: Blue Rock Montana/Red Headed Stranger. Blue Eyes Crying in the Rain. Red Headed Stranger. Time of the Preacher Theme. Just as I Am Denver. O’er the Waves. Down Yonder. Can I Sleep in Your Arms. Remember Me. Hands On The Wheel. Bandera.

Músicos: Willie Nelson (guitarra y voz), Paul English (batería), Jody Payne (guitarras y mandolina), Bee Spears (bajo), , Bobbie Nelson (piano), Mickey Raphael (armónica), Bucky Meadows (guitarra) y Billy English (batería).

Además: A pesar de ser miembro del club country de los fuera de la ley (outlaws) –entre los que figuraban los desaparecidos Waylon Jennings y Johnny Cash-, Willie Nelson ha grabado también canciones con numerosas figuras de la canción bastante alejadas de su estilo musical, desde Julio Iglesias a Ray Charles, entre otras personalidades del espectáculo que han interpretado duetos con el popular tejano.

Más portadas: Country Willie: His Own Songs (1965), Texas In My Soul (1968), Laying My Burdens Down (1970), Yesterday’s Wine (1971), Shotgum Willie (1973), Phases And Stages (1974), To Lefty From Willie (1977), Stardust (1978), Willie And Family Live (1978), One For The Road (1979), Honeysuckle Rose (1980), Taugher Than Leather (1983), City Of New Orleans (1985) y A Horse Called Music (1989).

Cuarenta años después (5)

Discos de 1967

Are You Experienced? (Polydor) 1967

The Jimi Hendrix Experience
Portada: Fotografía de Karl Ferris

Una opinion: “Las letras de Hendrix son parte importante de su Experiencia. El ruido de su música tal vez haya ahogado un tanto la expresión verbal que acompañaba aquellos shows, pero ya es hora de saber lo que Hendrix nos estaba diciendo. Fundamentalmente, se referían a su situación de negro en un mundo blanco. Su visión oscila entre la esperanza y la desesperanza. Sin la fe suficiente para afirmar que Black is beautiful y Black is soul, algunos negros lo acusan de contrarrevolucionario y vendido a los blancos. Para los blancos siguió siendo un negro y entonces su vida fue la de un hombre espantosamente solo. Porque Hendrix no fue ni un contrarrevolucionario ni un vendido. Simplemente se negó a comprometer su arte con una postura racista que él creía inoperante y negativa. Nadie lo comprendió porque a nadie le convenía su actitud sincera y crítica. Por suerte, sus letras han dejado testimonio de su honestidad y de su búsqueda”. Marcelo Covián y Robert A. Rosentone. Los cantos de la conmoción. Tusquests. 1974.


Otra: “¿Qué si no es blues? ¿Acaso no existen pistas en Red House de la influencia de B.B. King? Ahí reside la sabiduría de Hendrix. La misma que supo captar Miles Davis. Un temazo como Machina Gun es una nimiedad ante la capacidad de que dispone como intérprete de blues, como sumo hacedor de sonidos. En el fondo, Jimi Hendrix lo único que hacía con el trémolo de su guitarra, su voz, sus efectos wah wah era limpiar el camino de espinas que un buen día trazó Robert Johnson”. Miguel A. Queralt. Jimi Hendrix Memorial. Celeste Ediciones. 1995.


Canciones: Foxy Lady. Manic Depression. Red House. Can You See Me. Love or Confusion. I Don’t Live Today. May This Be Love. Fire. Third Stone From the Sun. Remember. Are You Experienced?.

Músicos Jimi Hendrix ( guitarra, piano y voz), Noel Redding (bajo y coros) y Mitch Mitchell (batería y voz).

Además: “En realidad, todo esto es una especie de estilo libre. Nosotros sabemos qué canción queremos tocar y cómo es aproximadamente. Pero todo lo demás sale de forma espontánea en el escenario”. Jimi Hendrix.

Más portadas: Axis: Bold As Love (1968), Electric Ladyland (1968), Band Of Gypsys (1970), Isle Of Wight (1971) y Jimi Hendrix Soundtrack (1973).

