Cara conocida

Dan Fogelberg

Home Free (Columbia,1972)

The Wild Places (Epic, 1990)

Twins Sons Of Different Mother (Epic, 1978)

Nether Lands (Epic, 1977)

Feline (Epic) 1983The StranglersPortada: Diseño de Nicolas Marchant & Tim Widdall

Una historia: “Cada canción de este disco es como un delicado arañazo que, a fin de cuentas, acaba provocando sangre. Stranglers ha bordado la mejor obra que podían fabricar para esta década, un trabajo inteligente que sigue manteniendo una agresividad disfrazada. Tony Visconti ha mezclado perfectamente todo el material. Si después de escuchar Midnight Summer Dream, Shisps That Pass o European Females no sienta una subida de adrenalina más vale que te compres una Antología Folklórica y te pierdas”. Jordi Beltrán Astor. Rock Espezial. Nº 20. Abril de 1983.

Otra: “Antes de apuntarse al punk se hacían llamar Guidlford Stranglers (1974). Eran algo mayores, pero su catadura delincuente y la música enigmática con préstamos teclísticos de Doors y airado ceño punk encerrada en su primer álbum, Rattus Norvegicus (1977), les llevará a colocar nueve de sus 11 elepés en el Top brit´nico. Son discos que muestran inquietud evolutiva (Raven-79) o como La Folie (1981), inician con frágil porcelana pop (Golden Brown) el cambio hacia la elegancia eurolatina, Feline (1983)". J.M. Rey. Curso del 77. Historia del rock. El País.


Canciones: Midnight Summer Dream. It’s A Small World. Ships That Pass In The Night. The European Female. Let’s Tango In Paris. Paradise. All Road Lead To Rome. Blue Sister. Never Say Goodbye.

Músicos: Hugh Cornwell (guitarra y voz), Jean Jacques Burnel (bajo y voz), David Greenfield (teclados) y Jet Black (batería).

Además: The Stranglers se mantienen a comienzos de la década de 1980 gracias al inteligente cambio de rumbo dado por el grupo, cuarteto curtido en diferentes estilos con base en el rock imperecedero pero siempre atento a los cambios, posición que salvo excepciones les ha valido a la banda el reconocimiento de un público más allá de los incondicionales de toda la vida. Feline se adhiere al protagonismo de los teclados tan en boga en los ochenta, aunque sin caer en lo repetitivo de otras formaciones contemporáneas del combo británico. Sam Rock.

Más portadas: Rattus Norvegicus (1977), No More Heroes (1977), Black and White (1978), The Raven (1979), The Gospel According To The Meninblack (1981), La Folie (1981), Aural Sculpture (1984), Dreamtime (1986) y All Live and All Of The Night (1988).

Brown And Roach Incorporated (EmArcy) 1954 y 1956Max Roach
Portada: EmArcy

Una opinion: “Las dos sesiones muestran, aparte de la presencia imponente de Clifford Brown, creador de una escuela de trompeta que sigue en Lee Morgan, Donald Byrd, Freddie Hubard, Woody Shaw, y hoy está presente en Wynton Marsalis, Terence Blanchard y Wallace Roney, a dos saxofonistas de diferentes calibre y sensibilidad. En primer lugar Harold Land, que era un partner perfecto de Brown en la línea melódica, y después Sonny Rollins, que estaba revelándose como el Saphone Colossu que todavía es. La presencia de Rollins dio al quinteto una firmeza extraordinaria y aportó una fuente energética de la que también supieron nutrirse los otros músicos. Roach And Brown incluidos. Brown And Roach Inc. está considerado como el mejor disco de Max Roach dentro de los grabados con el quinteto. Los temas agregados pertenecen a una sesión que fue comercializada como At Basin Street, para algunos especialistas una de las mejores de Clifford Brown con Sonny Rollins como saxofonista del quinteto”. Carlos Sampayo. Maestros del Jazz. Planeta-Agostini.

Otra: “Pero hay más. La historia dice que cuando los jóvenes subversivos Dizzy Gillespie y Charlie Parker estaban preparando esa bomba llamada bebop, fue Roach el que sustentó todos los ataques modificando la manera de plantear el pulso del jazz, creando junto a otro revolucionario de la batería como Kenny Clarke, una textura mucho más ligera, aguda y feroz que le dio al bebop la fuerza de su expansión rítmica, precisamente s característica más llamativa e hiriente”. Eduardo Hojean. En silencio. ABC de las artes y las letras. Semana del 1 al 7 de septiembre de 2007.

Canciones: Sweet Clifford. I Don’t Stand A Ghost Of A Chance With You. Stompin’ At The Savoy. I’ll String Along With You. Mildama. Darn That Dream. I Get A Kick Out Of You. What Is This Thing Called Love. Love Is A Many Splendored Thig. I’ll Remember April. Powell’s Frances.

