El rastro (24)

Gelu
La Voz De Su Amo
1963

• Quinientas millas
• El partido de fútbol
• Por el mar
• La muchacha

Sarah+2 (Columbia) 1962
Sara Vaughan
Portada: Columbia

Sarah Vaughan (1924-1990) es una de las principales cantantes femeninas del jazz de todos los tiempos que en sus mejores momentos fue aclamanda como la voz del bop. Durante su carrera artística, la cantante demostró que a su voz privilegiada unía la curiosidad propia de las personas versátiles como ocurrió con la grabación de Sarah+2 que se resolvió a nivel instrumental con un escueto acompañamiento: el guitarrista Barney Kessel y el contrabajista Joe Comfort, con el que seguía la línea de After Hours (en aquella ocasión eran Mundell Love y George Duvivier). El repertorio de Sara+2 ofrece principalmente estándares de, entre otros, Benny Carter, Duke Ellington o Ray Noble, que se adaptaron sin problemas tanto en los tempos lentos como en los más rápidos . Como reconoció en su día la crítica, Sarah se arriesgó en la citada sesión a ser el blanco de la crítica y el público, pero salió incólume del examen, al dar un pruebas de madurez y humildad extraordinarias. Al éxito contribuyeron asimismo las excelentes facultades de Sarah a la hora de cantar, apoyada en una voz que sabía convivir sin estridencias con los instrumentos que la acompañaban ya fueran desde una big band o un reducido dúo.

 

Canciones: Just In Time. When Sunny Gets Blue. All I Do Is Dream Of You. I Understand. Goodnight Sweetheart. Baby Won'y You Please Come Home. When Lights Are Low. Key Largo. Just Squeeze Me. All Or Nothig At All. The Very Throught Of You.

 

Músicos: Sara Vaughan (voz), Barney Kessel (guitarra) y Joe Comfort (bajo).

 

Más portadas: Lover (1945), It's You Or No One (1946), Sarah Vaughn (1955), In The Land Of Hifi (1955), Broken Hearted Melody (1958), After Hours (1960), Send In The Clowns (1974) y Gershwin Live! (1982).

 

Thirteen Down (Guimbarda) 1980
Bert Jansch Conundrum
Portada: diseño de Terry Eden y fotografía de Eddie Babbage

Bert Jansch (1943, Glasgow) encaraba la década de los ochenta con un proyecto de trío y el disco número 13 como santo y seña que cogía el supersticioso número porque las canciones del álbum eran 12 más 1. De ellas algunas pertenecientes a la época de Pentangle pero grabadas con una estructura y acompañamiento musical diferentes a las del famoso grupo en el que militó Bert. Se trata de In My Mind y Sovay, en las que la presencia de Jansch es notoria en la composición, porque el guitarrista escocés la adaptó otra vez, si bien la segunda corresponde a la música tradicional de las Islas Británica. Martin Jenkins y Nigel Portman, así como la colaboración de Lude Landridge en la percusión y Jacqui McShee, con su inconfundible voz en la canción If Had A Lover, aportaron credibilidad a la profesionalidad de por sí ya creíble desde los años sesenta de uno de los guitarristas mejor dotados para la composición e interpretación del folk británico. Basta con escuchar, por ejemplo, la canción Down River.

Canciones: Cara A.1.Una linea di dolcezza.2.Let me sing—Déjame cantar (Bert Jansch).3.Down River—Río abajo (Bert Jansch).4.Nightfall—Anochecer (Martin Jenkins).5.If I Had Lover—Si tuviera un amante (Bert Jansch). 6.Time And Time—Una y otra vez (Bert Jansch). 7.In My Mind—En mi mente (Bert Jansch). Cara B. 1.Sovay (Tradicional arreglada por Jansch, Jenkins y Smith). 2.Where Did My Life Go—Qué ha sido de mi vida (Bert Jansch). 3.Single Rose—Rosa única (Bert Jansch). 4.Ask Your Daddy—Preguntasélo a papá (B. Jansch). 5.Sweet Mother Earth—Dulce madre tierra (Desconocido. Transcripción Bert Jansch). 6.Bridge—Puente (Jansch y Martin Jenkins).

Músicos: Bert Jansch Conundrum es: Bert Jansch (voz y guitarra). Martin Jenkins (voces, violín, flauta y mandocello). Nigel Portman-Smith (bajo eléctrico, piano fender Rodhes y acordeón). Con la colaboración de Luce Langridge (batería y percusión). Jacqui McShee (voz en If Had A Lover).

Más portadas: Live A La Forest (1980), BBC Radio Onm Live In Concert (1993), Live At The 12 Bar: An Authorusied Bottleg (1996), Young Man Blues. Live In Glasgow 1962-1964 (1998) y Downunder: Live In Australia (2001).

The Story Of Fado (Hemisphere)
Varios
Portada: ilustración de Scott Menchin

Fado, Canción popular portuguesa, especialmente lisboeta, de carácter triste y fatalista, según el diccionario de la Real Academia Española. Escueta puede resultar esta definición porque el fado portugués como ocurre con el flamenco, jazz o blues, por poner ejemplos de música y canción populares, es dificil de definir sobre todo cuando surje de los adentros de quienes escriben las canciones y de quienes las interpretan. En este amplio recopilatorio de 22 piezas, en la mayoría de los casos de los años 50,60, 70 y 80, aparecen las principales figuras de dicho canto, es decir Alfredo Merceneiro, Berta Cardoso, Carlos Ramos, Lucila do Carmo, Max, Amalia Rodrigues, Carlos do Carmo, Fernanda Maria o Vicente da Câmara, sólo unos cuantos de la larga lista de cantantes de ambos sexos que han mantenido o mantienen viva la llama de una canción emparentada con el devenir cotidiano de las personas, sus penas, sobre todo, utilizadas para expresar un estado relacionado con la saudade.

