The Best Of The Blues (Discophon - Storyville) 1973
Varios
Portada: Storyville Records



Una opinion: “Desde su orígenes –entre 1890 y 1910-, el blues ha sido la más completa, intensa y sincera autobiografía de la otra América. En su primera acepción, el blues es una expresión poético-musical creada por campesinos y obreros negoamericanos durante sus ratos de ocio. La mayoría de los bluesmen compaginaron su dedicación a la música con su trabajo en una plantación sureña o en una fábrica de la industria pesada en el Norte, y a menudo trabajaron y cantaron en condiciones de vida tan hostiles como las que habían sufrido sus antepasados durante los tristes días de la esclavitud”. Editorial del número 1 de la revista Solo Blues. Verano de 1985.

Otra: “Nadie puede decir con precisión dónde nació el blues, pero los datos sugieren firmemente que fue en algún lugar del vasto territorio que se extiende desde el interior de Georgia y el norte de Florida hasta Texas. Esta zona comprende el sur y después el este de los montes Apalaches, incluye el valle del Mississippi hasta el norte y el sur de Illinois y el Missouri Boothel, y avanza hacia el oeste, pasando por alto los montes Ozark que abarcan el sudeste de Oklahoma y el este y el centro de Texas. Es una zona de granjas y plantaciones de algodón, cruzadas por terrenos de bosques de madera dura, bosques de pinos y pantanos de cipreses que han sido progresivamente despejados a lo largo del siglo XX…
La mayoría de los innovadores del blues que llevaron a cabo el desarrollo estilístico de esa música vivían en esta zona o comenzaron sus carreras musicales en ella”. David Evans. Recorriendo el país –El blues de Texas y el profundo Sur-, en el libro titulado Solamente Blues, de Lawrence Cohn. Odín Ediciones. 1996.

Canciones: Diggin’ My Potatoes. Uncle Sam’s Blues. Bertha May. Christina, Christina Blues. Vitamin A Blues. Don’ t Cry Baby. The Way I Feel. City Hall Blues. Early In The Morning. One Room Country Shack. Copenhagen Woman. Boots And Shoes.

Músicos: Big Bill Bronzy (guitarra y voz), Speckled Red (piano y voz), Champion Jack Dupree (piano y voz), Big Joe Williams (guitarra y voz), Lonnie Johnson (guitarra y voz), Rosevelt Sykes (piano y voz), Sleppy John Estes (voz y guitarra), John Henry Barbee (voz y guitarra slide), Sunnyland Slim (piano y voz), Sonny Boy & Memphis Slim (armónica y piano, respectivamente, además de cantantes) y Otis Spann (voz y piano).

Además: “Uno de los aspectos interesantes de la historia del blues es la popularidad de que ha gozado, y goza, en Europa y la importancia que han tenido los fans europeos en su promoción. No sería cierto decir que el blues en Europa ha significado algo muy grande en el desarrollo del blue, pero sin duda ha tenido influencia. Hay varios cantantes de blues que han visto sus carreras alteradas y hasta, en algunos casos, totalmente cambiadas a causa de sus experiencias europeas. Es probable que ningún cantante de blues, que ha hecho giras por países europeos, haya vuelto a América sin haber sido influenciado y, deseamos, artísticamente enriquecido”. Paul Oliver. Comentario en la contraportada de The Best Of The Blues. Storyville Records.

Más portadas: Folksay (1973), The Story Of The Blues (1974), Bluesmenn 1 (1978), El genuino sabor americano Nº 2. Blues (1979), The Introduction To Living Country Blues Usa (1980), San Francisco Blues Festival (1981), Chicago años 80 (1982) y Swamp Blues (1983).

En directo desde J&J (Polydor) 1970
Tara Portada: Fotografía de Ramón Rodríguez


Una opinión: “Su carrera duró un LP y tres singles: un año. Visto y no visto, apenas oído, en un argumento revelador del show-biz: María Teresa Vega se fue de La Coruña a Barcelona a los 18 años con su primo para ponerse al frente de Los Boom, a quienes ve la productora-arreglista-etc. Maryní Callejo en Zaragoza y no tarda un año en lanzarla en solitario con la grabación de su puesta de largo, en Madrid a comienzos de junio en 1970. La crítica en pie avisada porque antes había publicado un single, Happy, que la promociona como la Janis Joplin española”.
El LP sale en julio y desde la entrada se le agobia: Van asistir ustedes al nacimiento de una estrella, anuncia Joaquín Prat en su largo y engolado comentario introductorio y entrometido, rematado. Maryní Callejo lanza una voz. Cierto, Maryní sufría el mal de ojo de lince, apartó de ella a su primo organista y a novio bajista, la refuerza con el grupo Spain y Johnny Galvao a la guitarra…hasta el trío La la la se presta para un LP que se resiente de orquesta ligera (¿ligera? ¿Con 30 componentes) desde el primer número River deep mountain high, a lo elegante; también repasa otros clásicos soul (el tremendo Think de Aretha era la canción que llevaba más tiempo haciendo”. Luis Clemente. Revista efe eme. Número 9 julio/agosto 1999.

Otra: “Fenomenal. Y en España única. Una cantante que España puede perfectamente hacer triunfar en el extranjero. Tara está incluso por encima de la canción. Tara, en escena, es fabulosa. Tara puede triunfar perfectamente en USA con un repertorio adecuado. Porque su voz, efectivamente está, entre Barbra Streisand, Aretha Franklin y Janis Joplin”. Joaquín Luque. Disco Expres.

Canciones: River Deep Mountain High. Son Of A Preacher Man. Never, Never Leave Me. El era mi amigo. Happy. Palabras. El amor de una mujer. My Man. Es mi vida. Oh Happy Day.

Músicos: Tara (voz), Johny Galvao (guitarra solista), Juan Moreno Domínguez (guitarra rítmica), Maryní Callejo (piano eléctrico), José María Panizo (bajo), José Martínez Manuera (batería), Pepe Ebano (percusión), Cristina F. Villaverde, Mercedes Valimaña y María Jesús Aguirre (coros femeninos), José Fernández López, Manuel Serrano Serrano, Ángel Ortega Piña y Carlos García-Soto (coros masculinos). Orquesta de 19 componentes con 9 violines, 2 violas, 2 chelos, 3 trompetas y 3 trombones. Colaboración especial de Joaquín Prat.