Músicos: Max Roach (batería), Clifford Brown (trompeta), Harold Land (saxo tenor), Richie Powell (piano), George Morrow (contrabajo) (composiciones 1 a 7). Sonny Rollins (saxo tenor, reemplaza a Harold Land, 8 a 11).

Además: “La estructura orgánica del quinteto era un reflejo de los combos parkerianos pero con una tensión tímbrica superior y un cambio de batería a un primer plano sonoro, que no hacía sino diseñar la estética hard bop, posteriormente reconocible en el estilo de Art Blackey, Philly Joe Jones, Art Taylor, y una gran parte de los combos registrados para casas como Blue Note y Prestige, es decir, el jazz practicado en la costa atlántica”. Maestros del Jazz. Planeta-Agostini.

Más portadas: Daahoud (1954), Deeds, Not Words (1958), On the Chicago Scene (1958), We Insist! Freedom Now Suite (1960), It’s Time (1962), Drums Unlimited (1966), Streams Of Consciousness (1977), M’Boom (1979), Swish (1982), Survivors (1984) y Bright Moments (1986).

The Smiths (Nuevos Medios) 1984
The Smiths
Portada: Imagen de la película Flesh, de Paul Morrissey

Una historia: “De toda la aureola injuriosa y pecaminosa con la que se ha envuelto a este grupo de Manchester ha, sin duda alguna, talento para hacer canciones que transmiten mucho más que las de cualquier otra panda de modernos al uso.
The Smiths es un álbum de rock en el que mandan las guitarras, nada más clásico, acomodando una voz lánguida y amanerada que, pese a no ser una buena voz –hay quien dice que la cantante del grupo debería ser Sandie Shaw-, estremece por la forma en que Morrissey la moviliza entre cada estrofa. A lo largo de todo el disco se advierte un equilibrio intencionado entre la pasión desenfrenada y la queja reposada, entre el desenfreno rítmico y la serenidad barbitúrico…”. Jordi Beltrán. Rock Espezial. Número 34. Junio de 1984.

Otra:“La naturalidad y la emoción son sus armas. Morrissey habla de soledad, incomunicación y desengaño amoroso. Relata en viñetas cotidianas las partes más grises de la vida de provincias y recrea sucesos locales teñidos de una agria ironía. Lo imaginativos y nítidos dibujos sonoros de Marr, con su extraordinaria técnica guitarrística, aportan el contrapunto perfecto para conjugar en canciones ágiles y comunicativas fogonazos de pop directo, romántico y enérgico. Una regeneración en toda regla de una brillante y casi perdida tradición de música inglesa”. Juan Cervera. The Smiths, cegadoras luces del Norte. Historia del rock. El País. 1987.

Canciones: Reel Around The Fountain. You’ve Got Everything Now. Miserable Lie. Pretty Girls Make Graves. The Hand That Rocks The Cradle. Still Ill. Han In Glove. What Diffrence Does It Make?. I Don’t Owe You Anything. Suffer Little Children.

Músicos: Morrissey (voz), Johnny Marr (guitarras y armónica), Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería).

Además: La banda de Manchester, liderada por Morrissey, ofrecía en su disco de estreno una imagen del actor Joe Dallesandro, de la película Flesh, dirigida en el año 1968 por Paul Morrissey, antiguo colaborador de Andy Wharhol en la etapa cinematográfica del pintor afincado en New York, sin ningún lazo familiar con el cantante inglés. En lo sucesivo la banda británica utilizaría fotografías de películas o personajes de la cultura popular, tanto en sencillos como en elepés. Sam Rock.

Más portadas: Hat Ful Of Hollow (1984), Meat Is Murder (1985), The Queen Is Dead (1986), The World Won’t Listen (1987), Loder Than Bombs (1987), Strangeways (1987), Rank (1988), Best I (1988) y Best II (1992).

Quiéreme aunque te duela (Zafiro) 1987
Luz Casal
Portada: Diseño y dibujo de Julio Juste. Fotografía de Paco Navarro



Una historia: “Con una carrera lenta y paciente ha conseguido ciertamente ser la únia solista femenina de rock en España con cierta credibilidad.
En lo relativo a sus discos, hay varias cosas claras. En primer lugar que la calidad de la producción ha ido subiendo notablemente a la par que lo hacían las ventas. También que todos sus discos cuentan con esos baladrones tan infinitamente comerciales que ya no sabes si están bien o mal o todo lo contrario. Por otro lado la chica canta aceptablemente y es capaz de trasmitir emociones”. Fito Feijoó, Paco Carrero y Pepe Palau. Guía esencial de la nueva ola española. Rock Indiana. 1994.

Otra: “Yo quizás voy de voz solista porque no aguanto mucho a la gente, en un grupo hay siempre muchas movidas y no todas agradables; llevo cantando desde los diez años y tengo claro que es lo que quiero y a qué nivel moverme. No me veo ni dentro de la música moderna ni fuera, sólo veo que tengo cosas que decir o cantar y quiero quitarme la espina de que en España las mujeres no venden”. Luz Casal. Septiembre de 1982.