Canciones: A casa das mariquinhas. Nao venhas tarde. Tia Macheta. A tendinha. A Rosinha dos limoes. Rosa enjeitada. Partir é morrer un pouco. Foi ma travessa da palha. Foi Deus.Lisboa a noite. Aquela janela virada prà o mar. Fado das caldas. Belhos tempos. Colchetes de oiro. Fadista louco. Saudade vai te embora. Embucado. Amar. Saudade mal do fado. Arraial. Ate que a voz me doa. Carvalo Rouco.

Intérpretes: Alfredo Merceneiro. Carlos Ramos. Berta Cardoso. Hemina Silva. Mas. Maria Teresa de Noronha. Antonio dos Santos. Lucila do Carmo. Amalia Rodrigues. Tony de Matos. Tristao da Silva. Vicente da Camara. Fernando Farinha. Hermano da Camara. Antonio Mourao. Fernando Maria. Joa Ferreira Rosa. Teresa Silva Carvalho. Carlos do Carmo. Joa Braga. Mara da Fé. Nuno da Câmara Pereira.

Más portadas: Fado bailado (1983), Fado: historias, baladas e lendas (1990), Historia do fado (1993), Fado de Lisboa 1928-1936 (1994), Fado de Coimbra 1926-1930 (1994), Variaciões em fado: Lisboa&Coimbra 1926-1936 (1996).

Sipho Mabuse (Virgin) 1987
Sipho Mabuse
Portada: JB Mondino

Sipho Mabuse (1950) fue uno de los músicos sudafricanos que consiguió llegar a las listas de éxito en la segunda mitad de la década de los ochenta, cuando la música africana estuvo de moda en Europa, gracias al elepé homónimo del citado cantante y multinstrumentista, quien ya contaba con un notable currículo musical cuando le llegó el éxito de mano de la discográfica Virgin. Con base en la música sudafricano, pero en sintonía con el pop, rock y soul, en este disco se notan los ritmos africanos y las atrayentes armonías vocales. En esa línea están Shiskisha, In The Night, Ti Nyanga o Jive In Soweto. En ellas, como en la mayoría excepto Rhythm Lady, Mabuse desarrolla su labor de compositor, la cual, unida a la de músico y productor, le han convertido en uno de los valores más firmas de la música popular de Sudáfrica.

Canciones: Shikisha. Rhythm Lady. In The Night. Path To Freedom. Ti Nyanga (African Darkness). Burn Out. Let's Get It On. Jive Soweto.

Músicos: Sipho Mabuse (voz), Beulah Hashe, Madesa Dlanga y Stella Kummalo, The Angels (coros), Jantjie Mayo y Jimmy Mngwande (bajos), Sella Montdedi y George Vardes (guitarras), Peps (teclados), Khaya Mahlangu (saxos alto, tenor y soprano), Mandla Masuka (saxofón alto y rhythm lady saxophone), Lemmy Special Mabaso (saxofón alto).

Más portadas: Burn Out (1984), Chant Of The Marching (1989), Chant Of The Marching Live Jo' Burg (2005) y Sipho Hotstix Mabuse Live! (2006),

Au-dessus du pont (Guimbarda) 1979
La Chifonnie
Portada: Alain Trebern/Á. González Ortiz

La Chifonnie desarrolló su actividad en calles y plazas de Francia, aunque la residencias de sus miembros era la región del Drome. Su repertorio era el reflejo de la ebullición humana de mercados y tabernas. Por eso junto a temas cantados a capella en la más rancia tradición, colocaban instrumentales con a sabor a merendero años veinte, cantos para acompañar la bebida o romances al estilo de los ciegos en la puerta de las iglesias. Al mismo tiempo al permanecer en la calle, y no archivado en los cancioneros, su canto evolucionaba con los tiempos en que La Chifonnie desarrolló su labor artística. Así los problemas actuales se reflejaban en las letras de Au-dessus du pont, mientras que sus músicas aceptaban de buen grado instrumentos de otras culturas: concertinas, banjo, darbuka, descubiertos en zocos y ferias cosmopolitas. En ese sentido, el grupo francés desarrollaba, a la par que la música, actividades de puesta en escena y teatro callejero.

Canciones: Cara A. 1.Au dessus du pont—Encima del puente (Annie Queron). 2.Frana (Dominique Baracco). 3.Tout belle qui a deux amants—Las muchachas que tienen dos amantes (Tradicional. Adaptada y arreglada por La Chifonnie). 4.Le vieux Françoise—El viejo Francisco ( Tradicional. Adaptada y arreglada por La Chifonnie). 5.La mandragore—La mandrágora (Tradicional. Adaptada y arreglada por la Chifonnie). Cara B.1.La bourrée papillon/la togne—La burré mariposa (Tradicional. Arreglado y adaptado por La Chifonnie).2.La valse de L´ivrogne—El vals del borracho (Tradicional. Arreglado y adaptado por La Chifonnie).3.Hooligan (Dianne Holmes Brown).4.La marche Vermot—La marcha Vermot (Tradicional. Arreglado y adaptado por La Chifonnie).5.Grégoire (Tradcional. Arreglado y adaptado por La Chifonnie).

Músicos: Dianne Holmes Brown (zanfona, darbuka, concertina, piano y voz). Hal Collomb (voz). Dominique Baracco (acordeón y voz). Patrick Perroton (zanfona, faluta, gaita (cabreta), clarinete y voz). Con la participación de Patrick Desaunay (guitarra). Gérard Lavigne (bajo). Jean François Leroy (batería). Laurent Vercambre (guitarra, violín, violoncello, guimbarda y voz).