Bluesmen 4 (Guimbarda) 1979
Fred McDowell and Johnny Woods
Portada: Fotografías de George Mitchell


Una opinion: “Encontramos a uno de los más conocidos cantantes de blues del mundo sirviendo gasolina en una estación de servicio en Como, Mississippi. Aunque el difunto Fred McDowell había tocado para grandes muchedumbres por todo Estados Unidos y Europa, no obtenía bastante de su música para vivir decentemente, sin realizar también un trabajo doméstico, que era el único tipo de ocupación disponible para la gente negra en el Mississippi rural. El estuvo siempre contento y orgulloso de tener fans que paraban para verle en la estación de servicio o en su casa, y nos acogió calurosamente a mi esposa y a mí, y nos dijo que estaría muy orgulloso de ayudarnos a localizar músicos de blues que no habían sido grabados nunca.
Después de esa tarde, estuvimos recorriendo los viejos caminos de los bosques que hay por todas partes en la región de la colina de Mississippi en busca de un hombre que tocaba la armónica llamado Little Johnny Woods. Wood es un vagabundo y Fred no le había visto durante ocho años, pero él había oído que su viejo amigo y acompañante había vuelto a sus viejas tierras, así que preguntamos sobre su paradero hasta que finalmente nos detuvimos en una vieja cabaña en las cercanías de Senatobia, donde se suponía que estaba Woods”. George Mitchell.


Otra: “Era difícil creer que los dos hombres no habían tocado juntos durante los últimos ocho años. No fue necesario practicar, no hubo segundas tomas. Se sentaron uno frente a otro mientras Fred le daba a Johnny instrucciones en voz baja. La venas se abultaban en la cara de Fred mientras cantaba y tocaba, y la saliva salía de la armónica Johnny, que casi parecía ser una extensión natural de su boca. Mi esposa y yo estábamos exhaustos después de la sesi´n de grabación –y emocionados por tener una cinta de esos dos grandes bluesmen para que la pudiera escuchar todo el mundo”. George Mitchell

Canciones: Shake ‘Em On Down. Smokestack Lightning. John Henry. My Babe. Red Cross Store. Going Down To The River. Long-Haired Doney. I Left My Baby Stting In The Back Door Crying. Going Away. Scratch My Back.

Músicos: Fred McDowell (guitarra y voz) y Johnny Woods (armónica).

Además: “Los Rolling Stones incluyeron en su álbum Sticky Fingers el tema You Gotta Move que era una de las últimas grabaciones de McDowell. Los royalties le dieron a McDowell, que en ese momento tenía unos sesenta y cinco años, más dinero del que había ganado en su vida y difundieron su nombre más allá del ámbito del blues”. Keith Sándwich. Blues Keeping The Faith. Folio Universal. 1998.

Más portadas: My Home Is In The Delta (1964), Amazing Grace (1966) y I Do Not Play No Rock’n’Roll (1969).

El país de la luz (CBS) 1978
Guzmán
Portada: Diseño de Santiago Monforte con fotografía de Juan Corcoles



Una opinión: “Una producción de lujo en la que contó con la plana mayor de los músicos de sesión del momento. Sonidos acústicos pespunteados por brillantes y cálidos arreglos que arropan canciones cotidianas, sencillas, siempre con un deje de tristeza y emotividad: la luminosa El país de la luz, la beatle Volver al empezar, las desoladoras Dejando el hogar y Celia, la confesional 26 años o Julia con su fragancia a fox-trot. Un magnífico disco sin desperdicio con el que no ocurrió gran cosa –como era de esperar- pese a que Guzmán se paseó por las matinales de El gran musical y se dejó ver en el televisivo Aplauso”. Juan Puchades. Revista efe eme. Número 2. Diciembre 1998.