Canciones: Quiéreme aunque te duela. ¡Que rabia!. El orangután. Lejos de ti. Me tiran de las manos. Un día marrón. A cada paso. 444 (De lejos). (Mientras tanto) Afuera empieza llover.

Músicos: Luz Casal (voz), Francisco G. Palacios (arreglos, programación de guitarras, teclados, guitarras y percusión), John Parsons (guitarra), José A. Romero (guitarras), Mike Herting (teclados), Chucho Merchán (bajo), Sergio Castillo (arreglos, programación de teclados y batería), Carlos Narea (percusión y voz), Serge Maillard (programa de batería) y Tato Gómez (voz).

Además: La carrera de Luz Casal incluye canciones para bandas sonoras de películas como las tituladas Un año de amor y Piensa en mí, que suenan Tacones lejanos, y Tu bosque animado, que se puede oír en El bosque animado.

Más portadas: Luz (1982), Los ojos de gato (1984), Luz III (1985) y Luz V (1989).

The singer (Discophon-Vaya Records) 1976
Cheo Feliciano
Portada: Fotografía de Bob Hunter

Una historia: “El niño mimado de Puerto Rico, como alguna vez dijo alguien de la Fania, se ha caracterizado siempre por su maestría a la hora de cantar boleros así como por ese matiz especial que solo él sabe colocar en los viejos sonos o guarachas. Estas dos características que venían desde sus trabajos con el Sexteto de Joe Cuba modificarían en gran medida la propia proyección de la industria Fania.
Cheo Feliciano publica cuatro discos de ambiente salsero en los años setenta…
En todos ellos el buen gusto y la condición de cantante más bien romántico alejaron a este artista del patrón típico en el que se encuadraban la mayoría de los cantantes de salsa. Quizás el más destacado de estos discos sea El Cantante, donde Cheo se permite llevar a cabo una serie de innovaciones en base a viejos ritmos como el mambo de una forma que nadie hasta aquel momento había conseguido”. María Virtudes Núñez y Ramón Guntín. Salsa Caribe y otras músicas antillanas. Ediciones Cúbicas. 1992.

Otra: “Nació en Puerto Rico. Antes de convertirse en un sonero de primera línea fue valet del cantante y director Tito Rodríguez. A veces le permitían tocar la tumbadora y hacer coro en la orquesta. Tito fue para Cheo Feliciano el maestro que le enseñó disciplina, cadencia y seguridad en el ritmo”. Varios autores. El tumbao de unos chicos de barrio. Revista Panorama.

Canciones: Canta. Sasaludando. Incomparable. Domitila. No vuelvo más. Felicitaciones. Es muy fácil. Enamorado. Poco a poco.

Musicos: Cheo Feliciano (voz), Johnny Pacheco (tambora), Papo Lucca (piano), Jorge Mollet (vibes), Eddie Rivera (bajo), Joe Santiago (bajo), Vinnie Bell (guitarra), Harry Viggiano (tres), Louis Ortiz (trompeta), Barry Rogers (trombón), Tom Malone (trombón), Mario Rivera (saxo), Nicky Marrero (timbales), Roberto Roena (bongos y conga), Johnny Rodriguez (conga), Ismael Quintana (percusión) y coro: Tito Allen, Ruben Blades y Adalberto Santiago.

Además: “Desde finales de los ochenta, Cheo cayó en la desgracia del pop latino, pero quedan para la historia sus grandes momento salseros y temas como Anacaona, Soy tu ley, Busca lo tuyo y Si por mí llueve, entre otros”. Enrique Romero. Salsa. Celeste Ediciones. 2000.

Más portadas: Cheo (1971), Lookin For Lover (1974), Mi tierra y yo (1977), Estampas (1978), Sentimiento tu (1980), Regresa el amor (1985) y Como tú lo pediste (1988).

Monterey International Pop Festival

Volume one

John Phillips

Festival Introduction

The Association

Along Comes Mary

Windy

Lou Rawls

Love Is A Hurtin' Thing

Dead End Street

Tobacco Road

Eric Burdon & The Animals

San Francisco Nights

Hey Gyp

Canned Heat

Rollin' And Tumblin'

