Canta en língua galega (Edigsa / Galaxia) 1967
Luis Olivares
Portada: J. Fornas



Una historia: “Uno de los discos previos a los de la denominada Nova Canción Galega (Voces Ceibes) se puso a la venta en el año 1967 bajo el título Luis Olivares canta en língua galega, un EP de cuatro canciones de folk y música popular, adaptadas al gallego por el poeta Xosé Luís. Franco Grande. El también poeta y estudioso Vicente Araguas, miembro del citado grupo de canción gallega nacido en torno a la universidad compostelana en la segunda mitad de los sesenta, reconoce que Olivares era un crooner catalán que cantaba en su idioma estándares que fueron interpretadas con la orquestación ya utilizada en las versiones en catalán de las canciones de dicho disco. We shall overcome, en gallego Venceremos nós, fue el himno central de la primavera santiaguesa de 1968, en el seno de la cual nacería Voces Ceibes, indica Vicente Araguas al hablar de este curioso disco de canciones en gallego. En aquellos años Cataluña disponía de una canción comercial en la que, además de Olivares, estaban Nuria Feliz, Gloria y Maria Pilar, entre otros y otras personas que grababan habitualmente discos pequeños, lo cual demuestra que el ritmo era distinto al de la nueva canción gallega, además de que la casa discográfica, Edigsa, también era catalana, recalca Araguas”.

Otra: “Sobre Salvador Escamilla tengo que decir que fue un gran amigo de la editora discográfica y también personal, y sobre todo, un gran patriota. Muchos artistas fueron descubiertos o lanzados a la fama por las ondas que él dominaba como nadie. Fue el primer valiente de la radiodifusión. La lista de jóvenes popularizados es larga, empezando por los Setze Jutges, mezclados con muchos otros, Jutges o no, como Joan Manuel Serrat, Queta y Teo, Maria del Mar Bonet, La Trinca, Tete Montoliu, Núria Feliu, Maria Cinta, Lluís Olivares, Magda, Glòria, Marina Rossell... casi todos”. Enric Cirici.

Canciones: Si sai o sol (quan surti el sol). Vencermos We shall overcome). Percura a rosa (Cherche la rose). Amor certo (True love).

Además: “Pero, maravilla, terminando la ceremonia, antes de las carreras, comenzamos todos a cantar. Era Venceremos nós, versión gallega del mítico We shall overcome, que algunos conocíamos por la voz de Joan Baez y que ahora aparecía traducida muy bien traducida al gallego, por Xosé Luís Franco Grande. Juraría que fue el día de la estatua el primero en que se cantó en Santiago o después tantas veces repetido himno si bien como tal, tocante a la música, no tenía excesiva fuerza, quizá un cierto aire de bellísima derrota que fue, ciertamente, como había de acabar la batalla que apenas estaba en su comienzo”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991

Otras portadas: El món (1965), Quina tristor Venecia (1965) y Si sale el sol (1966).

No manto da auga (Guimbarda) 1982

Emilio Cao
Portada: Fotografía de Emilio Cao

Una historia: “En este álbum he cuidado más las letras que en los anteriores. Aunque en algunos casos las músicas sean tradicionales me he detenido mucho en los arreglos. Es una evolución que parte de los balbuceos del primer disco en el que pretendía reflejar todo lo que estaba haciendo, y que pasa luego por el intento de hacer algo unitario alrededor de una idea común como era Lenda da pedra do destiño”. Emilio Cao. Declaraciones realizadas al sello discográfico Guimbarda.


Otra: E trocouse a cor das algas/ E secou a auga no mar/ E ti baixaches onte correndo ao fondo/Outra vez mais,/Por entre os grandes peixes/Que agonizantes viante pasar…/Berrando moitos nomes de homes/Que moveran o mundo/Pro ningún de eles baixa/Cando algunha noite se nos seca o mar./ Soio na sima mais fonda/podes perlas atopar/Atopar perlas e corales na negrura da noite/Agora que as augas ergueron paseniño o seu manto/Agora deixaremos señales nos oceanos mortos/E saberemos os camiños/Cando algunha noite se nos seque o mar.
“Y cambió el color de las algas/y secó el agua en el mar/Tu bajaste ayer corriendo al fondo/Otra vez más,/Por entre los grandes peces/Que agonizantes te veían pasar/Gritando muchos nombres de hombres/Que movieran el mundo/Pero ninguno de ellos baja/Cuando alguna noche,/Ahora que las aguas(levantaron lentamente su manto/Ahora dejaremos señales en los océanos muertos; Y sabremos los caminos/Cuando alguna noche se nos seque el mar”. Emilio Cao. No manto da auga-En el manto del agua.


Canciones: Pandeirada de Entrimo. Adeus Irlanda. Sara. No manto da auga. Cometa azul. Ela ergueu as duas mans ao vento. De volta para casa. Estrela do norte. Cometa azul II.


Músicos: Emilio Cao (guitarras, arapa, bajo, teclados y voz), Laura y Marina Quintillán (violines), Juan Álvarez (bajo, guitarra rítmica y violonchelo), Xoán R. Silvar (requinta), Emilio Melio (requinta), Benat Amorena (percusión y tablas), Manuel Míguez (trompa), Beatriz, Marta Requejo, Olga Felipez y Nuria Vázquez (voces en Cometa azul II).


Además: El año de la salida del disco No manto da auga, Emilio Cao estuvo presente en festivales de música de Bruselas –en junio en el de la Radio y en septiembre en el Folk de la capital belga, Pontardawe (Gales) y Rotterdam (Holanda).

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA) 1972
David Bowie
Portada: Brian Ward y Terry Pastor

Una historia: “El disco tiene una doble temática: por un lado, se trata de una reflexión irónica del cantante sobre sí mismo, sobre su carrera espectacular; por otra parte hay una serie de temas de ciencia ficción –Starman, Moonage Daydream-, en los que Bowie vuelve a su hit Space Oddity, pero con menos pretensiones, con humorismo incluso. Ziggy Stardust es uno de los álbumes fundamentales de Bowie, y también, probablemente, de los años 70: una desmitificación de la imagen de la rock star, y al mismo tiempo una cierta complacencia en esta misma imagen”. Eduardo Haro Ibars. Gay Rock. Los Juglares. Ediciones Júcar. 1975

Otra: “Debo explicar que no conozco necesariamente la significación de lo que escribo. Lo único que trato de hacer es reunir aquellos temas que más me interesan, como una especie de crucigrama, y eso se convierte en una canción. Quienes escuchen la canción pueden tomar de ella lo que quieran. Cuando grabé Ziggy Stardust, creía que el artista de rock and roll, en tanto enigma, era importante; ahora pienso que el artista de rock and roll reflja en muchas ocasiones lo que le sucederá a la sociedad del futuro”. David Bowie.