Además: “Una gallega a lo Janis Joplin. Lo primero que nos sorprende de Tara son sus increíbles facultades para alcanzar unos niveles vocales elevadísimos con una potencia y una seguridad que jamás habíamos visto en una intérprete nacional”. J.M. Iñigo. Mundo Joven.

El ritmo del garaje (Tres Cipreses) 1983
Loquillo y los TrogloditasPortada: creación gráfica de David Grau y fotografía de Albert


Una opinión: “Que el temario de El ritmo del garaje no sonara manoseado responde a tres razones. (1) Sabino Méndez, responsable de todas las músicas y todas las letras (menos dos de los textos harto pesimistas de Roker city y Barcelona ciudad, obra del propio Loquillo), encontró un lenguaje elemental y sincero, de melodías reconocibles a la primera y léxico sencillo, que hacía creíbles historias que ya parecían escuchadas. (2) Loquillo era casi el único actor, por planta y carácter, para interpretar de forma convincente los guiones en torno a la nostalgia del rock’ n’ roll salidos de la imaginación de Sabino. (3) Como London Calling, como The River, el rock de El ritmo del garaje era expansivo, abiero: al pop, al seing, al garage, al punk, al psycobilly, al surf, al rock siniestro, al country, a la new wave…” Joan Pons. Los 100 mejores discos españoles del siglo XX. Rockdelux. Noviembre de 2004.


Otra: “Para colmo de bienes, la canción que da título al álbum cuenta con la colaboración de Alaska, lo que les presenta en sociedad ante el público madrileño y, en general, de todo el resto del país.
El álbum se vende espectacularmente, siendo uno de los primeros discos independientes en gozar del apoyo del público masivo, y superando las 25.000 copias”. Fito Feijóo, Pablo Carrero y Pepe Palau. Guía Esencial de la Nueva Ola Española. 1994.


Canciones: El ritmo del garaje. Rocker city. Me convertí en un hombre-lobo por culpa de los rebeldes. Cadillac solitario. Pégate a mí. Un accidente de circulación. María. Tejanos rellenos. Quiero un camión. No surf. Barcelona ciudad.

Músicos: Loquillo (voz), Javier Juliá (guitarras), Ulises Montero Malone (saxo), Olvido Alaska (voz), Poch (coros), Ana Curra (teclados), Iñaki (coros), Julián Siniestro (guitarra), Luis Malone (coros) y Fernando Malone (coros). Ulises (armónica en Quiero un camión).

Además: En El ritmo del garaje colaboran cantantes y músicos ubicados entonces en Madrid y representantes de la denominada movida musical. Entre ellos y ellas están Ulises Montero –saxofonista habitual en grupos como Gabinete Caligari, Sindicato Malone o Desperados-, Alaska –en alza con sus Pegamoides-, Ana Curra –ex pegamoide, ex parálisis permanente y Seres Vacíos-, Poch –Derribos Arias-, Luis y Fernando –Sindicato Malone- y Julián Hernández –Siniestro Total-.

Más portadas: Los tiempos están cambiando (1981), ¿Dónde estabas tú en el 77? (1984), La mafia del baile (1985), Mis problemas con las mujeres (1987), Morir en primavera (1988) y A por ellos…que son pocos y cobardes (1989).

Bound For Glory (Folkway) 1958Woody Guthrie
Portada: Edición de Millard Lampell


Una opinión: “Más de 1.000 son las canciones que se han podido recoger de la obra de Woody Guthrie. Otras muchas, al ser improvisadas, se han perdido en las calles, en los campos: en los escenarios que Guthrie utilizaba a menudo para cantar. Musicalmente recibió influencias decisivas del blues, del country y de la música popular blanca y supo crear con ellas un lenguaje simple y directo sobre el que se basó la generación folk de los años 60. La temática que encierran las letras de sus canciones es amplia: canciones políticas sobre la siutación en los Estados Unidos y en el mundo, canciones de amor, baladas y canciones tradicionales, temas para niños…Pero en todas ellas se encuentra la huella que refleja los sentimientos del pueblo que conoció”. Xavier Ibáñez. Woody Guthrie. Testigo de los USA. Número 25 de la revista Ozono. Octubre de 1977.

Otra: La autobiografía de Woody Guthrie, publicada en 1943 bajo el título Bound For Glory, como el elepé recopilatorio, contribuyó al conocimiento de la figura de este trovador izquierdista, hasta el punto de que inspiró al director Hal Ashby para rodar la película homónima, estrenada en el año 1976 y con David Carradine como protagonista.

Canciones: Stagolee. Children’s Songs: Little Sack Of Sugar/Ship In The Sky/Swim, Swim, Swimmy I Swim. Vigilate Man. Do Re Me. Pastures Of Plenty. Grand Coulee Dam. This Land Is Your Land. Talking Fish Blues. The Sinking Of The Reben James. There’ s A Better World A-Comin’.

Músicos: Woody Guthrie (guitarra y voz) y Will Geer (voz).

Además: Entre los compañeros de recorrido por tierras norteamericanas, Woody Guthrie cantó y tocó la guitarra junto a Leadbelly, Pete Seeger, Cisco Houston, Burt Ives, Lee Hays o Millard Lampell, entre otros,

Más portadas: Dust Ballads Bowl (1950), Songs Grown On For Mother And Child (1956), Nursery Days (1958), Woody Guthrie Sings Folk Songs (1962) y Struggle (1976).

Cuarenta años después (3)

Discos de 1967



Their Satanic Majesties Request (Decca) 1967
The Rolling Stones
Portada: Fotografía de Michael Cooper

Una opinión: “Por encima del tópico acerca de la consideración de este disco como el álbum psicodélico de los Stones, Their Satanic Majesties Request es un disco de una extraordinaria calidad musical, y puede decirse que es en el que el grupo derrochó más imaginación, creatividad y afán de experimentación. Lejos de la simpleza de Between The Buttons, los Stones que en este disco tomaron plenamente las riendas de la grabación y de hecho rompieron con Andrew Loog Oldham en base a ese deseo de tener control, actuaron en el estudio con plena libertad, dejando que las ideas fluyeran sin limitación ni perjuicio alguno e introduciendo en su sonido mucha música electrónica, efectos de estudio nunca utilizados antesy envolviendo su música con el colorido psicodélico que dominaba la escena en ese momento”. Mariano Muniesa. The Rolling Stones. Cátedra.