Más portadas: La Chifonnie (1977).

La Paquera de Jerez (Philips) 2004
La Paquera de Jerez
Portada: diseño Pablo Rubio y Daniel Barrios

La Paquera de Jerez, Francisca Méndez Garrido(1934-2004), es una de las voces femeninas que destaca en el cante flamenco de la segunda mitad del siglo pasado. Desde muy joven en el ambiente del cante, La Paquera grabó en 1953 su primer disco para continuar con éxito durante varias décadas gracias a su potente y apasionada voz que recondujo con especial efectividad hacia las bulerías y fandangos. Una prueba del estilo de la cantaora de Jerez está en esta reedición homómina que recupera viejas grabaciones de La Paquera, incluida una composición del entonces joven Paco de Lucía, de 1969 y titulada Celosa. Con el habitual acompañamiento de los guitarristas Moraito de Jerez y Moraito Chico, la cantante borda con su portentosa y bien timbrada voz canciones como Esta rubia panaera, Fandangos de Huelva, Romance de Juan de Osuna, Fandangos de Huelva de la Paquera de Jerez o Con fatigitas de muerte, aunque también se defiende bien en otros palos como tangos, alegrías, serranas y rumbas, cantes festeros marcados por el brío de una personalidad irrepetible en el cante, cuyo identificable timbre ha quedado recogido en decenas canciones como las 21 de este recopilatorio que también incluye el duende de La Paquera en su madurez artística: Que dolor mare mía, bulerías registradas en 1975.

Canciones: Esa rubia panaera. Celos. Bulerías Tu cariño con el mío. Bulerías de la Paquera de Jerez. Fandangos de la Paquera de Jerez. Romance de Juan Osuna. Fandangos de Huelva de la Paquera de Jerez. Mi cante por bulerías. Dios no te mande el castigo. Que bonito ruiseñor. Fandangos de Sevilla "Sultana del Salero". Repiquen las campanas. En las manos de Julio. Calle San Francisco. A la puerta de un colmao. Cancavá. Tangos jerezanos "Te tengo que ver llorar". Fandangos de Huelva "Fragancias de Punta Umbría". Que dolor de mare mía. Con fatiguitas de muerte/ La mujer tenía que ser.

Músicos: La Paquera de Jerez (cante), Moraito Chico (guitarra), Moraito de Jerez (guitarra), Manuel Moreno Penella (guitarra).

Más portadas: Romance de Juan de Osuna (1987), Fandangos caracoleros (1995), Fandangos de gloria (1996) y Sentío y pasión flamencas 2 CD (2005).

Omnis (Danú) 1995
Anúna
Portada: Alastair Keady

Anúna es un coro de jóvenes voces de Irlanda que ofrece un sonido atmósferico a sus interpretaciones que están inspiradas y recogidas de la poesía y música irlandesa, hasta el punto de que alguna composición está basada en historias de hace tres mil años mantenidas por la tradición oral. Bajo la dirección de Michael McGlyn, el coro diversifica sus apariciones con actuaciones en directo y grabaciones de discos, así como la colaboración con músicos y cantantes de otros ámbitos, como son los casos, entre otros, de Elvis Costello y Bill Frisell. Omnis es uno de los primeros discos de Anúna, donde interpreta un total de 15 canciones, la mayoría de ellas del director de la formación irlandesa, pero cuando no es así aparecen composiciones tradicionales adaptadas a la idiosincrasia del grupo como Ardaigh Cuan, The Flower Of Maherally, St Nicholas, The Lass Of Glenshee y Ave Genoerosa, algunas de ellas emparentadas con la tradición medieval de Irlanda, aunque McGlyn aporta nuevas sonoridades en el resto de las canciones compuestas por el mismo, lo cual hace de Anúna un coro abierto a diferentes corrientes musicales y con vocación internacional.

Composiciones: Raise Up Your Hunting Spear. Ardaigh Cuan. Maria Matrem Virginem. Geantral. The Flower Of Maherally. The Mermaid. Agnus Dei. St Nicholas. The Lass Of Glenshee. Tenebrae I. Ave Generosa. OI Viridissima. Dúlaman. Codhlaím Go Suan. Tenebrae II.

Cantantes y músicos: Michael McGlynn (director). Coro: Miriam Blennerhassett, Paul Byrne, Tony Davoren, John McGlynn, Roisín Dempsey, Monica Donlon, Caron Hannigan, Peter Harney, Stephen Kenny, Emer Lang, Maire Lang, Jackie Mahon, Mairead Ni Fhaolain, Tara O Beirne, Paddy Connolly, Garrath Patterson, Sara Clancy, Paula Byrne, David Clarke, Richard Boyle, Katie McMahon y Méav Ni Mhaolchatha. Músicos: Noel Eccles (percusión), Mairéad (arpa irlandesa), Aingeala de Burca (violín, Caron (violín), Andrew Synnott (órgano), John (guitarra). Shane Lilis, Rachel Talbot, Ciarán Brady y Clíona McDonough.

Más portadas: Anúna (1993), Invocation (1994), Deep Dead Blues (1996), Behind The Closed Eye (1997), Cynara (2000), Winter Songs (2002), Sensation (2006), Celtic Origins -CD y DVD- (2006) y Christmas Memories -CD and DVD- (2008).