Canciones: Five Years. Soul Love. Monnage Daydream. Starman. It Ain’t Easy. Lady Stardust. Star. Hang On To Yourself. Ziggy Stardust. Suffragette City. Rock And Roll Suicide.

Músicos: David Bowie (guitarra, saxofón y voz), Mick Ronson (guitarra, piano y vocal), Trevor Bolder (bajo) y Mick Woodmansey (batería).

Además: "En el año 2002, con motivo del 30 aniversario de la grabación de Ziggy Stardust, se puso a la venta un doble disco compacto con las grabaciones originales, demos de las mismas y otras canciones como las tituladas John, I’m Only Dancing, Velvet Goldmine, Holy Holy, Ámsterdam, The Supermen, Round And Round y Sweet Head. El disco de David Bowie está considerado uno de los mejores de la historia del rock". Sam Rock.

Struttin’ My Staff (Capricorn Records) 1976
Elvin Bishop
Portada: Diseño de Mick Haggerty & John Kehe/Art Attack. Fotografía de David Alexander

Una historia: “Hizo su bachiller guitarrístico con la Paul Butterfield Blues Band de Chicago durante buena parte de los años sesenta, donde aprendió mucha técnica del malogrado Mike Bloomfield, hasta que en 1968 se decidió emprender la aventura solista yéndose a San Francisco . Siguió a vueltas con el blues hasta que fichó por Capricorn. El giro en su música se hace radical, adopta maneras más bailables y fluidas; música de codazo y sudor con finísimos retoques de blues aquí o allá, proyectando el calor guitarrístico de Bishop u Johnny Breñaza sobre las parrillas siempre dispuestas de Phil Aaberg (teclados)”. Antonio de Miguel. Guitarras del sur. Historia del Rock. El País.

Otra: “La formación de Elvin Bishop, comenzada en Oklahoma gracias a numerosos contactos con jóvenes negros, prosiguió en Chicago, en donde el guitarrista formó parte de la importante Paul Butterfield Blues Band, el líder de esta orquesta, P. Butterfield, se había mezclado con músicos de los barrios negros desde finales de los años 50, tocando con ellos en varios clubs, concretamente el Big John’s”. Philippe Bas-Rabérin. Blues Moderno. Los Juglares. Ediciones Júcar. 1975.

Canciones: Fooled Around And Fell In Love. Holler And Shout. Struttin’ My Stuff. Joy. Hey, Hey, Hey. Slicky Titty Boom. Have A Good Time. Grab All The Love. I Love The Life I Lead.

Músicos: Elvin Bishop (guitarras, slide guitar y voz), Johnny V Vernaza (guitarras, slide guitar y voz), Michel Fly Brooks (bajo), Don Baldwin (batería, congas, percusióin y voz), Phil Aaberg (piano y clarinete), Bil Slais (sintetizador y voz), Mike Keck (piano y órgano), Terry Hanck (saxo tenor) y Mickey Thomas (voz y coros).

Además: “Elvin Bishop fue guitarrista habitual en las actuaciones del Fillmore West durante su etapa californiana en el área de San Francisco, donde no renunció al blues como demuestra su presencia al lado de otros músicos impregnados del sentimiento de dicho estilo (B.B. King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield o Al Kooper). También tocó en el Fillmore East, en concreto aparece como guitarrista y voz en una de las canciones del doble disco de The Allman’s Brothers Band: At Fillmore East (1971) ”. En la segunda mitad de la siguiente década, Elvin reafirma su compromiso con el blues al ser contratado por la discográfica Alligator Records”. Sam Rock.

Más portadas: The Elvin Bishop Group (1969), Feel It! (1970), Rock My Soul (1972), Let It Flow (1974), Juke Joint Jump (1975), Big Fun (1988) y Don’ t Get You Down! (1991).

The Marshall Tucker Band

Capricorn Records 1973-1983

The Marshall Tucker Band (1973)

Portada: James Flournoy Holmes

Where We All Belong (1974)

Portada: Jim Campbell

Searchin' For a Rainbow (1975)

Portada: Ken Featherston

Long Hard Ride (1976)

Portada: Frank C. McCarthy (The last crossing)

Carolina Dreams (1977)

Portada: John Kehe/Bill Franks

Togheter Forever (1978)

Portada: David Alexander

Running Like The Wind (1979)

Portada (David Alexander)

Tenth (1980)

Portada: Vigon Nahas Vigo/Peter Greco

Dedicated (1981)

Portada: Phil Rose And Nancy Merritt Rose

Tuckerized (1982)

Portada: Arnold Rosenberg

Greatest Hits (1982)

Portada: John Kehe

Greetings From South Carolina (1983)

Portada: Mark Weiss

Cuarenta años después (10)

Discos de 1967

Procol Harum (Deram) 1967Procol Harum
Portada: Dickinson

Una historia: “Como otros conjuntos británicos de comienzos de la década de 1960, Procol Harum –bajo otro nombre- contribuyó a la difusión del rhytthm blues, para luego pasarse al rock progresivo en el que se entremezclan desde psicodelia a sinfonismo. En esa línea Procol Harum grabaría su primer disco de larga duración, donde se incluye A Whiter Shade Of Pale, número 1 en las listas de éxitos de las Islas Británicas, que constituiría una de las mejores respuestas sonoras a la invasión del flower power y sus melodías procedentes de Estados Unidos”. Sam Rock.

Otra: “Toda la obra de Procol Harum está marcada por la labor del letrista Keith Reid. Aunque no figura como músico, su caso es extraño pues forma parte inseparable del grupo. Es un poco como cuando Pete Sinfield estaba con King Crimson. Según Herve Picard, Reid primero escribe sus letras; luego Gary Broker las selecciona y les pone música. La poesía de Reid incluye tendencias bien definidas: una preferencia por los matices fantasmagóricos y las imágenes de la muerte”. Marcelo Covián. Los cantos de la conmoción. Tusquets.

Canciones: A Whiter Shade Of Pale. Conquistador. She Wandered Through the Garden Fence. Something Following Me. Mabel. Cerdes (Outside the Gates Of). A Christmas Camel. Kaleidoscope. Salad Days (Are Here Again). Good Captain Clack. Repent Walpurgis.