Otra: “La mayoría de los críticos describió el álbum como un intento triste, mal concebido y narcotizado de responder a Sargeant Pepper de los Beatles, y John Lennon estaba entre aquellos a quienes no les gustaba. Jon Landau, dijo que Satanic Majesties a pesar de momentos de incuestionable brillantez, pone en peligro el prestigio de los Stones. Con él, los Stones abandonaban su capacidad de liderar con el fin de impresionar a los impresionables. Han sido demasiado influidos por sus inferiores musicales, y el resultado es un álbum inseguro en el cual intentan, con demasiada insistencia, demostrar que también ellos pueden decir algo nuevo”. Bill Wyman y Ray Coleman. Sólo Rolling. Grijalbo.

Canciones: Sing This All Together. Citadel. In Another Land. 2000 Man. Sing This All Together (See What Happens). She’s a Rainbow. The Lantern. Gomper. 2000 Light Years From Home. On With The Show.

Músicos: Mick Jagger (guitarra, armónica, teclados y voz), Brian Jones (guitarra, teclados y voz), Keith Richards (guitarra, teclados y voz), Bill Wyman (sintetizador, bajo, teclados y voz) y Charlie Watts (batería). Nicky Hopkins (piano y teclados) y John Paul Jones (cuerdas).

Además: “Era el reflejo de lo que se vivía musicalmente en 1967. Nunca puedes escribir o hacer música totalmente aislado de lo que se está haciendo, a menos que vivas en una montaña, y en 1967 era casi imposible estar al margen de cómo evolucionaba la música”. Mick Jagger. 1976.

Más portadas: The Rolling Stones (1964), 12X5 (1964), Out Of Our Heads (1965), Between The Buttoms (1967), Flowers (1967), Beggars Banquet (1968) y Let It Bleed (1969).

Blue Oyster Cult (CBS) 1972
Blue Oyster Cult
Portada: Diseño e ilustración de Bill Gawlick

Una opinión: “Pioneros del heavy rock en Estados Unidos, Blue Oysyter Cult, BOC, es un grupo dispar con una interesante etapa de formación culminada en 1975 y una desconcertante etapa de dispersión que les sumerge en una segunda fila el resto de los años 70. Parte fundamental de su éxito inicial es la brillantez de su puesta en escena, con el morboso encanto de sus signos cabalísticos adornando el dramático entorno de sus miembros y sus discos. BOC nace en Nueva York. Antes y con los nombres de Stalk Forrest primero y de Soft White Undesbelly después, habían grabado algunos discos (no editados nunca) para el sello Elektra”. Historia de la Música Rock. Tomo 4. Orbis.

Otra: “Nacidos en la elucubraciones de Sandy Pearlman y Richard Meltzer, dos escritores norteamericanos obsesionados con el rock como Neocronomicon de nuestra era y nuestra era, BÖC son algo más que otro nombre en la lista de curiosidades para coleccionistas. Mientras que las bandas de segunda y tercera oleada empiezan con simples reproducciones de sus mentores, los Cult elaboran sobre monumentos dorados del rock de los sesenta y los setenta para insertarlo en el siniestro contexto de una contracultura en descomposición”. Diego A. Manrique. Presentación del doble elepé Heavy Metal (CBS) 1975.

Canciones: Transmaniacon. I’m On The Lamb But I Ain’t No Sheep. Then Came the Last Days Of May. Stairway To the Stars. Before The Kiss, A Redcap. Screams. She’s As Beautiful As A Foot. Cities On Flame With Rock & Roll. Workshop Of The Telescopes. Redeemed.

Músicos: Donald “Buck Dharma” Roeser (guitarra y voz), Allen Lanier (guitarra rítmica y teclados), Eric Bloom (stun guitar, teclados y voz), Albert Bouchard (batería y voz) y Joe Bouchard (bajo y voz).

Además: Blue Oyster Cult constituye sin duda un fenómeno mediático (radio, televisión, video, cine, juegos) que ha inspirado a artistas de diferentes ámbitos, entre ellos dibujantes de cómics. En algunas páginas del Grupo Marvel, DC Comics, Atlas Comics y Metal Hurlant, entre otras historietas, se hace referencia al grupo roquero.

Más portadas: Blue Oyster Cult (1972), Tyranny And Mutation (1973), Secret Treaties (1974), Agents Of Fortune (1976), Spectres (1977), Mirrors (1979), Cultösaurus Erectus (1980), Fire Of Unknown Origin (1981), The Revolution By Night (1983), Club Ninja (1986) e Imaginos (1988).

La piel de Sara (Ariola) 1988
Javier Ruibal
Portada: Fotografía de Pablo Pérez Mínguez


Una opinión: “Javier Ruibal es otro de los ejemplos que demuestran la falta de sensibilidad por parte de la industria musical española hacia los genios reales, creativos e inquietos que ha dado la canción de autor en España. A pesar de todo, este gaditano se ha enfrentado siempre al ostracismo con la mejor de sus armas: el talento. Un talento innato, intuitivo, curioso”. El compromiso artístico de Ruibal ha estado siempre guiado por la búsqueda de historias reales con un lenguaje popular, asequible y directo”.
“A pesar de su formación autodidacta, Ruibal ha tenido –también- el tino de rodearse de buenos músicos que, lejos de apurar el virtuosismo, han colaborado en el enriquecimiento musical de sus canciones”. Jordi Turtós-Magda Bonet. Cantautores en España. Celeste.

Otra: “Comenzó la grabación de su tercer disco con el corazón en un puño y sabiendo que la canción es el recuerdo natural del ocio forzoso, el precio del pecado original. Su garganta había tragado rasposas influencias del blues on the rocks de Miles Davis, sofisticados anglosajones melódicos-corales, voluptuosos ritmos de Oriente y el delicado suflé de la ECM, mientras mantenía una relación genético-ambiental con el flamenco. Vive rodeado por la bruma del patrimonio jerezano que es la bulería…”. Carmina Burana. Presentación del disco La piel de Sara, bajo el título Garganta profunda.


Canciones: Bulerías. La dama de la isla. Duerme Sevilla. La rosa azul de Alejandría. Tu sonrisa. La piel de Sara. Agualuna. La boda. Bendito veneno. Cualquier canción que viniera.