The Songsters Tradition (sagablues) 2004
Varios
Portada: fotografía Ben Shahn

El blues es difícil de definir pero no tanto los diferentes estilos y personajes que fueron conformando dicho estilo desde el lejano tiempo de la esclavitud de los negros en Estados Unidos. Tras la sangienta guerra civil o de Secesión, la figura del songster era habitual en el Sur de la gran nación llamada a convertirse en la primera potencia mundial. Muchos eran los negros que recorrían explotaciones, obras de ferrocarril, construcciones de diques e industrias relacionadas con la madera. Su misión, guitarra en mano u otro instrumento de cuerda (banjo, violín) y una voz potente, consistía en entretener a los trabajadores en los momentos que tenían unas horas de descanso. En competencia con el qüisqui, el juego y las mujeres, los songsters era una especie de trovadores, en la mayoría de los casos negros, que cantaban historias cercanas cuando no hababan de héroes encubrados por el pueblo llano siempre presto a encontrar la figura de un líder al que idealizar y así escapar de la triste rutina. De ese estilo de vida abundan las historias en la primera parte del recopilatorio The Songster Tradition Before The Blues, resumida en una docena de canciones, algunas de ellas clásicas del blues e interpretadas por grandes figuras como Mississipi John Hurt, Gus Cannon, Furry Lewis, Henry Thomas o LeadBelly, así como otros cantantes e instrumentistas menos conocidos que, lo dicho, en su juventud igual cantaban sobre arquetipos de hombres (Casey Jones, John Henry, Stackolee o Railroad Bill) como a la cocaína. Indudablemente un disco curioso porque se puede escuchar een plena juventud a muchos bluesmen, la mayoría de las canciones son de la segunda mitad de la década de 1920, y apreciar un estilo fundamental para entender el blues eléctrico, el r&blues, el country y el folk de los años sesenta en Estados Unidos. El blues también tuvo en el vaudeville y otros espectáculos propios de los músicos ambulantes como los medicine show un apoyo sobre todo para cantantes (hombre y mujeres) e instrumentistas -en este caso el violín se imponía sobre la guitarra- que recorrieron diferentes estados con sus montajes entre publicitarios, religiosos y musicales donde no faltaban tampoco historias que entretenían a las clases trabajadores cuando aún el cine y la radio estaban por alcanzar el rango de medios de masas. De la época de declive de esos estilos híbrido son por ejemplo Jack Kelly, Peg Leg Howell, Frank Stokes, Taylor's Kentucky Boyus, Bo Carter y Tom & Jimmie Tarlton.

Canciones: 1. Traveling trobadours: Spike Driver's Blues. Cocaine. Cannon Ball. Poor Boy, A Long Way From Home. Casey Jones. Poor Poor Robin Clean. John Henry. Pick A Bale Of Cotton. Railroad Bill. The France Blues. Original Stackolee. Sinking Of The Titanic. 2. Vaudeville and medicine show influences: Doctor Medicine. The Moore Girl. Beaver Slide Rag. Travellin' Railroad Man. Two White Horses In A Line. Chicken You Can Roost Behind The Moon. Dixie Flyer Blues. Sourwood Mountain. Beans. Gonna Trip Out Tonight. Railroad Blues. Frankie And Johnnie.

Músicos y cantantes: Mississippi John Hurt. Dick Justice. Frank Hutchitson. Gus Cannons. Furry Lewis. Luke Jordan. Henry Thomas. LeadBelly. Hobart Smith. Papa Harvey Hull. Long Cleve Reed. Richard Rabbit Brown.Jack Kelly. Andrew & Jim Baxter. Peg Leg Howell. Alabama Shweiks. Joe Evans & Arthur McClain. Fran Stokes. De Ford Bailey. Taylor's Kentucky Boys. Bo Carter. Pink Anderson & Simmie Dooley. Freeman Stowers. Tom Darby & Jimmie Tarlton.

Más portadas: Harmonica Blues (2004), Chicago Slide Guitar (2004), Cherokee Boogie: Indians & The Blues (2004), Blueswomen. Girls Play And Sing The Blues (2008), Saint Louis The First Urban Blues (2008), From Stagger Lee To Joe Louis (2008) y Slavery, Prsion, Women, God And Whiskey (2008).

La fuerza del destino (RCA) 2001
Bambino
Portada: archivo de RCA

Miguel Vargas Jiménez (Utrera, Sevilla, 12 de febrero de 1940-Utrera, 5 de mayo de 1999), más conocido como Bambino, tenía el don natural de llevar a su terreno artístico que nacía de lo más hondo del alma gitana cualquier tipo de melodía para devolverla aflamencada, alegre a veces, otras dramática, porque su voz era rumba, bolero, copla o canción de amargo amor, pero nunca indiferencia hacia lo cantaba, pues de su garganta fluía natural el rajo mágico que la caracterizaba, nada ortodoxo pero propicio para la adicción de quienes veían y escuchaban por primera vez al cantante. Su recuerdo perdura en grabaciones como las recogidas en este recopilatorio de 15 piezas de diferentes etapas del ilustre utrerano con quien colaboraron los mejores compositores de la canción de los sesenta y setenta. Desde la declaración de principios titulada Soy lo prohibido a Mi amigo, el disco recoge composiciones de dispares estilos: Voy a perder la cabeza por tu amor, Tengo miedo, Podría volver, Canción de Orfeo, Adoro y Dos gardenias, entre otras, que como ya había dicho antes Bambino supo llevar a su terreno no exento del desgarro que imponía su interpretación, donde lo físico y espiritual iban juntos y tocados por el duende propio de los artistas de talento.

Canciones: Soy lo prohibido. Procuro olvidarte. Algo de mí. Voy a perder la cabeza por tu amor. Quiero. Tengo miedo. Cuando el destino/Pobre del pobre. Se me va. Payaso. Podría volver. Te estoy queriendo tanto. Canción de Orfeo. Adoro. Dos gardenias. Mi amigo.

Compositores de las canciones: Roberto Cantoral. Manuel Alejandro/Ana Magdalena. Camio Blanes. Quintero/León/Quiroga. León/Solano. José Alfredo Jiménez/Adolfo Salas. M. De Fernando/Z. Maldonado. Juan Gabriel. A. María/L. Bonga. Armando Manzanero. Isolina Carrillo.