Músicos: Matthew Fisher (órgano), Dave Knights (bajo), Gary Brooker (piano y voz), Keith Reid (letras), BJ Wilson (batería) y Robin Trower (guitarra).

Además: “A Whiter Shade Of Pale se ha convertido en todo un himno de los años sesenta, con su toque de órgano Hammond inspirado en Bach, y periódicamente suele ser recuperada con éxito por parte de las discográficas”. Sam Rock.

Más portadas: Shine on Broghtly (1968), Home (1970), Broken Barricades (1971), Live in Concert with the Edmonton Symphoy Orchestra (1972), Grand Hotel (1973), Exotic birds and fruits (1974), Procol’s Ninth (1975) y Somethig magic (1978).

Luz (CBS) 1982
Djavan
Portada: Lobianco con fotografía de Fernando Carvalho

Una historia: “Huir y encontrar la luz calidad y suave de un atardecer en Ipanema. Huir y encontrar una música que no tenga que ver con nada, pero que te llene del todo. La música densa y pausada deDjavan, pongamos por caso. Su primer LP editado en España (quinto de su discografía oficial) es una joya única muy difícil de comparar en nada. Pp-folk brasileño de una exquisitez extrema. Para los que saben distinguir entre una garota y una caipirinha”. Damián García Puig. Rock Espezial. Número 21. Mayo de 1983.

Otra: “Para Djavan, su trabajo …Tampoco podía faltar el descubrimiento de la música africana: ”. Carlos Galilea. Canta Brasil. Ediciones Cúbicas.

Canciones: Pétala. Luz. Nobreza. Capim. Sina. Samurai. Banho de Rio. Acaí. Esfinge. Minha Irmá.

Músicos: Djavan (guitarra Ovation, guitarra acústica y voz), Jorge Dalto (piano acústico, pianos Yamaha y Rhodes), Ronnie Foster (Hammond B3, Yamaha CS 80, Korg Lamda ), Abraham Labortel (bajo), Harvey Mason (batería), Ernie Watts (saxo tenor), Luis Conte (congas, claves, timbales, cencerro de vaca, xequeré y caxixi), Café (cencerro de vaca, caixeta, cencerro, caxixi, pandereta, pandero, congas, triángulo, templo bock, bongo, claves, violinos y surdo), Zé Nogueira (saxo soprano), Marquinhos (saxo tenor y flauta), Moisés (trombón de pistón), Raúl de Sousa (trombón de vara), Larry G. Hall (trompeta), Hubert Laws (flauta), Sizao (bajo),Luiz Avellar (piano Yamaha CP 30 y Yamaha CS80), Teo Lima (batería), Steve Kujala (saxo soprano, flauta, chelos y solos de mini moog), Paul Jackson Jr. (guitarra), Stevie Wonder (armónica), Jerry Hey (trompeta y fluguelhorn), Gary Grant (trompeta y fluguelhorn), Bill Reichenbach (trombón), Larry Williams (saxo alto, flauta y pícolo), Kim Hutchcroft (saxo tenor y cuerdas), Gerry Vinci (violín), Assa Drori (violín), Alan Harsham (viola), Fred Seykora (chelo), Gary Herbit (saxo tenor y flauta) y Luiz Avellar (piano Rhodes y Yamaha CS80). Cuerdas: violines (Gerry Vinci, Sheldon Sanon, Ron Clark, Nate Ross, George Kast, Anatole Kaminsky, Marshall Sosson, Karen Jones, Assa Drori, Brenton Banks, Harry Bluestone, Stan Plummer. Violas (Alan Harshman, Dave Schartz, Virginia Majewski y Linn Subotonick). Chelos (Fred Seykora), Earl Madison, Barbara Badgley y Kay Kelley.

Además: “Dedico este disco al amor: Quiero decir al amor de Vinicius, Elis, Bob Marley, John Lennon..Oh amor , en cuanto puedas no te apartes de mí”. Djavan. Disco grabado del 19 de julio al 20 de agosto de 1982 en el estudio Yamaha de Los Ángeles (California).

Más portadas: A voz e o violao (1976), Djavan (1978), Seducir (1981), Lilás (1984), Meu lado (1986), Nao é azul mas é mar (1987) y Djavan (1989).

Coltrane Legacy (Impulse)John ColtranePortada: Diseño Isabelle Wong

Piezas: Disco 1. Straight Street. Trinkle Tinkle. Lazy Bird. Countdown. Naima. Giant Steps. Fifth House. After The Rain. Crescent. A Love Supreme Part I: Acknowledgement. Dear Lord/Transition. Offering. Iris.
Disco 2. Stablemates. Lover. My Favorite Things. Impressions. Nature Boy. Song Of Praise. Compassion. Tranesonic. Venus
Disco 3. Village Blues. Liberia. Miles’ Mode. Up ‘Gainst The Wall. All Or Nothing At All. Your Lady. The Drum Thing. Wise One. A Love Supreme, Part III: Pursuance. The Last Blues. Sun Ship. Serenity
Disco 4. Two Bass Hit. Impressions. I Want To Talk About You. Nature Boy/One Down, One Up. Naima

Músicos: John Coltrane (saxo tenor y saxo soprano), Miles Davis (trompeta), Cannonball Adderley (saxo alto), Eric Dolphy (saxo alto), Pharoah Sanders (saxo tenor), Lee Morgan (trompeta), Curtis Fuller (trombón), Alice Coltrane (piano), Bill Evans (piano), Thelonious Monk (piano), McCoy Tyner (piano), Paul Chambers (bajo), Jimmy Garrison (bajo), Rashied Ali (batería), Roy Haynes (batería), Elvin Jones (batería) y Philly Joe Jones (batería).
Un comentario: Como en muchas familias negroamericanas, la familia de John Coltrane (1926-1967), afincada en Carolina del Norte, rendía un especial culto a la música hasta el punto de que el futuro saxofonista pudo estudiar en un conservatorio, lo cual le dio bagaje suficiente para que a los veinte años buscase una salida profesional primeramente en el blues y con posteridad, y hasta el final de su corta vida, en el jazz. Cuando la década de los cuarenta toca a su fin, y el mundo, entra en una relativa calma tras el desastre de la II Guerra Mundial, jóvenes músicos como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Miles Davis y Telonius Monk entraban en la historia del jazz por su contribución renovadora al mismo con el bop, uno de los movimientos que más ha influido en diferentes generaciones de instrumentistas. John Coltrane se apunta a esta escuela de la que sale con la experiencia suficiente como para emprender su propia carrera. Su experimentación queda recogida en los discos que ha legado a la posteridad, sobre todo a partir de la segunda mitad de la década de 1950, de los cuales se recoge una completa muestra en este recopilatorio de cuatro CD, que puede servir muy bien para recordar al saxofonista en el cuarenta aniversario de su muerte.