Dust My Broom

Bullfrog Blues

Big Brother & The Holding Company

Down On Me

Combination Of The Two

Harry

Road Block

Ball And Chain

Volume two

The Butterfield Blues Band

Look Over Yonder Wall

Mystery Train

Born In Chicago

Double Trouble

Mary Ann

The Steve Miller Band

Mercury Blues

The Electric Flag

Groovin' Is Easy

Wine

Hugh Masekela

Bajabula Bonke

The Byrds

Renaissanse Fair

Have You Seen Her Face

Hey Joe

He Was A Friend Of Mine

Lady Friend

Chimes Of Freedom

So You Want To Be A Rock 'N' Roll Star

Ravi Shankar

Dhun: Fast Teental

The Blues Project

Wake Me, Shake Me

Volume three

Jefferson Airplane

Somebody To Love

The Other Side Of This Life

White Rabbit

High Flyn' Bird

She Has Funny Cars

Booker T. & The MG's

Booker-Loo

Hip Hu-Her

Booker T & The MG's With The Mark-Keys

Philly Dog

Otis Redding

Shake

Respect

I've Been Loving You Too Long

Satisfaction

Try A Little Tenderness

The Who

Subtitute

Summertime Blues

Pictures Of Lily

A Quick One While He's Away

Happy Jack

My Generation

Volume four

The Jimi Hendrix Experience

Killing Floor

Foxy Lady

Like A Rolling Stone

Rock Me Baby

Hey Joe

Can You See Me

The Wind Cries Mar

Purple Haze

Wild

The Mamas & The Papas

Straight Shooter

Got A Feelin'

I Call Your Name

Monday Monday

Scott McKenzie

San Francisco

The Mamas & The Papas (Festival Finale)

Dancing In The Street

Portada de Disco editado en 1997 por Castle Communications para conmemorar el aniversario del festival celebrado los días 16, 17 y 18 de junio de 1967 en Monterey (California). Derecha, poster anunciador del evento musical. Diseños y dibujos de Tom Wilkes.

Anduriña (Novola) 1968

Juan y Junior

Contraportada: Dibujo de Pablo Picasso

Una historia: “Lo suyo era pop dirigido al sector juvenil femenino, pero con una calidad y profesionalidad que, en cierto modo, les distanciaba de sus objetivos primarios. Sus grabaciones y actuaciones las cuidaban con mimo y delicadeza, haciéndose acompañar por músicos de reconocida calidad. Su productor era Mike Smith, quien también trabajaba con el grupo inglés The Tremeloes, y las grabaciones se hacían en Londres y Milán.
Su singladura no fue muy extensa, pero brindaron a sus incondicionales un ramillete de delicadas canciones pop de excelente factura: Nos falta fe, Bajo el sol (este single llegó al nº 1 de las listas en octubre de 1967), A dos niñas (todo un éxito en las Navidades del 67), Anduriña (1968) y Tiempo de amor (1969)”. Salvador Domínguez. Bienvenido Mr. Rock. SGAE. 2002.

Otra: “La separación del dúo Juan y Junior no fue más que otro caso de la epidemia que asolaba a la mayoría de las formaciones de entonces. Su escueta discografía es de lo más supremo del pop nacional. Su salida de Los Brincos desnortó al conjunto, a pesar de que se recuperaron espléndidamente, pero habían demostrado que dos, cuando hay talento en ambas partes, es un número suficiente para deslumbrar. La asociación no obstante fue efímera, disolviéndose a finales de 1968. Al año siguiente cada uno resurgiría como vocalista independiente”. Gerardo Irles. ¡Sólo para fans! La música ye-yé y POP española en los años 60. Alianza Editorial. 1997.

Canciones: Anduriña. Para verte reír.

Músicos: Juan Pardo (voz), Junior (voz), David Waterston (órgano), Bill Robinson (bajo) y José María Moll (batería).

Además: “Hasta consiguieron que Juan Manuel Serrat, hasta entonces cantante casi en exclusiva de canciones propias, tradujera al catalán y grabara su En San Juan: que quedó en su voz como Per Sant Joan”. José Ramón Pardo.

Más portadas: La caza/nada (1967), Nos falta fe/bajo el sol (1967), Tiempo de amor/En San Juan (1968) y Lo que el viento se llevó/Tus ojos (1969).

En la playa. Na praia. On the beach. 在海滩. Sulla spiagga. на пляже. Sur la plage. على الشاطئ. Am strand.

The Beach Boys 20 Golden Greats (Capitol, 1976)

The MoodyBlues Sur la Mer (Polydor, 1988)

Firefall Undertow (Atlantic, 1979)

America Harbor (Warner, 1977)

Lied Ohne Worte

Aboia un esbardar de marusías

tentando os ceos sin atopar a Lúa.

Pero a Lúa esta noite

desertou dos almanaques.

Murcha entre dúas follas

-violedas pensamentos-

do manual póstumo

-outo madrigaes-

que versifiquéi eu.

Mansas vagas unánimes

reorgaízanse detrás do vento.

Cando pase a rafega derradeira

diranos adeus

co pano branco do gaf-tope.

Alude a un fracaso

de follas amarelas

e renóvase a sorrisa dos mastros

sempre cas ponlas novas e xoviaes.

Noiva miña

vestida de lúa

que romantizas

¡tan cursi!

polo xardín.

Senteime a proa

fumando a miña pipa.