Músicos: Javier Ruibal (voz, coros y guitarra flamenca), Antonio Toledo (guitarras acústica, eléctrica y española), Gerardo Núñez (guitarra flamenca en Bulerías), Marcelo Fuentes (bajo eléctrico), Sebastián Rubio (batería y percusiones), Chano Domínguez (piano), Chris White (chelo en La boda), Antonio Carmona (cajón en La piel de Sara y La dama de la isla), Manolo Morales (saxo en La boda y La rosa azul de Alejandría), Agustín Serrano (teclados en Cualquier canción que viniera), Luis Delgado (guimbri y carraqueos en La dama de la isla) y Ester Godinez (coros y percusiones).

Además: “Y junto a aquellos nombres, me vienen también a la memoria otros muchos tras los que se manifestaba una sensible y comprometida humanidad y a los que pude conocer mejor, a partir de 1975: …Javier Rubial cantándonos sus bulerías”. Fernando G.Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Alianza Editorial.

Más portadas: Dama (1983) y Cuerpo Celeste (1986).

The Köln Concert (ECM) 1975
Keith Jarrett
Portada: B&B Wojirsch

Una opinión: “El radicalismo pianístico de Jarrett es previo al jazz, y puede manifestarse en su trato con etapas paradigmáticas del piano europeo (El clave bien temperado y las Variaciones de Goldberg, de Bach, la obra para piano de Shostakovich), o en las abstracciones improvisadas a las que dedica gran parte de sus apariciones en público, como el famoso KÖLN CONCERT. Cuando se mide consigo mismo cae muchas veces en el ensimismamiento; una debilidad, todo hay que decirlo, fomentada por Manfred Eilcher, su productor discográfico, propietario de ECM y responsable de algunas de las etapas más autocomplacientes en la carrera discográfica del pianista”. Jorge García. Los 100 Mejores Discos de Jazz. Editorial La Máscara.


Otra: “Lo más interesante de la música de ECM es que está casi completamente libre del peso de la historia y de la ansiedad de la influencia que dominan la mayor parte del jazz contemporáneo; y nadie mejor que Jarrett representa eso. Es significativo que Jarrett sea el más europeo de los músicos americanos de jazz, el que más le debe a la música clásica occidental (ha grabado El clave bien templado, de Bach, en ECM. Jarrett es heredero de Rilke (uno de cuyos Sonetos a Orfeo se cita en la cubierta del magnífico –y, casualmente, nada occidental Spirits) y de Liszt tanto como de Bill Evans o Bud Powell”. Geoff Dyer. Pero Hermoso. Círculo de Lectores.

Composiciones: Part I.Part II a. Part II b. Part II c.

Músicos: Keith Jarrett (piano).

Además: Keith Jarret ha tocado con Tony Scott, Roland Kirk, Art Blackey, Charles Lloyd y Miles Davis, entre otras figuras del jazz. También por los grupos formados por el pianista norteamericano, habitualmente tríos y cuartetos, pasaron músicos como Dewey Redman, Charlie Haden, Paul Motian, Guilherme Franco, Jan Garbarek, Palle Danielsson, Jon Christensen, Gary Peacock o Jack DeJohnette.

Más portadas: Life Between The Exit Songs (1967), The Morning Of A Star (1971), Expectations (1971), Ruta And Daitya (1972), Solo Concerts (1973), Luminessence (1974), Mysteries (1975), Shades (1975), The Suvivor uite (1976), Nude Ants (1979), Chages (1983), Standards Live (1985), Spirits 1 & 2 (1985) y The Well Tempered Clavier: Book 2 (Bach) (1985).

Swingtime in springtime ( Philo Records) 1976
Lew London
Portada: Ilustración y diseño de Michael Horen



Una opinión: “Lew London, además de original y perfeccionista, es ante todo un ecléctico. Su música es un cóctel en el que se mezcla gran parte de la panoplia terminológica estadounidense. El folk, el jazz, el blues, el country y el swing intervienen en ella en muy diversos grados, siendo el último término citado el que hace las veces de catalizador en la pócima. Alguien, queriendo precisar más lo que hace Lew London, lo ha denominado neo-swing.Lew London nació en New Jersey. Sus primeros pasos dentro de la profesión los dio en un grupo de folkbluegrass llamado Bottle Hill, haciendo en él una música descrita como spacegrass. En este disco, Swingtime in Sprintime, se palpan las influencias del gran guitarrista Django Reinhardt”. Texto de presentación del disco en la edición española de Guimbarda.

Otra: “Un periodista de Sing Out, maravillado de la clase de Lew London le puso el apelativo de El Rey del Este del Swing del Oeste. Es un juego que ha perseguido al músido donde quiera que fuera, cuando lo cierto es que junto al western swing, un swing campero a lo Bob Wills an the Texas Play Boy de quien canta Home In San Antone convive un swing más urbano, un tanto europeo –a lo Reidhart- y baladas propios del country como el lamento Rodeo Rider en que Mary McCalsin pone la segunda voz”. Edición de Guimbarda.

Canciones: Swingtime Iin Springtime. Old Movies. Home In San Antone. Sooner Or Later. Nagasaki. Rodeo Rider. Crazies. Gimme That Wine. Randy. Lottery Ticket. Jennie’s Fault. Lady Be Good. Green Peach Blues. Laughing At Life.

Músicos: Lew London (voces, guitarras acústicas, dobro y mandolina), Mark Josephs (guitarra rítmica y armónica), Ben Harman (bajo acústico), Jim Tulio (bajo acústico y guitarra rítmica), Evan Stover (violín y cuerdas), Jay Ungar (violín), Robert Casel (piano), Billy Novick (clarinete), Winnie Winston (pedal steel guitar), Jeff Gutcheon (piano), Tony Markellis (bajo eléctrico), Steve Burgh (guitarra eléctrica), Steve Moseley (percusión), Mary McCaslin, Martha Trachtenberg y Nancy Josephson (armonías vocales).

Además: “El wester swing nace de la mezcla de estilos que se produce en las grandes ciudades en la época de swing y sus big bands. Es pues un producto híbrido de la música country, jazz, blues y también de las tradicionales orquestales de hillbilly, de música cajun y música norteña o tex mex”. Edición de Guimbarda.