 

Inner Fires (Elektra) 1982
Bud Powell
Portada: Pintura de Marshall Arisman



Una historia: “Como Miles Davis, Bud Powell fue uno de los jóvenes leones del be-bop, una de las figuras que giraron en torno a Charlie Parker para después lanzarse a una ventura personal para la que estaban plenamente dotados; el ya lo hizo a través del piano. Probablemente haya sido el más grande innovador del léxico jazzístico en este instrumento de toda la historia del jazz. Earl Hines, durante los años veinte, había llevado el teclado hacia una concepción solística propia de los intrumentos de viento. Fats Waller, Teddy Wilson y, sobre todo, Art Tatum, aportaron, más tarde, concepciones armónicas, compositivas y técnicas. Nat King Cole dio un pequeño giro teniendo en cuenta la lección de los maestros, y lo hizo con toda la era del swing a sus espaldas; pero el innovador fue Bud Powell. Él aportó al jazz, a mediados de los años cuarenta, la misma simiente inquieta e inquietante que Parker, Gillespie y Monk”. Carlos Sampayo. Maestros del Jazz. Planeta-Agostini.


Otra: “Esto, Bud, es como una sesión de espiritismo. Han bajado las luces gradualmente, hay velas encendidas. En mi escritorio hay fotos tuyas por todas partes; y en el estéreo se oye quedamente Te Glass Enclosure. Estoy sentado en este piso de la calle Tercera, Bud, intentando llegar hasta ti a través de la música. Como cualquier otro, con Pres y Mingus y Monk, la música es una pista, la sigo y siempre, al final, me conduce a ellos, me acerca lo suficiente para verlos, para oírlos hablar”. Geoff Dyer. Pero hermoso. Un libro de jazz. Círculo de Lectores. 2003.

Canciones: I Want To Be Happy. Somebody Loves Me. Nice Work If You Can Get It. Salt Peanuts. Conception. Lullaby Of Birland. Little Willie Laps. Hallelujah. Lullaby Of Birland (Alternate Master). Sure Thing. Woody N’ You. Bud Powell Interview 1/15/63 & 5/6/63.

Músicos: Bud Powell (piano), Charlie Mingus (bajo) y Roy Haynes (batería).

Además: Inner Fires es el título de una grabación realizada el 5 de abril de 1953,
 en una actuación de Bud Powell (1924-1966) en el Club Kavakos de Washington, con la presencia como acompañantes del pianista del trompetista Miles Davis y el baterista Roy Haynes. El disco recoge también una entrevista a Bud Powell.

Más portadas: Bud Powell Trio Plays (1947), The Genios Bud Powell (1949), Bud Powell Piano Solos (1950), The Bud Powell Trio (1950), The Lonely Original (1955), Bud PowellBird (1957) y The Essen Jazz Festival Concert (live) (1960).

Special Forces (Warner) 1981
Alice CooperPortada: Jonathan Exley y Eric Blum

Una historia: “Hay gente que se ablanda con el paso de los años, a Alice Cooper le ocurre exactamente lo contrario. Si el anterior Flush The Fashion era una descarga continua, este Special Forces es ya algo demencial, como una metralleta que no deja de disparar ni un solo momento; desde el principio del disco hasta el final Alice realiza una exhibición de rock’n roll que dejará con la boca abierta a muchas generaciones de nuevos roqueros. Special Forces suena fresco, poderoso arrebatador… Once temas sin una sola balada para recuperar el aliento. La voz de Alice no es tan nítida como antes, pero sigue llena de vigor, agresividad y vicio”. Julio Murillo. Rock Espezial. Número 3. Noviembre de 1981.

Otra: “En 1980, lejos de su esplendor, Cooper, sin Taupin, edita el LP Flush The Fashion, y en 1981 Special Forces, con una nueva imagen de soldado y un nuevo show, menos truculento, acompañado por el excelente músico Mike Pinera, ex Blues Image y ex Iron Butterfly, a la guitarra”. Historia de la Música Rock. Orbis.

Canciones: Who Do You Think We Are. Seven & Seven Is. Skeletons In The Clost. You’re A Movie. You Want It, You Got It. Vicious Rumours. Prettiest Cop On The Block. Generation Landslide ‘81 (live). You Look Good in Rags. Don’t Talk Olde To Me. Look At You OveThere Ripping The Sawdust From My Teddybear.


Músicos: Alice Cooper (voz), Duan Hitchings (teclados), Danny Johnson (guitarra), Graig Krampf (batería), Mike Pinera (guitarras) y Erik Scott (bajo).

Además: “Alice Cooper estrenó durante bastante tiempo su oportunidad en el mundo del rock. El álbum Killer es la señal de triunfo en 1972. Podría afirmarse que, en gran parte, Alice Cooper ha sabido aprovecharse que, en serie de circunstancias históricas y sociológicas; ha hecho de ellas una imagen y el producto final ha sido aceptable”. Marcelo Covián y Robert A. Rosentone. Los cantos de la conmoción. Tusquests.

Más portadas: Easy Action (1969), Love It the Death (1971), Killer (1971), Billion Dollar Babies (1973), Welcome to My Nightmare (1975), From the Inside (1978) y Trash (1985).

Tangos argentinos (Capitol) 1959Alfredo de Angelis y Osvaldo FresedoPortada: Archivo de Odeón

Una historia: “Alfredo de Angelis, además de haber sido un notable pianista y director, con una modalidad propia de características inconfundibles, fue un extraordinario y fecundo compositor que dejo para el memorial ciudadano páginas de finísima inspiración, como Pregonera y Pastora por citar un par de ellas en colaboración con José Rótulo, su letrista y amigo entrañable, con quien compuso la mayoría de sus éxitos.
Junto al maestro de Adrogrué cumplieron un papel fundamental los vocalistas, de los cuales, sin duda, Carlos Dante, Julio Martel y Óscar Larroca fueron los que más identificados estuvieron con su orquesta”. Sentir el tango. Altaya.