Otra: “CBS, no obstante el relativo fracaso comercial del álbum de Rodrigo, decide arriesgarse y, en 1977, ficha a Guzmán, que publica en dicha compañía un single, Sentados en un café y Un hotel en la Costa del Sol y, al año siguiente, un álbum, de título genérico El país de la luz con la colaboración de un impresionante elenco de músicos, que incluye a Pepe Robles, a Serpa (años más tarde con él en los Hobbies) a Luis Cobo Manglis (Guadalquivir), a Luis Cobos (Conexión), a Gualberto, a Miguel Ángel Chastang, a Horacio Icasto y al propio Rodrigo, entre otros muchos. El álbum, pese a su brillantez, se convierte, otra vez, en objeto de culto”. Vicente Cagiao. CRAG. EMI. 2005.

Canciones: El país de la luz. Mi joven amigo. Dejando el hogar. Julia.Volver a empezar. 26 años. Celia.

Músicos: José María Guzmán (guitarra acústica y voz), J. Antonio Galicia (batería y percusión), Miguel A. Chastang (bajo eléctrico y contrabajo), Tomás S. Miguel (teclados), Luis Cobos Manglis (guitarras), Rodrigo García (guitarras acústica y eléctrica), Luis Cobos (sintetizadores y órgano), Miguel A. Bulido (percusión), Javier Monforte (guitarra), Horacio Icasto (piano), Gualberto (sitar), Pepe Robles (coros) y Sherpa (coros).

Además: “Cualquiera que escuche estos temas aquí compendiados de una u otra época, de uno u otro disco, sean discos en solitario de Rodrigo y Guzmán o los proyectos como Cadillac, cualquiera asumirá la verdad y la belleza, la trascendencia de la música de estos compañeros de la música. Son canciones cantadas de morirse, con arte, gracia y mucho corazón”. Santiago Alcanda. CRAG, Queridos Maestros. EMI. 2005.

Más portadas: Guzmán (1987). Con Solera, Solera (1973). Con Canova, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, Señora azul (1974), Queridos compañeros (1984) y 1985 (1985). Con Cadillac, Pensando en ti (1981), Llegas de madrugada (1982), Un día más (1983), Funkyjzz (1984) y Valentino (1986).

Cecilia (CBS) 1972
Cecilia
Portada: Diseño de Daniel Gil y fotografía de Francisco Ontañón

Una opinión: “Cecilia supuso la ternura a través de las ondas. Supo escrutar dilemas como el amor y el desamor o inquirir la España que removía los cimientos bajo sus pies. Con muy poca obra editada –su vida se truncó en un desafortunado accidente-, logró hacerse un hueco en la canción de autor española, sin demasiadas pretensiones. No tenía una magnífica voz, pero conocía a la perfección los registros de la música pop y supo combinar el pop y la canción de autor con suma facilidad”.
“El logro de Cecilia fue su poder de comunicación, con una sugerente mezcla de introversión y extroversión, de unir el mundo de adentro con el de afuera hasta lograr una unidad que su muerte no ha acallado ni acallará mientras la gente se acerque a su legado, aunque sea para comprobar que las emociones se suceden idénticas en distintos escenarios y hay quien tiene el don para ponerle las palabras justas. Palabras que supieron describir, con afilada precisión, personajes y paisajes que configuraban una España en blanco y negro que se resistía a dar el paso al color y al calor democrático. Cecilia pintó acuarelas llenas de ternura, pero cargadas de futuro”. Jordi Turtos-Magda Bonet. Cantautores en España. Celeste. 1998.



Otra: “Por otra parte, sería injusto, tremendamente injusto, decir que todas las canciones de amor que se hicieron en España durante los años sesenta y setenta, y que surgieron al margen de las que creaban los llamados cantautores, eran impresentables, de baja calidad y represivas. ¿Dónde estaba entonces el punto diferenciador entre Rosa León o Cecilia y Mari Trini?, ¿y el de Hilario y Patxi Andión?”. Fernando G. Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Voces y canciones de autor 1963-1997. Alianza Editorial.1998

Canciones: Fui.Dama Dama. Señor y dueño. Mi gata Luna. Llora. Portraits and pictures. Al son del clarín. Canción de desamor. Fauna. Mama dont you cry. Nada de nada. Lost little thing.

Músicos: Cecilia (voz y guitarra), Julio Seijas (guitarra) y Juan Carlos Calderón (arreglos).