Más portadas: Con el grupo Bottle Hill, Lew London grabó los elepés titulados Rumor In Their Ow Time (1972) y Light Our Way Along The Highway (1976).

Cuarenta años después (2)

Discos de 1967

Surrealistic Pillow (RCA) 1967
Jefferson Airplane
Portada: Fotografía de Herb Green

Una opinión: “En marzo de 1967 salía a la venta el segundo disco grabado en estudio por Jefferson Airplane, pero con cambios en la formación de esta banda de San Francisco, pues como cantante figuraba a partir de entonces la ex vocalista de The Great Society, Grace Slick, cantante, pianista y compositora, y el reputado percusionista Spencer Dryden (1938-2005). Surrealistic Pillow constituía la entrada de un elepé del denominado rock ácido o psicodélico en el mercado discográfico, a lo cual ayudó la inclusión de dos canciones con gancho, Somebody To Love y White Rabbit, que Grace Slick había interpretado con su anterior combo”. Bus de colores Sausalito-San Francisco, ida y vuelta. Ed. Quello. Coque.

Otra: “Jorma Kaukonen aporta dos composiciones a Surrealistic Pillow, una junto a Marty Balin, y la composición Embryonic Journey, un instrumental acústico que con el paso del tiempo mantiene su vigencia inicial y se ha convertido en un clásico de su autor cuando toca en directo. Por su parte, Paul Katner aparece tímidamente en los créditos de las canciones (en dos) aunque en lo sucesivo se convertiría en uno de los aeroplanos más prolíficos en el asunto de la composición de canciones. Por cierto, Skip Spence, primer baterista de Jefferson Airplane y en 1967 guitarrista de Moby Grape, dejó la pieza My Best Friend”. Bus de colores Sausalito-San Francisco, ida y vuelta. Ed. Quello. Coque.

Canciones: She Has Funny Cars. Somebody To Love. My Best Friend. Today. Comin’ Back To Me. 3/5 Of A Mile In 10 Seconds. D.C.B.A. How Do You Feel. Embryonic Journey. White Rabbit. Plastic Fantastic Lover.

Músicos: Grace Slick (piano, órgano y voz), Paul Katner (guitarra y voz), Jorma Kaukonen (guitarras solista y rítmica y voz), Jack Casady (bajo, fuzz bass y guitarra rítmica), Spencer Dryden (percusión) y Marty Balin (guitarra y voz). Jerry García (guitarra y consejero espiritual).

Además: El inconfundible Jerry García toca la guitarra acústica en Comin’ Back To Me, una penetrante balada de Marty Balin, quien en los tiempos lentos demostraba una exquisita sensibilidad.

Más portadas: After Bathing At Baxters (1967), Crow Of Creation (1968), Bless Pointed Little Head (1969), Volunteers (1969), Long John Silver (1972), Thirty Seconds Over Winterland (1973) y 2400 Fulton Street: An Anthology (1987).

The Wishing Chair (Elektra) 1985

10,000 Maniacs

Portada: Diseño de 10,000 Maniacs and T+CP. London

Una opinión: Una nueva etapa del grupo neoyorquino 10,000 Maniacs se abrió al grabar en Londres el elepé The Wishing Chair, sin duda uno de los mejores de esta banda que incluía como cantante a Natalie Merchant. La producción de Joe Boyd es fundamental para reorientar el sonido de la banda hacia un folk rock puesto al día y del que disfrutaban los miembros del grupo, quienes lo mantuvieron en un primer plano en sus próximas grabaciones y hasta la marcha de la cantante. La posterior edición en CD de The Wishing Chair incluye dos canciones más del ya abundante repertorio del elepé.

Otra: Natalie Merchant es una de las personas que más se nota en el elepé The Wishing Chair, de 10,000 Maniacs, pero también hay que tener en cuenta al excelente guitarrista Robert Burke, quien aporta vitalidad al disco en general con su sonido inspirado, como demuestra con sus toques en Scorpio Rising, Maddox Table o My Mother War, entre otras, en las que facilita la labor de los otros músicos del sexteto.

Canciones: Can’t Ignore The Train. Just As The Tide Was A Flowing. Scorpio Rising. Lilydale. Maddox Table. Everyone A Puzzle Lover. Arbor Day. Back O’ The Moon. Tension Makes A Tangle. Among The Americans. Grey Victory. Cotton Alley. My Mother The War.

Músicos: Natalie Merchant (voz), Robert Buck (guitarra eléctrica, guitarra acústica, mandolina y pedal steel), Dennis Dew (órgano, piano y acordeón), John Lombardo (guitarras acústica de seis y 12 cuerdas y bajo), Steven Gustafson (bajo y guitarra eléctrica) y Jerry Augustyniak (batería).

Además: Natalie Merchant lleva 15 años de carrera artística en solitario y con reconocimiento por parte de crítica y público hacía sus discos. La próxima grabación de la cantante y compositora norteamericana va a recoger sus mejores canciones bajo el título Retrospectiva, 1990-2005. Habrá dos formatos, un disco doble de edición limitada, y otro sencillo.

Más portadas: Human Conflict Number Five (1982), Secrets Of The I Ching (1983), In My Tribe (1987), Blind Man’s Zoo (1989) y Hope Chest (1990).

Elkin & Nelson (CBS) 1974
Elkin & Nelson
Portada: Fotografía de Ontañón



Una opinión: “Ellos se llamaban Elkin y Nelson y, en colaboración con Juan Pardo y otros brillantes músicos españoles, crearon dos de los discos más extravagantes y visionarios del pop español de los setenta.

...La jugada parecía estar calculada al milímetro: compromiso y evasión en la misma entrega, temas propios y recuperaciones del exteso folklore latinoamericano, desde el caribeño al centroamericano pasando por el carioca. Sones de los que se habían empapado los hermanos Vélez, a traves de sus largos viajes por el continente.
…En cualquier caso, nada más apropiado que rescatar sus dos primeros elepés, verdaderas joyas injustamente olvidadas de los inicios de la fusión latina que aún hoy siguen mostrando su vitalidad y actualidad”. Darío Vico. Libreto del doble CD Elkin & Nelson, editado por Rama Lama Music. 1999.

Otra: “Somos distintos. Sentimos el ritmo latino, del Caribe, de donde viene lo cálido, lo caliente. Feliciano y Santana son Feliciano y Santana; nosotros somos Elkin & Nelson”. Elkin y Nelson. Declaraciones en El Gran Musical. 1974.