Otra: “Del frondoso memorial porteño, la de Osvaldo Fresedo es una de las historias más ricas, largas y apasionantes. Fresedo fue uno de los monstruos sagrados del tango, que con su aporte evolucionó y creció hasta vestirse de esmoquin.
“Creador de un estilo melódico y señorial, sirvió y engrandeció el género por más de sesenta años. Su nombre está asociado, de una forma u otra, a la mayoría de las figuras más gloriosas de la musa rioplatense.
“En 1918 el músico y aviador participó en la inauguración del Casino Pigall, integrando la orquesta Tzigana Mirabell. Su actuación fue tan brillante que le propusieron formar su propia agrupación. Así fue como nacio el primer conjunto con el nombre de Osvaldo Fresedo, Julio De Caro y Rafael Rinaldi eran los violinistas, Hugo Baralís (padre) el contrabajo, José María Rizzuti el piano y el mismo Fresedo con el fuelle, que entonces levantó el vuelo como director. Fue un momento fundamental en la historia del tango, ése que el pibe de la Paternal empezó a desarrollar e imponer modalidad”. Sentir el tango.

Canciones: El vazquito. Leyenda del río. Caído del cielo. Guardia Vieja. Caminito. Muñequita de París. El espiante. Algún día volveras. Apasionado. Perdóname.

Músicos: Alfredo de Angelis y su Orquesta. Osvaldo Fresedo y su Orquesta.

Además: “Tango. Baile argentino difundido internacionalmente, de pareja enlazada, forma musical binaria y compás de dos por cuatro. Música de este baile y letra con que se canta”. Diccionario de la Lengua Española. Real Academia Española.
Más portadas: Alfredo de Angelis; Bajo Belgrano. Atenti Pebeta. Adíos marinero. Jirón porteño y Pampa y cielo. Osvaldo Fresedo; El pibe de la Paternal. 1933/1948. Apasionado. Nostalgia y De un tiempo que pasó.

Eu son a voz do pobo (Edigsa/Xistral) 1968
Benedicto
Portada. Fotografía de J. Puvill

Una historia: “Benedicto nació en Santiago de Compostela en el año 1947, donde cursa en la actualidad Ciencias Económicas. Compuso su primera canción wn mayo de 1967 y, en febrero de 1968 con la colaboración de otro cantante gallego, Xavier, dio a conocer públicamente el movimiento destinado a impulsar la Nova Canción Galega. Después en mayo del mismo año, a raíz de un recital en la Facultad de Medicina de la Universidad compostelana, se unieron a ellos los cantantes Xerardo Moscoso y Vicente Araguas –y también el poeta Conde Cid-, quedando de ese modo consolidado definitivamente el grupo Voces Ceibes.
Benedicto, de igual manera que sus compañeros quiere asumir –como dice, no sólo en el sentido de autosuficiencia, sino de verdadera fraternidad-, la voz del pueblo y convirtiéndose en un eco artístico de él, posibilitar que los problemas del hombre gallego sean conocidos de una forma accesible para todos”. Xavier Costa Clavell, en la presentación de la contraportada del EP.


Otra: “Atacó Benedicto Eu son a voz do pobo, de Lois Diéguez, en el medio de una ovación cerrada que daba la pauta de lo que sería el recital. Luego Un home, del propio Benedicto García Villar, su primera composición de los tiempos de estudiante de ingeniería en Madrid, antes de volver a Santiago a hacer Económicas. Loitemos, también de Lois Diéguez y, sobre todo, Carta a Fuco Buxán, de Celso Emilio Ferreiro. Cuando Benedicto atacaba el Fuco Buxán, ¿non sintes que na Iberia feden a podre os homes e as paisaxes? El galénico recinto se venía abajo a fuerza de aplausos. Gracias a Celso y a su palabra airada, naturalmente. Pero también porque la guitarra y la voz d Benedicto eran beligerantes”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991.

Canciones: Eu son a voz do pobo. O arte deamar. Eu son a voz do pobo. Un home.

Músicos: Benedicto (voz).

Además: “La nueva canción gallega está surgiendo en estos momentos. Somos pocos los que nos dedicamos a esta labor que tiene poco de fácil, aunque mucho de animosa. Faltan buenos consejeros técnicos musicales que estén enterados de todos los movimientos de nueva canción que hay por el mundo adelante. Faltan también poemas para musicar. Interesa mucho que sean inéditos. Hasta ahora existen solamente canciones hechas con poemas de Celso Emilio Ferreiro, Lois Diéguez, Avelino Díaz, Gregorio Fernández, y alguna hecha por nosotros. Andamos buscando nuestra propia voz. Necesitamos crítica y cooperación.
Permítaseme hace desde aquí un llamamiento a todo aquel que quiera contribuir desde esas formas a la canción gallega. Pienso que con la contribución de todos se podrá llegar a una canción digna de esta tierra que es madre de todos nosotros, y digna también de todos los hombres que llevan nuestro apellidos de gallegos”. Bendicto García Villar. Santiago, abril de 1968, año de los derechos humanos.

Más portadas: Pola unión (1977) y Os nomes das cousas (1978).

Cara Conocida

All The Way From America

Willow

Barefoot And Pregnant

Reach Out

More Than Onde Kind Of Love

No Love

Save Me

Joan Armatrading

Me Myself I (Universal, 1980)

Show Some Emotion (Universal, 1977)

To The Limit (A&M, 1978)

Sleight Of Hand (A&M, 1986)

Hearts And Flowers (A&M,1990)

Walk Under Laddes (A&M, 1981)

Joan Armatrading (A&M, 1976)

Cuarenta años después (8)

Discos de 1967

Electric Music For The Mind And Body (Vanguard) 1967Country Joe And The Fish
Portada: Fotografía de John Bagley

Una historia: “Muy pronto Joe McDonald se convirtió en el dirigente de la Instant Action cambiando el nombre del grupo por el de Country Joe & The Fish y empezando a actuar en las principales salas de baile (Avalon, Fillmore, Matriz) hasta que en julio de 1967 logran la definitiva consagración como invitados en el festival de Monterrey. Por aquellos días ya habían dejado a un lado su compromiso político, igual que la mayoría de los jóvenes californianos, y se habían apartado de las directrices impuestas por las organizaciones estudiantiles de la izquierda americana yendo a parar a un tipo de comportamiento más anárquico que era la simple expresión de sus deseos de libertad. Country Joe se reía de los compromisos políticos y criticaba simpáticamente tanto al Woman’s Lib como al presidente Nixon, entonces en la Casa Blanca, con la canciónb Superbird. Pero también criticaba cosas como el desmesurado empleo de las drogas o las creencias astrológicas o religiosas”. Rock Californiano. Rock Comix Nº 5. 1976.