Más portadas: ¡Los Canasteros! (1964), Quiero (1967), La última noche (1967), Recordándote (1970), Bambino y su combo flamenco (1971), La noche y tú (1973), Ódiame (1973), Algo de mí (1973), Mi gitana, gitana (1975), Y no te enteras (1976), Te tengo que quiéreme (1977), Nos vemos mañana (1978), Tan cerca de ti (1980), Yo soy yo, Bambino (1982), Soy lo prohibido (1985) y Resucité (1996).

Apunte: Para más información; http://www.rincondebambino.com

En concierto (Resistencia) 1997
La Musgaña
Portada: diseño de Coro Acarreta

La Musgaña, grupo folk de música castellana, celebraba su décimo aniversario en abril de 1997 con actuaciones en el Centro Cultural de la Villa de Madrid y teatro Barakaldo (Barakaldo) que determinaron la salida del cedé titulado En concierto, un repaso en vivo a la música de la ejemplar formación convertida en trío en las grabaciones del referido directo pero con un acompañamiento de lujo en cuanto a instrumentación.. El gran Joaquín Díaz señalaba en la presentación del mencionado disco de aniversario que: “Hacer una semblaza, siquiera sea breve, de La Musgaña, es algo que me agrada”. Lo mismo me ocurre cuando escucho las grabaciones del grupo, en parte porque constituye un viaje en el tiempo para recoger lo mejor de la música tradicional y darle ese sonido moderno que, como lo añejo, deja una satisfación difícil de olvidar. Esa percepción es notoria en el repertorio de las 11 canciones de En directo, en la mayoría de los casos instrumentales que por sí solos dicen la ejemplaridad de una música atemporal, universal y enraizada en el pueblo con firmeza de permanencia. Desde Picao a Entradilla, pasando, entre otras, por Bailes a lo pesao, Pica de Saelices, Verdeguea y Grana, Jotas o Arribes, La Musgaña cumple con creces su trabajo de renovación con base en un pasado fundamental para entender la cultura castellana.

Canciones: Picado. Siete por ocho Bailes a lo pesao. Pica de Saelices. Estemera. Danzas de Burgos. Verdeguea y Grana. Pasito a paso. Jotas. Arribes. Entradilla.

Músicos: Enrique Almendros (gaita charra, tamboril, 3-holed flute, tabor, gaita de fole (bagpipes), txirula y flauta de 3 agujeros), Carlos Beceiro (bajo sin trastes, cistro -cittern- y zanfona) y Jaime Muñoz (clarinete soprano, clarinete alto, flautas, acordeón diatónico y kaval – flauta búlgara-).Artistas Invitados. Johny Cunningham (violín), Manuel Luna (pandereta y voz), Javier Paxariño (saxo soprano, clarinete bajo y flauta bajo), Luis Delgado (pandera, bendhir, cántaras y krabebs), Cuco Pérez (acordeón de piano y conchas), Rafael Martín (zanfona), Amancio Prada (voz, percusión sobre el pecho y guitarra), Kepa Junquera (trikitixa), Rafael Dueñas Faín (darbuka y tar), Sebastián Rubio (cajón y tar) y Wafir Shaik El Din (laúd árabe y darbuka).

Más portadas: El diablo cojuelo (1988), El paso de la Estantigua (1989), Lubicán (1993), Las seis tentaciones (1995) y Temas profanos (2003).

El rastro (23)

Raphael
Hispavox
1968

• Mi vida
• Casi, casi
• ¿Por qué me dejas? (Et maintenant)
• Perdóname, mi vida
• Un largo camino
• La hora
• Los hombres lloran también
• ¡Brillaba!
• Todas las chicas me gustan
• Te quiero mucho
• La mama
• La canción del tamborilero

Apunte: Raphael (Linares, provincia de Jaén -España-, 1943). Medio siglo sobre los escenarios 1958-2008. Fotografías de Pérez de León.

El ángel vive (Alía Discos) 2003
Camerata Porteña
Portada: fotografía Uri Gordon

Camerata Porteña se constituyó en el año 1986 bajo la dirección Marcelo Rodríguez Scilla con el objetivo de divulgar el legado del bandeonista y compositor argentino Astor Piazzola (1921-1992), labor que dicha agrupación cumple con creces y gran expectación, sobre todo en Europa, ante el público que no olvida el estilo musical más representativo de Argentina. Distribuido en 2003, el tercer disco de Camerata Porteña, bajo el título El ángel vive, recoge 15 composiciones de Piazzola, de las cuales 10 son instrumentales y cinco cantadas por José Ángel Trelles, voz del grupo del bandeonista durante algunos años de las décadas de los setenta y ochenta.Con una notable perfección instrumental, en la que confluyen lo popular y lo culto, traidición y clasicismo, la agrupación porteña realizada sentidas interpretaciones de Fuga y misterio, El gordo triste, Otoño porteño, Verano porteño, Los pájaros perdidos, Vuelvo al sur, Milonga del ángel, Adiós Nonino, Oda para un hippie y Balada para un loco, entre otras, que son el resultado de años de entrega a la música del genial compositor, quien, según el director de Camerata Porteña, “nos ha dejado esa herencia fundamental: nutrirnos de su creación para mirar hacia adelante, para anticiparnos a al futuro, para seguir renovándonos. Y en eso debemos trabajar. Hoy, más que nunca, es preciso alejarse de los dogmáticos del fundamentalismo piazzolleano, tan parecido a aquel que rezaba que el tango no podía renovarse, aserto que el propio Piazzolla se encargó de convertir en cenizas”. El ángel vive fue declarado de Interés para la Nación por la Secretaría de Cultura de Argentina.