Canciones: Samba Samba. A caballo. Light My Fire. Chévere. Tienes que tomar conciencia. Carnavalito 1. Al Canaval. Carnavalito 2. Vámonos.

Músicos: Elkin (voz y guitarra), Nelson (voz y guitarra), José María Senabre (guitarra), Eduardo Leiva (teclados y arreglos), Jorge Esteva (bajo), Iñaki Egaña (bajo), Pepe Ébano (percusión), Alberto Gómez (batería) y Los amigachos del whisky (coros).

Además: Danny Daniel, Ismael, Víctor Manuel o Ana Belén fueron algunos de los presentes –escondidos posteriormente en los créditos del elepé bajo el curioso apelativo de los amigachos del whisky- y en el resultado final se nota un ambiente bastante distendido y festivo. Darío Vico.

Más portadas: Ángeles y demonios (1974) y E&N (1991).

Closer (Edigsa) 1980
Joy Division
Portada: Fotografía de Bernard Pierre Wolff



Una opinión: “Natural de Manchester, Warsaw era un cuarteto inmerso en la marea punk formada por Ian Curtis (voz), Bernard Albrecht (guitarra), Peter Hook (bajo) y Steve Morris (batería). Con el cambio de nombre a Joy Division comienza una insólita carrera su primer elepé (Unknown Pleasures, 1979) es un disco inhóspito, desolado, duro. Hace daño, musical y literariamente, y, a pesar de ello, crea adicción. También los conciertos se convierten en ceremonias límites, rituales. Se crea un culto.
De pronto la hecatombe: en mayo de 1980, Ian Curtis se suicida. A las pocas semanas se edita el recién grabado Closer, con una premonitoria portada fúnebre, y un maxisingle con Love Will Tear Us Apart, el tema más claro que hizo nunca Joy Division”. Ángeles caídos, paisajes nocturnos. José Luis Fernández Abel. Historia del Rock. El País.


Otra: “El tono tenebrista del disco, con una tumba en la portada, ponía un final morboso a una banda a la que le quedaba aún el mejor epitafio: la desgarradora belleza del single póstumo Love Will Tear Us Apart. Tras la muerte de Curtis, el resto decidió continuar, cambiando de nombre a New Order, con Bernard cantando y una teclista, Gillian Gilbert. Incluso retomaron unos meses más tarde la gira norteamericana programada para Joy División. Fue el principio del cambio”. Manchester. Guillermo Z del Águila. Música y drogas. CAÑAMO.

Canciones: Atrocity Exhibition. Isolation. Passover. Colony. A Means To An End. Heart And Soul. Twenty Four Hours. The Eternal. Decades.

Músicos: Ian Curtis (voz y guitarra), Bernard Summer (guitarra, teclados y bajo), Peter Hook (bajo y guitarra) y Stephen Morris (batería).

Además: “Todo el mundo dice que nuestras letras son oscuras y pesadas. Con bastante frecuencia me preguntan por qué. La única respuesta que puedo dar es mi respuesta. El lugar donde vivía de chico, donde tengo mis memorias más felices, desapareció. Todo lo que queda es una vieja planta química. Me di cuenta de que nunca iba a poder volver atrás, recuperar esa felicidad. Entonces está este vacío. Para mi Joy Division era acerca de la muerte de mi comunidad y de mi infancia. Era completamente irrecuperable”. Bernard Summer.

Más portadas: Unknown Pleasures (1979), Still (1981) y Substance (1988).

Cuarenta años después (1)

Discos de 1967

Winds Of Change (Polydor) 1967

Eric Burdon & The Animals

Portada: Paragon Publicity

Una opinión: “Efectivamente, eran Vientos de Cambio los que corrían para Burdon y para el rock en aquella época. Unos Animales remozados, con John Veider, Vic Brigss, Barry Jenkins y Danny McCulloch junto a Eric Burdon, y unas tremendas influencias de la filosofía y la estética de la Costa Oeste americana a lo largo del disco que incluye temas como Paint In Black, pieza de los Stones que siempre ha sido favorita de Burdon, Hotell Hell, Good Times, o la canción homenaje San Francisco Nights, con el grupo sumergido hasta el cuello en la Psychedelia”. Presentación del disco para la serie Edición Coleccionistas de Polydor en España.

Otra: “En 1967, con el esplendor de Monterrey en Estados Unidos y las nuevas fuentes hippies que emanan de la música, Eric Burdon and The Animal hallan una nueva vía de inspiración”.

Historia de la Música Rock. Orbis.

Canciones: Winds Of Change. Poem In The Sea. Paint In Black. The Black Plague. Yes I Am Experienced. San Francisco Nights. Man-Woman. Hotel Hell. Good Times. Anything. It's All Meat.

Músicos: Eric Burdon (voz), John Weider (guitarra y violín), Vic Brigss (guitarra y piano), Barry Jenkins (batería y percusión) y Danny McCulloh (bajo).

Además: Eric Burdon, instalado en San Francisco en 1967 y en la cercana Monterrey participará ese verano en el mítico festival de rock, dedica su álbum Winds Of Change a Roland Kirk, Dominic Behan, Mick Jagger, Barney Platts Mills, George Harrison, Hilton Valentine, Alan Price, Chas Chandler, a su madre, Kevin Deverage, Zoot Money, Peter Watkins, Collin Welland, Giorgio Gomelesky, Ann Ivil, Eric The Head, Ray Charles, al presidente Johnson, Ho Chi Minh, Miss St. John, “All the lads at West Central -whose kock on my door is expecxted-”, Mr. Bertie Brown, Georgie Fame, Eddie Thornton “And theheavy gang the North Eastern Electricity Board, Foosway, Newcastle-upon-Tyne, Eastern District- whom I sweated and drank with”.

Más portadas: Animalism (1966), The Twain Shall Meet (1968), Every One Of Us (1968) y Love Is (1968).