Pero outra noite pensaréi en ti.

(Flota un escampar de marejadas,/tanteando los cielos sin encontrar la Luna./Pero la Luna esta noche/desertó de los calendarios./Marchita entre dos hojas/-pensamientos violetas-/del manual póstumo/-ocho madrigales-/ que compuse yo./ Mansas olas unánimes/se reorganizan detrás del viento./Cuando pase la última ráfaga/no dirán adiós/con el trapo blanco de la serviola./Alude a un fracaso/de hojas amarillas/y se renueva la sonrisa de los mástiles/siempre con las ramas nuevas y joviales./Novia mía,/vestida de Luna,/que romantizas,/¡tan cursi!,/por el jardín./ Me senté a proa/fumando mi pipa./Pero otra noche pensaré en ti./)



De catro a catro, libro composto a bordo, Atlántico-Mediterráneo, 1926/1927.

Manuel Antonio (Rianxo 1900-1930)

Cara Conocida

Transformer Man

Lotta Love

Harvest Moon

Cowgirl In The Sand

I Believe In You

Albuquerque
Like A Hurricane

The Old Laughing Lady

Neil Young

Lucky Thirteen (Geffen, 1992)

Comes A Time (Reprise, 1978)

Unplugged (Reprise, 1993)

Everybody Knows This Is Nowhere (Reprise, 1969)

After The Gold Rush (Reprise, 1970)

Tonight´s The Night (Reprise, 1975)

American Star´n´Bars (Reprise, 1977)

Neil Young (Reprise, 1969)

The Modern Lovers (Beserkley) 1976
The Modern Lovers
Portada: Fotografía de Richard P. Rodgers

Una opinión: “Recopilado por la gente de Beserkley, este primer LP había sido producido casi en su totalidad por Mr. John Cale unos años antes. Es pura prehistoria punk, y un primerizo y potente manifiesto que le canta al mundo moderno con un desparpajo genial. En la banda estaban David Robinson, después bajista de los Cars, Jerry Harrison, ahora teclista de Talking Head, y Ernie Brooks, bajista también de los Necessaries, más Jonathan, claro; todo un personal. Incluye una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos, Roadrunner, y ruge con sonidos imprescindicles”. Michele Curel. Jonathan Richman. Eterna primavera. Rock Espezial. Número 28. Diciembre de 1983.

Otra: “Su ensañamiento por recuperar los años cincuenta y su creciente rechazo del volumen le han convertido en una figura encantadora pero marginal. Estructuras simples y miradas en las que caben reggaes egipcios o canciones de amor chinas. Cara de niño y cerebro inquieto, la obra de Richman parece la jugada maestra de un polemista perverso”. Antonio de Miguel. Calles de fuego. Historia del Rock. El País. 1987.

Canciones: Roadrunner. Astral Plane. Old World. Pablo Picasso. I’m Straight. Dignified And Old. She Crakd. Hospital. Someone I Care About. Girl Friend. Modern World. Government Center.

Músicos: Jonathan Richman (voz y guitarra), Ernie Brooks (bajo), Jerry Harrison (teclados) y David Robinson (batería).

Además: “En 1973, Cale produce a los Modern Lovers, una banda de Boston reunida por un hiperadulador de Velvet, Johnathan Richman, que se levanta contra la droga y el sexo, y canta soy un chico recto. Resultó un fracaso –nos dice Cale-. El disco no lleg´a salir. Se burlaban de todo el mundo. Nunca estaban contentos con lo que hacían. Para mí se hizo imposible trabajar con ellos”. Poetas malditos del rock. Traducción de Alberto Manzano. Espiral/Fundamentos. 1986.

Más portadas: Rock And Roll With The Modern Lovers (1977), Jonathan Richman And The Modern Lovers (1977), Back In Your Life (1979), Jonathan Sings (1983), It’s Time For (1986), Modern Lovers 88 (1988).

Nebraska (CBS) 1982
Bruce Springsteen
Portada: Fotografía de David Kennedy


Una opinión: “Folk acústico, seco, punzante, solitario, un puñetazo en el estómago de la Nueva América de Reagan, fielmente retratada en canciones tremendas como Johnny 99, Used Cars y Reason To Believe. Nebraska es el grito descarnado de un hombre que ha sentido el aliento del abismo y ha sobrevivido, un hombre que ya jamás volverá a interpretar Born To Run con la misma ingenuidad con que la escribió”. Luis Lapuente. Discografía. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Otra: “Conjuga las consignas de los textos del rock con las exploraciones de la canci´n de autor. Se reconoce –vía discos homenaje- en creadores marginales como Woody Guthrie, Pete Seeger o Curtis Mayfield. Orienta las interpretaciones de su trabajo que le insertan en la cadena de Grandes Narradores Estadounidenses, de Jon Ford a John Steinbeck. Ya empieza a pensar en la posteridad”. Diego A. Manrique. ¿De qué hablamos cuando hablamos de Springteen. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Canciones: Nebraska. Atlantic City. Mansión On The Hill. Johnny 99. Highway Patrolman. State Trooper. Used Cars. Open All Night. My Father’s House. Reason To Believe.