Composiciones: Fuga y misterio, Invierno porteño, El gordo triste, Otoño porteño, Oblivion, Los pájaros perdidos, La muerte del ángel, Verano porteño, Vuelvo al sur, Milonga del ángel, Adiós Nonino, La bicicleta blanca, Oda para un hippie, Escualo y Balada para un loco.

Músicos: Marcelo Rodríguez Scilla (piano, arreglos y dirección), Alejandro Borgo (guitarra),Fernando Herman ( violín), Claudio Becker ( violín), Claudio Melone (viola), Mario Kyrkiris (chelo), Ángel Bonura (contrabajo), Jorge Rutman (bandoneón) y Alejandro Arata (saxofón).Voz en las piezas cantadas: José Ángel Trelles y Andrés Lima (guitarra en 2,5,7,8 y 12).

Más portadas: Últimas noticias de Buenos Aires (1994) e Inflación cero (2000).

Apunte: Camerata Porteña está preparando este año una nueva grabación que va a ser presentada en mayo de 2009 en la ciudad de Buenos Aires. Esta nueva producción discográfica irá en CD y DVD.

Saudade. Cores do Brasil 0.05 (Nascente) 1991
Varios
Portada: fotografía de Peter Moss

Saudade, como bien decía el gallego Ramón Piñeiro: la palabra saudade tiene una riqueza de connotaciones semánticas que le imponen una función más sugeridora que definidora, lo que explica esa aureola de misterio que la envuelve. La saudade, como el blues, el soul, el fado, el flamenco u otros sentimientos personalizados en la canción y la música por diferentes pueblos, es difícil de describir, incluso para los filósofos tan acostumbrados a recorrer laberintos metafísicos. A lo que iba, saudade es el repertorio de 21 piezas cantadas por las mejores voces y compositores de la música popular brasileña que tuvo a partir de la década de los sesenta del siglo pasado su máximo esplendor en cuanto a difusión y conocimiento fuera de las fronteras del gran país sudamericano, mediante la proyección hacia fuera de estilos como la samba y la bossa nova, entre otros. Así queda demostrado en este recopilatorio de la imprescindible colección Cores do Brasil que comienza en este quinto cedé con la inolvidable Elis Regina, sigue con Toquinho y continúa hasta el final con hombres y mujeres que han sabido trasmitir la saudade en canciones como No dia em que eu vin embora, Boca da noite, Cavaleiro, Primavera, Vivo sonhando, Ultimo desejo, Umas e outras, Eu sei que te vou te amar, Irmado de fe o Da cor do pecado, piezas algunas en la memoria de muchas personas como el alma de las melodías brasileñas con vocación universal.

Canciones: No dia em que eu vin embora. Boca da noite. Cavaleiro. Primavera. Uma vez um caso. Corsario. Dindi. Vivo sonhando. Sem fantasia. Ultimo desejo. Umas e outras. Eu sei que vou te amar. Irmao de fe. Insensatez. Sabia. Da cor do pecado. Acabou chorare. Rosa flor.

Cantantes: Elis Regina. Toquinho. Caetano Veloso. Joyce. Edu Lobo & Joyce. Oliva Hime & Edu Lobo. Maria Creuza. Wanda. Chico Buarque. Maria Bethania. Maria Creuza & Vinicus. Fafa De Belem. Milton Nascimento. Novos Baianos. Geraldo Vandre. Toquinho, Vinicius de Moraes & Maria Bethania.

Más portadas: De la colección Cores do Brasil, Vozes 0.01, Samba 0.02, Bossa nova 0.03, Samba con jazz 0.04 y Dança 0.06.

Recuerdo

Mitch Mitchell, 9 de julio de 1947, en Enealing (Inglaterra)-12 de noviembre de 2008, en Oregón (Estados Unidos)

• Axis: Bold And Love (1967)
  

Guy Peellaert, 6 de abril de 1934, en Bruselas, Bélgica-17 de noviembre de 2008, en París (Francia)

• It´s Only Rock And Roll (1974)
  

Odessa (Polydor) 1969
The Bee Gees
Portada: diseño desconocido

The Bee Gees editan en 1969 el álbum doble Odessa, en un principio programado como obra conceptual en la línea de otros discos de la década que estaba terminando, mas al final serían 16 canciones varias tras disputas que dejarían al trío de los hermanos Gees en dúo. Se puede decir que la grabación constituye un cambio en la línea de grupo de éxito dentro de la línea de epop suave de los sesenta en el Reino Unido. Con una orquestación en primer plano, solamente a veces compartida por guitarras acústicas y sección de ritmo propia de grupo pop, The Bee Gees dispuso de un excelente vehículo para dejar claro su dominio de los juegos de voces, como se aprecia desde la primera y larga pieza Odesa (City in The Black Sea) hasta la última y coral The British Opera. Al final, el disco doble resultó uno de los trabajos más complejos de los hermanos Gibb durante la década de 1960. En él se pueden seguir ritmos de rock progresivo, sinfonismo, baladas pop, psicodelia que se encuentran repartidas por las canciones más interesentantes del disco: Odessa, You'll Never See My Fave Again, Marley Purt Drive, Edison, Suddenly, Whisper Whisper, Lamplight y First Of May.

Canciones: Odessa (City on the Black Sea). You'll Never See My Face Again. Black Diamond. Marley Purt Drive. Edison. Melody Fair. Suddenly. Whisper Whisper. Lamplight. Sound of Love. Give Your Best. Seven Seas Symphony.With All Nations (International Anthem). I Laugh in Your Face. Never Say Never Again. First of May. The British Opera.