Lo mejor de Los Pekenikes (Hispavox) 1973
Los Pekenikes
Portada: Hispavox

Una opinión: “En 1966 los nuevos Pekenikes publican su primer trabajo de esta nueva etapa, con las canciones Hilo de Seda y Sombras y Rejas, obras de Alfonso Sáinz, líder del conjunto, donde también brillaban otros talentos como Lucas Sainz Amorós, Tony Luz e Ignacio M. Sequeros. Fue una sorpresa. Normalmente las formaciones tenían un límite máximo de cinco miembros, que correspondían a los instrumentos típicos del beat: dos-tres guitarras, batería y ocasionalmente el órgano. Pero, Los Pekenikes, tras una primera fase de quinteto (aportando ya la novedad del saxo de Sainz), enseguida se convirtieron en un septeto, introduciendo una sección de viento con trompetas, trombón y flauta (adelantándose así al movimiento soul)”. Gerardo Irles. ¡Sólo para fans! La música ye-yé y POP española de los años 60. Alianza Editorial 1997.

Otra: “Tal vez la mejor banda hispana instrumental. Su extensa y espasmódica carrera ha transcurrido durante más de 40 años. Superado el año 2000, siguen en activo, deleitando a sus numerosos seguidores con temas clave de la historia de la música popular española: Los cuatro muleros, Hilo de seda, Sombras y rejas, Lady Pepa, Frente a palacio, Arena caliente, Embustero y bailarín, Robin Hood, Felices 20 y Cerca de las estrellas, por citar sólo unos cuantos”. Salvador Domínguez. Bienvenido Mr. Rock…SGAE 2002.

Canciones: Tren transoceánico a Bucaramanga. Embustero y bailarín. Sombras y rejas. Lady Pepa. Robin Hood. Sol de medianoche. Arena caliente. Hilo de seda. Nostalgia. Poderoso señor. Frente a palacio. El tiempo vuela. Cerca de las estrellas.

Músicos: Ignacio Martín Sequeros (bajo y armónica), Tony Luz (guitarra rítmica), Alfonso Sáinz (saxofón y pandereta), Lucas Sáinz (guitarra solista), Jorge Matey (batería), Félix Arribas (batería y percusión), Vicente Gasca (trompeta), Pedro Luis García (trompeta), Antonio Obrador (guitarra) y Antonio Brito (trompeta).

Además: El grupo Pekenikes fue un auténtico vivero de representantes de una larga relación de grupos y solistas de las décadas de los sesenta, setenta, ochenta y noventa. En paralelo a dicha banda surgieron proyectos musicales realizados por miembros de la misma, como Taranto’s (1969), Zapatón (1976) y Bulldog (1984). Algunos “pekenikes” grabaron discos con sus nombres: Lucas (1976), Juan Jiménez (1984) y Chema Rivas (1995).

Más portadas: Los Pekenikes (1966), Los Pekenikes (1967), Alarma (1969), Los Pekenikes (1975), Los nuevo de Los Pekenikes (1978) y Scanner (1984).

Dragon Fly (Grunt) 1974Jefferson StarshipPortada: Ilustración de Peter Lloyd


Una opinión: “Dragon Fly nos presenta nuevamente al Starship como grupo y con la colaboración de nuevos intérpretes junto a él. Craig Chaquito, magnífico guitarrista, y Pete Sears al bajo y piano, logran dar al viejo Jefferson nuevo impulso en un aleteante vuelo espacial. De hecho, en lugar de una astronave, el Starship hace pensar más en un Arca de Noé musical que reúne un poco de todo lo que era la grandeza de San Francisco, diría de este disco el crítico Herve Muller, de la revista Rock & Folk”. Página 21 de Rock Comix, Barcelona 1976.

Otra: “Jefferson Airplane planea un tour monstruoso, que promote hundir los USA bajo las aguas. Marty Balin que ya apareció en un tema del Dragon –Caroline- dejó su banda –Bodacius- y parece que se ha unido de nuevo a los Jefferson, a la vista de que Katner ha vuelto a componer himnos más firmes y anímicos, para levantara la gente de nuevo, como en los buenos tiempos”. Jesús Ordovás. El rock ácido de California (Ediciones Júcar) 1975.

Canciones: Ride the Tiger. That’s for Sure.Be Young You. Caroline. Devil’s Den. Come to Life. All Fly Away. Hyperdrive.

Músicos: Grace Slick (piano y voz), Paul Kantner (guitarra rítmica y voz), David Freiberg (bajo, teclados y voz), Craig Chaquico (guitarra), Pete Sears (bajo y teclados), Johnny Barbata (batería y percusión), Papa John Creach (violin) y Marty Balin (voz en Caroline).

Además: Jeffersonn Starship es relevada por la banda Starship, que desde 1985 a 1989 graba los elepés Knee Deep In The Hoopla, No Protection y Love Among The Cannibals (1989), en los que cantaron sucesivamente Grace Slick y Mickey Thomas. Con posteridad, desde 1991, se pondrían a la venta varios discos recopilatorios con los grandes éxitos de este grupo.

Más portadas: Red Octopus (1975), Spitfire (1976), Earth (1978), Gold (1979), Freedom at Point Zero (1979), Modern Times (1981), Winds of Change (1982) y Nuclear Furniture (1984).

Bambino (Columbia) 1967
Bambino
Portada: Fotografía de Simón López



Una opinión: “En primer lugar, y ante todo, es flamenco. Tal vez no un flamenco demasiado ortodoxo ni puro en su presencia exterior, pero sí en su base. Lo importante es, partiendo de unas normas preestablecidas y fijas, crear con arreglo a los gustos y épocas en que se vive, una forma de expresión que el público puede comprender y admitir. Es decir, modernizar y revisar con nuevas ideas los ya viejos y caducos moldes. Hacerlo llegar a todos. Y así conseguir que el flamenco dejara de ser patrimonio exclusivo de un reducido número de entendidos. El arte es una sucesión de renovaciones formales”. Alfonso Carlos Santiesteban.


Otra: “Miguel Vargas Jiménez era mucho más de que lo parece. Mucha gente le mira como un simple rumbero que tenía un bueno y nuevo concepto de la rumba andaluza y la bulería a cuplé. Yo le he escuchado cantar por derecho muchas veces en el bar de su hermano Diego, que tambien cantaba muy bien. Dirían con mucha confianza que uno de Utrera que lleva los apellidos Vargas y Jiménez tendrá que cantar bien por cojones y es verdad. Él, su hermano y su madre conocían bien los cantes de Utrera. La última vez que le vi fue un año antes de su muerte, sentado en frente de su casa al otro lado de la calle de la Barriada El Tinte y era allí donde Diego tuvo su bar 'La Peña de Bambino'. En aquel lugar se podía oír mucho cante bueno, a veces, cuando venía la gente del trabajo en el matadero. Detrás había un patio chiquitito donde tomábamos unos vinitos y allí Miguel me cantaba los cantes de Utrera a media voz. Créanme cuando digo que los dos hermanos podían ser famosos como cantaores por derecho”. Tomás de Utrera.