Músicos: Bruce Springteen (guitarra, armónica y voz).

Además: “Olvídate de las barbarides –“¡es el camionero del rock, el Rambo de los escenarios! Que los vendedores de humo te han querido colocar tantísimas veces. Bruce Springteen da para análisis con mucha enjundia. Por ejemplo: el de Nueva Jerey, leído entre líneas, sirve como magnífico diccionario enciclopédico con el que descubrir o repescar míticos personajes de la música popular estadounidense cubiertos hoy de telarañas”. Miguel Martínez. Bruce Springteen. Las raíces del cielo. Efe eme. Número 8. Junio de 1999.

Más portadas: Greetings From Ashubry Park (1973), The Wild, The Innocent And The Street Shuffle (1973), Born To Run (1975), Born In The USA (1984), Live 1975-1985 (1986) y Tunnel Of Love (1987).

Canta as súas canciós (Edigsa/Xistral) 1968
Miro CasabellaPortada: Diseño y fotografía de J. Fornas

Una opinión: “La Nova Canción Galega nació con el propósito bien definido de servicio a Galicia y a su cultura. Fundamentalmente el objetivo de estos jóvenes universitarios es revitalizar la lengua gallega en un ámbito hasta ahora no tratado: la canción no folclórica, pero con unas posibilidades inmensas de proyección multitudinaria. Por encima de todo quieren dar testimonio de la problemática viva de su país, lejos de cualquier plano esteticista y con una decidida voluntad de servicio a una comunidad a la que se sienten honda y radicalmente unidos. Hay pues dos proyecciones inmediatas en este quehacer: una hacia el pueblo gallego intentando darle una canción viva con textos que reflejen su situación; otra hacia Galicia como comunidad, colaborando en la tarea de surgimiento de su cultura, labor esta que es imposición ineludible de nuestro tiempo”. Nota de presentación del primer EP de Miro Casabella.


Otra: “Casabella andaba un poco escarmentado. Pero, ya que contaba con Xerardo Moscoso y conmigo, entró en Voces Ceibes un par de meses después (al tiempo que Guillermo) aportando empuje, honradez y, lo más importante, calidad y capacidad de innovación”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991.

Canciones: Ti, Galiza. O labrego. Soia. No desterro.

Músicos y compositores: Miro Casabella y Pedro J. Puértolas.

Además: “El impacto de los cantautores franceses y americanos y la necesidad de uso de la canción como un arma más contra la dictadura franquista lleva a la aparición de las Voces Ceibes y al inicio con ellas un nuevo camino para la música popular en el que el idioma es ya un instrumento irrenunciable”. Editorial del especial Cancións para todos nós. A Nosa Terra. Diciembre de 1996.

Más portadas: Ti, Galiza (1977) y Treboada (1979).

Cuarenta años después 

Discos de 1967



The Doors (Elektra) 1967
The Doors
Portada: fotografía de Guy Webster

Una opinión: “La prehistoria de los Doors se remonta a 1965. En aquella época, Jim Morrison y Ray Manzarek estudiaban cine en la UCLA, la universidad de Los Ángeles. Los viernes y sábados por la noche, Ray Manzarek se convertía en Screamin’ Ray Daniels, el cantante de Rick And The Ravens, grupo que había formado con sus dos hermanos Rick (al piano) y Jim (a la guitarra). Tal como se desprende fácilmente del impresionante seudónimo adoptado por Ray, hacían blues, cosa que habían aprendido en su misma fuente, ya que los Manzarek provenían de Chicago. También tocaban los fines de semana en un club de Santa Mónica, el Turkey Joint West. Ello proporcionaba a Ray dinero para pagar sus estudios, y no pedía nada más. Como es lógico, sus compañeros del departamento de cine de la UCLA se encontraban normalmente en la sala, y a veces Ray invitaba a todos a subir y reunirse con él en el escenario para cantar, gritar y desmadrarse todos juntos. Entre ellos, de vez en cuando, estaba Jim Morrison.
En aquella época Jim escribía. No solamente poemas, sino canciones con concepto melódico, incluso había llegado a planear, con Dennis Jacob, un amigo de la UCLA, la eventualidad de forma un dúo de rock que se llamaría The Doors: Open And Closed. En ese momento, para él la idea era una especie de fantasma semi-inconsciente, tal como confiesa más tarde: No lo pensaba realmente en serio. Estaba ahí, eso es todo. Yo no cantaba nunca. Ni siquiera se me había pasado por la cabeza. Pensaba que me convertiría en escritor o sociólogo, quizás escribiría obras de teatro. Nunca iba a un concierto, todo lo más uno o dos. Había visto algunas cosas en la tele, pero nunca me había identificado con todo eso”. Hervé Muller. Jim Morrison y The Doors. Ediciones Júcar. Los Juglares. 1975.