Otra: “Tuvieron problemas con los estudios de Sierra Sound en Berkeley y se fueron entonces a Santa Cruz, donde montaron los temas y vivieron por dos semanas, tras lo cual salió una nueva canción The Masked Marauder, que, junto con los tres temas anteriormente sacados en el EP, y siete piezas más, formaron el Electric Music For The Mind And Body, el más completo en opinión de Joe, la más definitiva muestra de rock psicodélico jamás grabada. Los textos, ninguno de los cuales era simple o tópico, referían las coordenadas mágicas, medio ácidas e inocentes que sobrevolaban el ambiente de Frisco y Berkeley en aquellos días, y la instrumentación era largamente enrollante , como no podía ser menos para piezas como Flying High o Love”. Rock californiano. Jesús Ordovás. Ediciones Júcar-Los Juglares. 1975.

Canciones: Flyng High. Not So Sweet Martha Lorraine. Death Sound Blues. Happiness Is A Porpoise Mouth. Section 43. Superbird. Sad And Lonely Times. Love. Bass String. The Masked Marauder. Grace.Músicos: Joe McDonald (guitarra, campanas, pandereta y voz), Barry Melton (guitarra y voz), David Cohen (órgano y guitarra), Bruce Barthol (bajo y armónica) y Chiken Hirsh (batería).

Además: Country Joe sacó la psicodelia de las fiestas enrolladas para reorientarla por las ondas de las efemes a quienes estaban ávidos de nuevos sonidos musicales. Folk, blues y rock and roll fueron las bases de estos enrollados músicos del área de San Francisco que causaron sensación en los dos grandes festivales de la década prodigiosa Monterrey (1967) y Woodstock (1969). Después el grupo desaparecería, pero sus miembros seguirán en tercer milenio insistiendo con sus sonidos ácidos. Sam Rock.

Más portadas: I Feel Like I’m Fixin To Die (1967), Together (1968), Here We Again (1969) y Reunion (1977).

Pretenders II (Sire Records) 1981
Pretenders
Portada: Fotografía de Gavin Cochrane

Una historia: “Para cuando aparece su segundo álbum Pretenders II (1981) la Hynde ha encarnado sus sueños juveniles liándose con nada menos que Ray Davies. Más endurecido gracias a la cromática y versátil guitarra de Honeyman-Scott y la rotunda sección rítmica –impactante en Bab Boys Get Spanked-, el disco es otro clásico trufado de cortes estrella: The Adultress, Message Of Love, Talk To The Town, Day Alter Day. La reedición suma dieciséis temas en vivo de la época y tres demos: imprescindible pues". Ignacio Juliá. Ruta 66. Nº 241. Septiembre de 2007.

Otra: “Compongo de una forma muy básica. Por ejemplo The Phone Call es un arreglo típicamente mío y The Wait también es de mi estilo y The Adultress, aunque no me gusta como ha quedado es básicamente mía. Message Of Love, mi canción favorita de los Pretenders, es algo trabajado más en conjunto con el resto de la banda. Cuando entro en el estudio tengo ya los acordes básicos, la melodía en estado muy primario y el texto, pero no necesariamente los arreglos…Es como un poco pintar, yo hago los bocetos y la banda pone el color”. Chrissie Hynde. Enero de 1982. Entrevista de Ignacio Juliá en Rock Espezial.

Canciones: The Adultress. Bad Boys Get Spanked. Message Of Love. I Go To Sleep. Birds Of Paradise. Talk Ot The Town. Pack It Up. Waste Not Want Not. Day After Day. Jealous Dogs. The English Roses. Louie Louie.

Músicos: Chrissie Hynde (guitarras y voz), Pete Fardon (bajo y voz), Martin Chambers (batería y voz) y James Honeyman Scott (guitarras, teclados y voz). Chris Mercer (saxo tenor), Henry Lowther (trompeta), Jim Wilson (trompeta), Geof Bryant (french horn) y Chris Thomas (odds’n’ ende).

Además: Pretenders se confirmó como banda puntera de la nueva ola con su segundo álbum, del que dos canciones llegaron a lo alto de las listas inglesas de éxitos discográficos: I Go To Sep (7) y Message Of Love (11).

Más portadas: Pretenders (1980), Learning To Crawl (1983), Get Close (1986) y The Singles (1987).

Home Again (Elektra) 1984
Judy Collins
Portada: Fotografía de Gary Heery


Una historia: “Alejándose cada vez más aprisa de su originario folk-rock, conserva esas raíces del Colorado en el suave pop-rock que ahora se organiza. Ella es una diva desde hace veinte álbumes, y tiene un derecho inalienable a hacer lo que le dé la gana, como por ejemplo fabricarse los temas a medida de sus posibilidades (algo menores que las de hace 15 temporadas) saltándose conceptos generales y manías de eternos seguidores puristas. Este es un disco tranquilo, hermoso, preciosista y sin altibajos, con canciones tan brillantes como Home Again y temas tan desmenuzables (para su detenido estudio) como From Where I Stand. Da igual que a uno le guste el rock más duro o el pop más extraño, éste es un disco que cualquiera que tenga orejas con sus correspondientes tímpanos dentro debería escuchar”. Carlos Baraya. Rock De Lux. Nº 4. Febrero de 1985.

Otra: “Judy Collins, hija de un músico ciego, también colaboró desde que entrara en contacto con la atmósfera hormigueante del Greenwich Village neoyorquino, en uno de cuyos clubes Bob Dylan le cantara privadamente su Masters Of War entre los humos de la cocina. Aunque siempre eclipsada por la voz y la figura de Joan Baez, su repertorio tradicional tendió hacia el folclore de Irlanda, Escocia y las dos Inglaterras, para abrirse después hacia Israel y Europa central, dotando a su arte de una matización y emoción comunicativa casi siempre ausentes en su rival más próxima”. Alberto Manzano. Folk Pop. Espiral. Editorial Fundamentos.

Canciones: Only You. Sweetheart On Parade. Everybody Works In China.Yellow Kimono. From Where I Stand. Home Again. Shoot First. Don’t Say Love. Dream On. The Best Is Yet To Come.