Músicos: Barry Gibb (guitarra y voz), Maurice Gibb (voz), Robin Gibb (voz), Vince Melouney (guitarra), Colin Petersen (batería), Paul Buckmaster (chelo), Eric Weissenberg (banjo), David Katz (violin y orquesta) y Bill Shephed (dirección musical).

Más portadas: Bee Gees' 1st (1967), Horizontal (1968), Idea (1968), Best Of Bee Gees (1969), Cucumber Castle (1970), 2 Years On (1970), Trafalgar (1971), To Whom It May Concern (1972) y Life in a Tin Can (1973).

Le bestiaire (Guimbarda) 1979
Malicorne
Portada: autor desconocido

 

 

 

Malicorne recuperó la tradición de las canciones dedicadas a los animales como símbolos del maligno pero con un fondo sonoro en el que no faltan influencias del rock progresivo tan en alza hasta finales de los años setenta. Guitarras elécticas, bajo, teclados y batería se mezclan con otros típicos de la música tradicional. Le bestiaire se resume pues en lo antes escrito, así no es difícil distiguir en el repertorio las piezas más roqueras, casos de Les 7 jours de mai, el instrumental Le branle de chevaus y Jean des loups, esta última que cierra el disco escrita y compuesta por Gabriel Yacoub, una de las personas esenciales que contribuyó al mejor sonido de Malicorne. El resto de las composiciones recogidas en Le bestiare se aproximan más a la música francesa, con instrumentos y juegos de voces muy en la onda antigua, incluso Malicorne se atreve con ritmos balcánicos como Alexandre-Danse bulgare, con lo cual la oferta del disco se hace más heterogénea en cuanto a componente musical y demuestra la evolución e inicio de cambio de rumbo del grupo francés.

 

Canciones: Cara A 1. Les 7 jours de mai—Los siete días de mayo (Tradicional arreglada y adaptada por Malicorne). 2. La mule—La mula (Letra tradicional adaptada por Malicorne. Música de Gabriel Yacoub. Arreglos: Malicorne). Le branle des chevaux (Trad. Arr. y Adap. Malicorne).4. Les transformations—Las transformaciones (Trad. Arr. y Adap. Malicorne). Cara B 1. La chasse-gallery—(Letra Tradicional adaptada por Malicorne. Música de Gabriel Yacoub. Arreglos de Malicorne).2. Le ballet des coqs—“El ballet de los gallos” (Tradicional arreglada y adaptada por Malicorne).3. Alexandre-Danse bulgare—Alejandro-Danza búlgara (Trad. Arr. y Adap. por Malicorne).4. Jean des loups—“Juan de los lobos” (Letra y música de Gabriel Yacoub).

 

Músicos: Marie Yacoub ( vielle à roue, épinette des Vosges, dulcimer y canto), Gabriel Yacoub (guitarras accústica y eléctrica,banjo de cinco cuerdas, mandochelo y voz), Olivier Zdrzalik (bajo, clavinete, elka, sanza y voz), Patrick Le Mercier (violon, guitarra eléctrica, gaita y voz),Brian Gulland (basson, cromorne, hautbois, flûte à bec, saxofón, clavecin, órgano, harmonium, sintetizador), Dominique Regef (vielle à roue, violonchelo y rebec) y Jean Pierre Arnoux (batería, percusión, cymbale à archet y gong).

 

Más portadas: Malicorne 2 (1975), Almanach (1976), Malicorne IV (1977), L’extraordinaire tour de France d’Adelard Roussseau (1978), En public (1979), Balaçoire en feu (1981) y Marie de Malicorne (2005).

Reserva especial. Todos los grandes éxitos
(Sony&BMG) 2005
Los Brincos
Juan & Junior
Portada: Pedro Delgado

Los Brincos fueron la respuesta española a la invasión británica de conjuntos pop que con acierto, sobre todo en los comienzos, mediante canciones en castellano supieron captar la atención de los jóvenes y convertirse en fenómeno mediático, así como grupo seminal de otras formaciones del pop español, entre otras el dúo Juan & Juunior que también aparece recopilado en relación con sus mejores canciones en este Reserva especial, que cubre las añadas de 1964 a 1971, y se acompaña de un DVD con sabrosas imágenes de actuaciones de ambos grupos registradas por Televisión Española.. Nada nuevo bajo el sol, en cuanto a piezas del grupo de nombre saltarín, del que, aparte de las piezas más festivas que amenizaban los veranos de los sesenta en España (Flamenco, Borracho o Baila la pulga), se agradece la escucha de otras como Tú me dijiste adiós, Mejor, A mí con esas, Lola, Nadie te quiere ya, El pasaporte, Amiga mía y ¡Oh mamá!, entre otras, sobre todo para quienes llevan en su memoria las melodías de contenido literario intrascendente y alegre que se escuchaban a través de las ondas radiofónicas, es decir aquellas ritmos más modernos y en dura competencia por hacerse un hueco frente a la muy consolidada canción española. En cuanto a Juan & Junior, se puede decir que su legado musical se resume en un elepé, pues era un dúo especializado en sencillos (singles) cuando el elepé comenzaba a despuntar como formato idóneo para la música popular. Sin embargo, Juan & Junior, lo mismo que Los Brincos, resultaba un excelente medio de difusión del pop hispano, gracias sus buenos juegos de voces y acierto para componer canciones fáciles de asimilar. Escúchense, La caza, En San Juan, A dos niñas y Anduriña, ésta una historia de amor en clave regional en sencillo cuya contraportada ofrecía un dibujo dedicado por Pablo Picasso a los dos jóvenes compositores, futuros productores de éxito.