Además: “Fue durante mi adolescencia americana y católica cuando me transformé por obra y gracia de la naturaleza, de una simple kid en una full fledged teenager, y dí mis primeros pasos en la música, gracias a una monjita que como privilegio especial me escogió para cantar en el coro (que era muy divertido) y además limpiar la iglesia (que no era tan divertido). Por aquel entonces mi padre le regaló una guitarra a mi madre y albergando la esperanza de hacer un dúo, compró unas partituras de Paganini para violín y guitarra muy insinuantes, que nunca pasaron de eso: insinuantes, ya que mi madre prefería cantar Por el camino verde y Bésame mucho”. Cecilia, presentación de su primer disco de larga grande.

Más portadas: Cecilia-2 (1973), Un ramito de violetas (1974) y Grandes éxitos (1975).

Sandinista! (CBS) 1980
The Clash
Portada: Fotografía de Pennie Smith


Una historia: “Si alguien desea crucificarlos después de London calling, se lo pusieron fácil con Sandinista!, un triple LP calificado de pretencioso y disperso que se vendió en Inglaterra a precio de sencillo (para conseguirlo sacrificaron los beneficios que les correspondían en concepto de royalties) y que les valió todo tipo de reproches. La trinchera punk ya había visto con malos ojos algunas derivaciones sonoras de London calling, aquí enormemente ampliadas, hasta el punto de que al lado de ska, dub, swing, reggae y otros ritmos ya explorados, incluso el rap (The magnificent seven), la música disco (When Ivan meet G.I. Joe), el funk o el gospel a la Motown (Hitsville U.K.) tienen un hueco”. Eduardo Guillot. Número 12 de la revista Efeeme. Noviembre de 1999.

Otra: “A la que teníamos una mezcla en bruto, poníamos cinta virgen en la grabadora y pasábamos a otra cosa”, ha explicado Strummer. “Así lo hicimos día y noche. Ésa es la razón de que tuviera que ser un triple álbum, aunque quizás hubiera sido mejor un doble, o un LP sencillo, o un EP, quién sabe. El hecho es que grabamos toda esa música para bien o para mal, durante tres semanas febriles. El álbum es el documento de aquello”. Ignacio Juliá. The Clash –Rock de combate-. Guías efe eme. Número 5.

Canciones: The Magnificent Seven. Hitsville U.K. Junco Partner. Ivan Meets G.I. Joe. The Leader. Somethig About Egland. Rebel Waltz. Look Here. He Crooked Beat. Somebody Got Murdered. One More Time. One More Dub. Lightning Strikes (Not Once But Twice). Up In Heaven (Not Only Here). Corner Soul. Lets Go Crazy. If Music Could Talk. The Sound Of The Sinners. Policie On My Back. Midnight Log. The Equaliser. The Call Up. Washington Bullets. Brodway. Lose The Skin. Charlie Don’t Surf. Mensforth Hill. Junkie Slip. Kingston Advice. The Street Parade. Version City. Living In Fme. Silicone On Sapphire. Version Pardner. Career Opportunities. Shephereds Delight.

Músicos: Paul Simonson (bajo y voz), Topper Hgdaon (batería y voz), Joe Strummer (voz y guitarra), Mick Jones (guitarra y voz). Invitados: Mickey Gallagher, Timon Dogg, Norman Natt-Roy, J.P. Nicholson, Ellen Foley, David Payne, Ray Gasconne, Band Sgt. Dave Yates, Den Hegarty, Luke ‘N’ Ben, Maria Gallagher, Gary Barnacle, Bill Barnacle, Jody Winscott, Ivan Julián, Noel Tempo Bailey, Anthony Nelson Steelie, Len Lewis, Gerald Baxter-Warman, Terry McQuade, Rudolph Adolphus Jordan y Battersea.

Además: “Y entre tanto funk, reggae, dub, rap y soul, pocas canciones con la fuerza conocida. La energía se evapora y lo más provocador es el título”. Fernando Martín. The Clash, los punks rojos. Historia del Rock. El País.

Más portadas: The Clash (1977), Give’ em Enough Rope (1978), London Calling (1979), Combat Rock (1982) y Cut The Crap (1985).