Músicos: Judy Collins (guitarra, teclados y voz), Steve Khan (guitarras y piano), Tony Battaglia (bajo y guitarra eléctrica), Dave Gruisin (sintetizador, piano, piano eléctrico, percusión, batería y voz), John Hobbs (piano), Dan Huff (guitarra), Paul Jackson Jr. (guitarra), Anthony Jackson (bajo), Hugh McCracken (guitarras acústica y eléctrica), Lee Ritenour (guitarra eléctrica y piano eléctrico), Ed Walsh (fairlight), Buddy Williams (batería), T.G. Sheppard (armonías vocals), Terry Textor (voz), Henry Gross (voz), Adrienne Albert (voz), Thomas Bogoan (voz), Yolanda McCullough (voz) y Thomas Bodgan (voz).

Además: “Mientras Peter, Paul and Mary se abrían camino dentro del folk comercial, toda una nueva generación había ido situándose a un nivel más serio. Dylan era, sin duda, la figura más decisiva, pero también había otros: Phil Ochs, Joan Baez y Tom Paxton, Tim Hardin y Dave Van Rock, Buffy St. Marie, Tom Rush y Judy Collins. La mayoría de ellos eran post beats: escribían poemas, llevaban vaqueros y se pasaban la vida por Boston o el West Village,admiraban a Allen Ginsberg y pensaban que América estaba enferma”. Nick Conh. Historia de la música pop. Alfaguara-Nostromo. 1973.

Más portadas: Maid Of Constant Sorrow (1961), The Golden Apples On The Sun (1962), Judy Collins 3 (1964), In My Life (1966), Wildflowers (1967), Living (1971) Judith (1975), Bread And Roses (1976), Hard Times For Lovers (1979) y Sanity And Grace (1989).

Soul Mining (Epic) 1983
The The
Portada: Diseño de Andy Johnson

Una historia: “The The es el alter ego utilizado por Matt Johnson en sus distanciados proyectos. Multiinstrumentisa imaginativo y sagaz usuario de los recursos de estudio, combina con pasmosa facilidad lo viejo y lo nuevo en cautivadoras síntesis (Perfect, This Is The Day…), autorrealizadas íntegramente. Un atractivo concepto, exigente y comprometido, encarnado en Soul Mining (1983)”. J.María Rey. Cantera de ideas. Historia del Rock.

Otra: “Las canciones del segundo LP de The The transmiten secretos íntimos, como tesoros rescatados de las catacumbas anímicas de una persona como tú o como otro cualquiera. Para rematar tan difícil operación, Johnson ha cuidado personalmente cada detalle hasta conseguir lo más inverosímil en estos días: un sonido y estilo propios, que no parecen haber bebido en otras fuentes que no sean las propias convicciones”. Jordi Beltrán Astor. Rock Espezial. Número 29. Febrero de 1984.

Canciones: I’ve Been Waitin’ For Tomorrow (All Of My Life). This Is the Day. The Sinking Feeling. Uncertain Smile. The Twilight Hour. Soul Mining. Giant. Perfect.

Músicos: Matt Johnson (guitarra, percusión, teclados y voz), Camelle Hinds (bajo), Anne Stephenson (violín), Anne Stephenson (violín), Martin McCarrick (chelo), Paul Boyle (violín), Jools Holland (piano), Thomas Leer (sintetizador), Jeremy Meek (bajo), Andy Duncan (batería), Zeke Manyika (batería) y Jim Thirlwell (palos y latas).

Además: El británico Matt Johnson caló hondo en la crítica y público con su elepe Soul Mining. El cantante y compositor, bajo el seudónimo de The The, reconciliaba a los seguidores del pop con lo teclados y demás tecnologías musicales allá por el año 1983. La fuerza de la música y el sentimiento de las letras de Soul Mining contenían más ética que estética, lo cual le sirvió para colocar el disco grande entre los mejores de comienzos de la década de 1980. Sam Rock.

Más portadas: Burning Blue Soul (1981) e Infected (1986).

Better Days (Bearsville) 1973
Paul Butterfield’s
Portada: Diseño de Milton Glaser, Push Pin Studios

Una historia: “En el momento en que se grabó este Paul Butterfield’s Better Days estos músicos conservaban intacta su energía juvenil, pero a ella añadían una reflexiva capacidad creadora y un completo dominio del lenguaje del blues. El resultado es único. Mientras que sus seguidores europeos rara vez pasaban del blues eléctrico de Chicago, estos músicos cultivan un panorama mucho más amplio y auténtico, ya que a su conocimiento del folklore americano unen el del jazz. Así en esta grabación no sólo está el espíritu Muddy Watters sino también el de Lonnie Johnson, Bessie Smith, Joe Turner y King Pleasure. Es decir no sólo el blues rural o el blues bailable de Chicago sino todo el blues y además hondamente sentido, magníficamente interpretado y especialmente dirigido al público actual”. Edigsa-1979.

Otra: “Paul Butterfield es el legendario armónica cuya blues band formada por Sammy Lay, Jerome Arnold, Elvin Bishop y Michael Bloomfield fue la chispa que inició la explosión. La armónica me eligió a mí, no yo a ella, dice Butterfield que pasó su infancia en la calle 55 de Chicago. He visto actuar a Muddy Waters más veces que ninguna otra persona. Él me animó mucho, a veces en sus actuaciones me hacía subir a tocar. En aquella época pasaba las noches en el Pepper’s, el Smitty’s o el Trocadero, siempre tocando o escuchando. Seguía yendo a la escuela, hasta que un día no fui más”. Edigsa-1979.

Canciones: New Walkin Blues. Please Sen Me Someone To Love. Broke Baby’s Heart. Baby Please Don’t Go. Burive Alive In The Blues. Rule Te Road. Nobody’s Fault But Mine. Higway 28.

Músicos: Paul Butterfield (armónica, piano eléctrico y voz), Geoff Muldaur (slide guitar, piano, piano eléctrico, guitarra acústica y voz), Amos Garret (guitarra eléctrica, guitarra acústica, bajo y voz), Ronnie Barron (piano, piano eléctrico y órgano), Billy Rich (bajo) y Christopher Parker (batería). Howard Johnson (saxo baritone y arreglos de metales), Peter Ecklund (trompeta), Sam Burtis (tombón), Gene Dinwiddie (saxo tenor), Dave Sanborn (saxo alto), Stan Shafran (trompeta), J.D. Parran (saxo tenor), Gary Brocks (trombón), María Muldaur (violin y voz) y Bobby Charles, Dennis Whitted, María Muldaur y Ronnie Barron (coros).