Otra: “Con la ayuda de Paul Rothchild y Bruce Botnick, un ingeniero de sonido extraordinariamente creativo, The Doors superarían pronto su falta de experiencia y en tan sólo dos semanas completan el trabajo en el estudio de grabación.

La elección de los temas se realizado entre los que tenían mejor sonido en vivo, todos ellos trabajados noche a noche durante el año anterior en los distintos clubes. Morrison era el autor de ocho de los once temas del álbum, escritos la mayoría de ellos en Venice. Break On Trough, The Cristal Ship, Soul Kitchen, un pequeño y económico restaurante que Jim frecuentaba), aparecían en la Cara A, junto a Alabama Song, Un tema que formaba parte de The Threepenny Opera (la Ópera de tres peniques), compuesta en 1928 por Bertolt Brech y Kut Weill.

El primer tema de la cara B, Back Door Man, de Willie Dixon, era un favorito de Morrison que incluían a menudo en su repertorio. Rothchild defiende la aparente mediocridad de los tres temas que siguen, I Looked At You, End Onf The Night y Take It As It Comes, diciendo que representaban probablemente más que ningún otro la génesis del grupo. Para cerrar ambas caras están The End y Light My Fire ”. Inés Vega. Jim Morrison y The Doors. Rock Pop. Cátedra. 1996.

Canciones: Break On Through (To The Other Side). Soul Kitchen. The Crystal Ship. Twentieth Century Fox. Alabama Son (Whiskey Bar). Light My Fire. Black Door Man. I Looked At You. End Of The Night. Take It As It Comes. The End.

Músicos: Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería).

Además: “La personalidad creativa de Morrison, evidenciada en las letras compuestas por él, creaba un clima necesario para a comunicación entre el intérprete y su auditorio. Sus textos no eran de fácil comprensión, la mayoría de sus composiciones resultaban oscuras; sin embargo, ponían de manifiesto la necesidad del hombre por expresar sus inquietudes existenciales”. Jaime Rosal. Introducción. Señores y nuevas criaturas, Jim Morrison. Star Books. 1977.

Más portadas: Strange Days (1967), Waiting For The Sun (1968), The Soft Parade 1969), Morrison Hotel (1970), Absolutely Live (1970), L.A. Woman (1971), Weird Scenes Inside The Gold Mine (1972), Primeras Grabaciones (1974), An American Prayer (1978) y Alive She Cried (1983).

De Paso (Movieplay) 1975Hilario Camacho
Portada: Octavio Colis

Una opinión: “De paso y La estrella del alba son dos producciones en las que el ímpetu por experimentar se hacen patentes en cada recodo de los mismos, muestran a un Hilario Camacho que busca una sonoridad propia, algo enloquecida, que lo emparienta más, salvando todas las distancias, a los modelos mediterráneos de Pau Riba y Jaume Sisa que a sus compañeros mesetarios: “Me di cuenta que fui a grabar que no había hablado nada, sólo había libertad y dije sí. Los discos se hicieron con cuatro duros y medio, pero la virtud fue que yo iba allí con las canciones que quería y Gonzalo García Pelayo, el productor se enteraba durante la grabación. Este hombre tuvo una idea: propuso a Movieplay hacer un sello, Gong, en el que grabase, no todo Dios, pero sí muchísima gente y a ver qué pasaba, unos siguieron grabando, otros sólo hicieron un disco, él, creo, se lo planteó así, ése fue su acierto: dejar a la gente hacer sus cosas, a ver qué ocurría. Y ahí está De paso. Hablé con una gente, un grupo de jazz vanguardista, comenzamos a trabajar los temas y aquello empezó a florecer. Fue un tiempo muy explosivo para mí y ahí ha quedado”. Juan Puchades. Efe eme. Número 3. Enero de1999.

Otra: “Por fin llega al público algo representativo de la clase de Hilario Camacho, un testimonio válido del actual momento que atraviesa. La atmósfera tan placentera que crea en el primer instrumental, Tiempo al tiempo, no nos abandonará en todo el disco; es más, no irá envolviendo y casi ni escucharemos las letras, letras que en este caso ofrecen un menor interés que en el anterior LP, simplemente porque no es necesario decir demasiado con las palabras cuando se dice todo con la música”. Manuel Domínguez. Ozono. Junio de 1975.

Canciones: Tiempo al tiempo. Volar es para los pájaros. Dolores, Dolores. El agua en sus cabellos. Testimonio. Verónica. Princesa de cera. Pequeña muerte. Cuerpo de ola. El peso del mundo.