Canciones: Flamenco. Baila la pulga. Borracho. Sola. Tu me dijiste adiós. Mejor. A mí con ésas. Renacerá. Un sorbito de champagne. Giuletta. Tú en mí. El pasaporte. Lola. The train. Nadie te quiere ya. Amiga mía. Érase una vez. Gracias por tu amor. ¡Oh mamá!. Vive la realidad. Pareces Gitana -Los Brincos-. La caza. Nada. Bajo el sol. Nos falta fe. A dos niñas. Anduriña. Para verte reír. Tiempo de Amor. En San Juan -Juan & Junior.

Músicos: Los Brincos (1964-1966). Fernando Arbex (batería y voz), Juan Pardo (guitarra y voz), Antonio Morales Junior (guitarra y voz) y Manolo González (bajo y voz). Los Brincos (1967-1971). Fernando Arbez (batería voces), Manolo González (bajo y voces), Ricky Morales (guitarra y voces) y Miguel Morales (guitarra y voces). Colaboraciones; Vicente Martínez (guitarra y voces) y Óscar Lazprilla (teclados). Juan & Junior (1967-1969). Juan Pardo (guitarra y voces) y Antonio Morales Junior (guitarra y voces).

Más portadas: Contrabando (1968), World, Devil & Body (1970), Álbum de oro (1981), en el caso de Los Brincos. De Juan & Junior. Juan & Junior (1980).

Apunte: El DVD incluye actuaciones de los Brincos en Televisión Española: 1. Flamenco. 2. Meddley (Borracho/Lola/Flamenco/Un sorbito de champagne/Mejor). 3. Amiga mía. 4. ¡Oh mamá! 5. Meddley (El pasaporte/Lola/The train/Nadie te quiere ya/Érase una vez). 6. Gracias por tu amor. Pequeño pájaro. 7. La fuente. 8. La fuente. 9. Contrabando. 10.Soy como quiero. Juan & Junior en TVE. 11. Anduriña. 12. Meddley (Anduriña/Nos falta fe/A dos niñas/La caza). 13. Tiempo de amor. 14. En San Juan.

4x10
1968

Astral Weeks (Warner Bros) 1968
Van Morrison

Portada: fotografía de Joel Brodski

Van Morrison (Belfast, 1945) grabó en Estados Unidos su segundo disco en solitario Astral Weeks, para muchos y muchas el mejor elepé del irlandés, una joya discográfica que se mantiene cuarenta años después de su salida al mercado entre los básicos de los sesenta, etapa, por cierto, de discos fundamentales del rock. Con un escueto acompañamiento musical, bastante alejado del barroquismo psicodélico aún en boga, Van Morrison contó con un plantel de aplicados instrumentistas que contribuyeron con su experiencia y dominio a crear la atmósfera entre melancólica e intensa que sirve de fondo a historias urbanas de desarraigo y tristeza, de recuerdos de la niñez ya perdida para siempre, de la Irlanda natal de brumas y calles batidas por las inclemencias invernales. Astral Wecks se convierte por tanto en el punto de inflexión en la carrera de Morrison quien en su exilio norteamericano se lanza a buscar un sonido propio sobre la base de r&blues, jazz, soul y folk, que pululaban por el ambiente musical de la época. El resultado fue el encuentro con canciones redondas que han marcado la larga estela del irlandés, en ella brillan con intensidad algunas de las mejores piezas de Morrison: Beside You, Cyprus Avenue, Madame George o Ballerina.

Canciones: Cara A; In the Beggining: Astral Weecks. Beside You. Sweet Thing. Cyprus Avenue. Cara B; Afterwards: The Way Young Lovers Do. Madame George. Ballerina. Slim Slow Slider.
Músicos: Van Morrison (guitarra y voz), Jay Berliner (guitarra), Richard Davis (bajo), Larry Fallon (clave), Connie Kay (batería), Barry Kornfield (guitarra), John Payne (flauta y saxo soprano) y Warren Smith Jr. (percusión y vibráfono).

Más portadas: You Win Again (2000), Down The Road (2002), What's Wrong With This Picture? (2003), Magic Time (2005), Pay The Devil (2006) y Keep It Simple (2008).

Apunte: El disco Astral Weeks es uno de los elepés que sitúan en lo más alto de las listas de mejores discos del rock. En el año 1999 recibió el Premio Grammy Salón de la Fama.

Farewell song (Columbia) 1982
Janis Joplin
Portada: fotografía de Bruce Steinberg

Janis Joplin (1943-1970) fue recuperada en la década de 1980 con un par de recopilatorios entre los que está Farewell song con los tres grupos oficiales de su corta carrera discográfica, aunque en una de las mejores canciones de elepé está acompañada por Paul Butterfield Blues Band, en concreto se trata de One night stand, donde se escucha con agrado al armonicista que da nombre al mencionado conjunto. Para dar más al tirón al disco se incluyó un jugoso texto en la contraportada del que fuera compañero de Janis Joplin y también cantante y compositor representativo del rock ácido de San Francisco: Country Joe McDonald, que realizó un elogioso homenaje a la cantante. El espíritu de aquella generación planea sobre todas las canciones en especial las grabadas por la artista tejana junto a Big Brother And The Holding Company, es decir Magic of love, Misery'n, Harry, Farewell song o Catch me daddy, aunque tampoco desentona la versión de Tell mama, grabada en directo en Toronto (1970).

Canciones: Tell mama. Magic of love. Misery'n. One night stand. Harry. Raise your hand. Farewell song. Meddley: Amazing Grace/Hi Heels Snakers. Catch my daddy.

Músicos: Big Brother And The Holding Company. Full Tilt Boogie Band. Kozmic Blues Band. Paul Butterfield Blues Band. Músicos adicionales: Denny Seiwll, Chrissy Stewart, Mick Weaver, Elliot Mazer, Roy Markowitz, Peter Stroud y Vinny de la Roca.

Más portadas: Box of pearls (1998)