Además: Paul Butterfield (Chicago, 1942-Hollywood, 1987). "La música de Paul Butterfield evoca la poderosa incontrovertibilidad del mejor blues eléctrico practicado por los maestros de Chicago". Presentación del disco What's Shakin'.

Más portadas: Paul Butterfield Blues Band (1965), East-West (1966), The Resurrection Of Pigboy Crabshaw (1967), In My Ow Dream (1968), Keep On Moving (1969), Sometimes I Just Feel Like Smilin’ (1971), Put It In Your Ear (1976) y North South (1981).

Flyng High (Dial Discos) 1985
The Canaries
Portada: Archivo B.T. Puppy Records

Una historia: Flyng High constituye el estreno discográfico del grupo The Canaries en Estados Unidos, a donde llegaron cuatro jóvenes veinteañeros en 1965, cuando se desarrollaba musicalmente hablando la explosión de la respuesta americana a la invasión británica: es decir tiempos de folk rock y soul sobre todo, estilo este último que marcaría a los futuros Canarios. El mencionado disco se distribuyó con el título Flying Hig With The Canaries, que hasta su reedición en 1985, dentro de la Colección Historia de la Música Pop Española, era un elepé inédito en el país de origen del cuarteto. Doce canciones, diez de la cuales compuestas por Teddy Bautista, reflejan el sonido entre garajero y beat de la formación canaria que regresaría a España, y a partir de entonces evolucionaría hacia el soul progresivo de mediados de la segunda mitad de los sesenta que tan buen resultado y críticas dieron a los Canarios, uno de los hitos del rock español. Pero esa es otra historia para contar más adelante. Sam Rock.

Otra: “En esas fechas, casi mediados de los 60, Don Eduardo –manager y padre de Teddy- se pone en contacto con algunos productores del país del dólar y allí se traslada con el grupo, ellos que en un sus principios adoptaron el nombre The Idols, también llegan a USA con un nombre en inglés, The Canaries. Su primer contacto es con un modesto sello filial de la Tamla, con en el graban y publican un sencillo (que de momento no he podido rescatar para acercarlo a todos vosotros), y algo después de la mano de los Tokens todo un LP ya con el nuevo sonido de la época musical beat, que se acerca más al estilo musical que Teddy quiere desempeñar”. José Luis Álvarez.

Canciones: Baby Don’t Surprise Me. And I’ll Cry Again. Little Snow Ball. Mama’s Crying. Feeling All Upset. Thursday. You Be. I Lost You. Don´t Stay In The Wrong Way. Only My Friend. I Feel In Love With An Angel. So I’ll Tell You Goodbye.

Músicos: Eduardo “Teddy” Bautista García (guitarra rítmica, armónica y voz), Germán “Herman” Pérez Zorilla (guitarra solista), Rafael “Rafa” Izquierdo (bajo) y José Luzardo (batería).

Además: “Durante 1965 The Canaries realizaron con éxito varias giras por los Estados Unidos. Una, desde Carolina del Sur hasta Nueva York, en parques de atracciones. Otra en universidades y colegios mayores, y una tercera en salas de fiesta. En América oían continuamente música de Bob Dylan, The Byrds y el nuevo soul music de Otis Redding y Wilson Ticket, pero a Teddy todo aquello le sonaba a jazz, y lo que quería hacer era música algo más convencional, del estilo de Los Beatles o The Lovin’ Spoonful”. Salvador Domínguez. Bienvenido Mr. Rock. SGAE 2002.

Más portadas: Libérate (1970), Canarios Vivos!!! (1972) y Ciclos (1974).

Cuarenta años después (7)

Discos de 1967



Days Of Future Pased (Deram) 1967The Moody Blues
Portada: Diseño y pintura David Anstey

Una opinion: “El primer disco del nuevo grupo es Days Of Future Passed, un LP grabado con el respaldo de la London Festival Orchestra, dirigida por Peter Knight. De esta forma unitaria se extrae un tema, Nights In White Satin, que será nº 1 en casi todo el mundo y una de las canciones más bellas de la música pop.
El éxito de Nights In White Satin y Days Of Future Passed proyecta a los Moody Blues a una nueva esfera de influencia. En seis años venderán alrededor de 15 millones de álbumes, logrando que cada uno de sus LP’s sea una obra maestra individual dentro de su estilo”. Historia de la Música Rock. Tomo 2. Orbis. 1981.

Otra: “Entre los hitos de Moody Blues , cabe citar que, a fines de los 60, fueron de las primeras bandas que utilizaron el melotrón, el primer paso de la revolución técnica impuesta por los sintetizadores y su gama de instrumentos de teclado”. Historia de la Música Rock. Tomo 2. Orbis. 1981.

Canciones: The Day Begins: The Day Begins. Morning Glory. Dawn: Dawn is a Feeling .The Morning: Another Morning. Lunch Break: Lunch Break. Peak Hour. "The Afternoon: Forever Afternoon (Tuesday?). Time To Get Away. Evening: The Sun Set. Twilight Time. The Night: Nights in White Satin. Late Lament.

Músicos: Justin Hayward (guitarras, piano, teclados y voz), John Lodge (bajo, guitarra eléctrica y voz), Mike Pinder (teclados, melotrón, piano y voz), Ray Thomas(flautas, metales, percusión, teclados y voz) y Graeme Edge (batería y percusión). The London Festival Orchestra dirigida por Peter Knight.

Además: “Como solistas, los cinco Moody son un pálido reflejo de sí mismos dentro del grupo. Sólo Justin Hayward consigue algún éxito. En 1975 cantando a dúo con John Lodge, Blue Guitar, y en 1978 con el tema Forever Autum. De Justin sobresalen sus álbumes Songwriter (77) y Night flight (80), así como Blue Jay, grabado a dúo con John Lodge. De Lodge destaca el LP a dúo con Hayward y Natural Avenue (77). De Ray Thomas cabe citar el LP Hopes, Dreams And Promises (76); y de Graeme Edge, su asociación con Adrian Gurvitz para formar la Graeme Edge Band, con la que edita los LP’s Kick Off Your Mddy Boots (75) y Paradise Ballroom (77)". Historia de la Música Rock. Tomo 2. Orbis. 1981.

Más portadas: The Magnificent Moodies (1965), In Search Of The Lost Chord (1968), On the Threshold Of A Dream (1969), To Our Children’s Children’s Children (1969), A Question of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favour (1971), Seventh Sojourn (1972), Octave (1978), Long Distance Voyager (1981), The Present (1983), The Other Side of Life (1986) y Sur La Mer (1988).