Músicos: Hilario Camacho (guitarras acústicas, armónica y voz), Pierre Torlois (guitarras, mandolina y armónica), Jorge Pardo (saxos y flautas), José Antonio Galicia (batería), Javier Estrella (percusión), Quique Santana (bajo), Jesús Pardo (teclados) y Rosa Ávila (voces).

Además: “El caso de Hilario Camacho es un tanto especial en el panorama de la canción de autor en España. Fue uno de los primeros en romper el concepto clásico y tradicional de la canción de autor. Rotundamente influido por el rock y la musicalidad electroacústica americana de la segunda mitad de los años sesenta (Dylan, Cohen, Byrds, Janis Joplin…), supo releer la canción castellana con la mirada puesta en el público joven, aquel que, a principios de los años setenta, era consciente de que la juventud era un valor revolucionario en la España de Franco, y así comenzó a cantar contra la monotonía, los años grises de la dictadura y la necesidad de favorecer el cambio desde dentro, desde las actitudes individuales”. Jordi Turtós-Marga Bonet. Cantautores en España. Celeste. 1978.

Más portadas: A pesar de todo (1973), La estrella del alba (1976), La mirada del espejo (1981), Subir subir (1983), Gran ciudad (1986) y El mercader del tiempo (1990).

Do It Yourself (Stiff) 1979
Ian Dury & The Blockheads
Portada: Diseño Barney Bubbles



Una opinión: “Un nuevo single, Hit me with your rhythm stick, fue número uno en el ranking británico, y preparó el terreno al volumen definitivo: Do It Yourself (1979), estreno formal de la banda y sinuoso manifiesto de rock casero en contacto con ritmos funk. Sink My Boats, Inbetweenies y otras ocurrencias dieron en el blanco. El canto del cisne: un año después, Jankel se daba de baja y Wilko Johnson –recién rebotado de Dr. Feelgood- se sumaba al correcto Laughter, su despido de Stiff”. Jordi Bianciotto. Efe eme. Número 18, correspondiente al mes de mayo de 2000.

Otra: “El elepé Do It Yourself sirvió para que Ian Dury (1942-2000) se estrenase discográficamente a con la banda The Blockheats. A la vez orientó su música hacía un eclecticismo en el que destacaba el ritmo bailable, algo que el cantante británico prefirió por encima de modas, hasta convertirse en una seña de identidad de los discos y actuaciones que protagonizó hasta su muerte”. Sam Rock.

Canciones: Inbetweenies. Quiet. Don’ t Ask Me. Sink My Boats. Waiting For You Taxi. This Is What We Find. Uneasy Sunny Day Hotsy Totsy. Mischief. Dance Of The Scremers. Lullaby For Francies.

Músicos: Ian Dury (voz), John Turnbull (guitarras), Mickey Gallagher (teclados), Davey Payne (saxos), Chaz Jankel (teclados), Norman Watt-Roy (bajo) y Charley Charles (batería).

Además: “No me interesa ser el precursor de nada. Richard Hell sí decía que el había inventado el punk, pero puedo asegurarte que se lo enseñó todo su novia, Roberta Bayley. Y ella había sido mi novia antes de liarse con él…” Ian Dury en una entrevista concedida a Ignacio Juliá. Rock Especial. Número 3. Diciembre de 1981.

Más portadas: Handshome (con Kilburn And The High Roads -1975), Wotabunch! (con the Kilburns-1977), New Boot & Panties!! (1977), Laughter (1980), Lord Upmisnter (1981) y 4.000 Weeks’ Holiday (1984).

Michelangelo Antonioni (1912-2007)

En las calles del Swinging London y por el desierto de Arizona post-jipi

Blow-up (1966)

Una opinión: “La idea de Blow-up me vino al leer un breve relato de Julio Cortázar. No me interesaba tanto el argumento como el mecanismo de las fotografías. Descarté aquél y escribí uno nuevo, en el que el mecanismo asumía un peso y un significado diversos. Tonino Guerra y, para los diálogos ingleses, Edward Bond colaboraron conmigo en el guion”. Michelangelo Antonioni.

Música: Herbie Hancock. Yarbirds (Stroll On) y Tomorrow (Am I Glad Too See You).

Zabriskie Point (1970)

Una opinión: “Psicodelia, rock, folk, blues y country son los estilos predominantes en la banda sonora de esta película americana del italiano Antonioni, quien con su singular visión de la juventud de inicio de la década de 1970 no logró el visto bueno de la crítica especializada en el séptimo arte. Para muchos, el director de Ferrara entraba entonces en declive en su introspección fílmica, mientras que la banda sonora del largometraje resultaba actual a los oídos de los seguidores del rock”. Sam Rock.

Música: Pink Floyd, The Grateful Dead, Jerry García, The Youngbloods, Patti Page, Roscoe Holcomb, The Kaleidoscope y John Fahey.

Más bandas sonoras: Chung Kuo Cina (1972), Professione: Reporter (1975) y Il Misterio Di Oberwald (1980).