Canciones: Quiero. Plegaria de un fracaso. Culpable. Y ya. Voy. Tú me acostumbraste. Mi amor es mío. Suplicando a la cruz. Equivocadamente. Cuando nadie te quiera. La pared. Payaso. Mi amor ante todo. Afrontar la realidad.


Músicos: Paco Cepero, Enrique Escudero, El Monchi, Juan Maya, Paquito Antequera y Paco del Gastor (guitarras, palmas y jaleo gitano).


Además: Miguel Vargas Jiménez (Bambino) nació y murió en Utrera Sevilla, 1940-1999. Desde pequeño comenzó a cantar y adquirió el nombre de Bambino de una canción italiana del mismo título que la popularizó al adaptarla al ritmo flamenco. Su cante festero de acuerdo con la rumba y la bulería sirvió como base musical a otras formaciones y cantantes posteriores como Los Chichos, Las Grecas y Los Chunguitos.





Más portadas: Bambino! (1969) y Bambino y su combo flamenco (1971).

Frogs For Snakes (Guimbarda) 1981

John Hammond
Portada: Fotografía de Keny Robbins



Una opinión: “Conocer a John Hammond y verle actuar constituyen dos experiencias harto distintas. Cuando no está en el escenario, Hammond muestra una clara timidez y se azara un poco al hablar. Es educado, viste bien –suele llevar traje de color crema y corbata- y acepta cumplidos con humildad. Tiene cuarenta y un años (en 1984) pero aparenta mayor edad que el joven guitarrista de la roto de su primer elepé, grabado hace casi veintidós años.
Pero cuando John Hammond se encuentra en el escenario tocando los blues desaparece toda su timidez y ya no tartamudea. Sentado en un taburete de bar con la pierna izquierda extendida hasta el suelo produce un ritmo marcado e hinóptico. Se le contorsiona el rostro y pone los ojos en blanco al alcanzar de súbito el registro agudo de su armónica. No se limita a tañer su guitarra, la hace echar chispas. Y gime los blues con la intensidad de un poseso”.

Otra: “Otro aspecto de la emancipación del blues aparece en un sector como la banda sonora cinematográfica: la música de la película Little Big Man (Pequeño Gran Hombre) ha sido confiada al joven americano blanco John Hammond, y la de Joe Louis a Stefan Grossman. Estos dos músicos han pertenecido a los movimientos que hemos mencionado, y su participación en estas películas dan una idea de la influencia difusa que tiene ahora el blues en le mundo (1973)”.

Canciones: You Don’ t Love Me. Got To Find My Babe. Step It Up An Go. Fattening Frogs For Snakes. Gypsy Woman. Key To The Highway. My Baby Left Me. Louisiana Blues. Mellow Down Wasy. Your Funeral And My Trial. Mellow Paches. Gone So Long.

Músicos: John Hammond (guitarra, armónica y voz), Kyril Bromley (piano), Sherman Holmes (bajo), Charles Brown (saxo), Charles Otis (batería) y “Washboard Chaz” Leary (“tabla de fregar”).

Además: Grabado en Skyline Studios, New York City. Ingeniero: Paul Wickliffe, asistido por A.T. Michael MacDonald y Stephen Goldman. Mel Green diseñó la portada del elepé.

Más portadas: John Hammond (1962), Big City Blues (1964), I Can’t Tell (1967), Source Point (1970), Little Big Man Original Soundtrack (1971), Can’t Beat The Kid (1975), Footwork (1978), Hot Tracks (1979), Mileage (1980) y Nobody But You (1988).

Deltoya (P&C DRO SA). 1992ExtremoduroPortada: Chuty

Una opinión: “A principios de 1992 supimos en Discos DRO que el grupo andaba inquieto, buscando compañía y preparando su siguiente grabación, así que rápidamente les ofrecíamos ambas cosas, en las mejores condiciones posibles, hasta alumbrar este tercer LP, Deltoya, para colmo de lujo, doble y con unos Extremoduro en la plenitud de sus fuerzas y confianza en sí mismos.
Extremoduro son un grupo atípico, con una música atípica, pero que en solo tres años y con tres discos en el mercado están consiguiendo demostrar que se puede hacer rock y vivir de ello sin plegarse a los caprichos de la industria y las modas”.
Otra: “El rock transgresivo es eficaz en el tratamiento de enfermedades que cursen con síntomas tales como ansiedad, angustia, obsesiones, compulsiones, fobias e hipocondrías. Está igualmente indicado en el tratamiento de las relacione emocionales exageradas que surgen en situaciones conflictivas y de estress.
Asimismo se recomienda en estados en los que existe dificultad de contacto interpersonal y de comunicación: trastornos de la conducta, agresividad excesiva, inadaptaciones escolares, paranoia galopante, etc.”
Canciones: Disco 1. Cara A. Sol de invierno. De acero. Última generación. Cara B. Lucha contigo. Con un latido de reloj. Bulerías de la sangre caliente. Disco 2. Cara C. Deltoya. Relación convencional. Volando solo. Cara D. Ama, ama, ama y ensancha el alma. Papel secante. Estado policial.

Músicos: Roberto Iniesta (voz y guitarras), Salo (guitarras), Carlos “el sucio” (bajo) y Luis “Von Fanta” (batería). Salvador (guitarra solista en De acero y Relación convencional). Rafa Kas (guitarra solista, teclados y voces en Lucha contigo). Ariel Rot (guitarra solista en Volando solo). María y Belén (voces en Sol de invierno, Con un latido de reloj, Ama, ama, ama y ensancha el alma y Papel secante). Luisma (voz en Papel secante).

Además: Canciones de Roberto Iniesta. Arreglos de Extromoduro. Grabado y mezclado en los Estudios Box de Madrid. Ténico de sonido, Sergio Marcos. Contraportada de Azagra+Revuelta.

Más portadas: Rock transgresivo (1989-editado en 1994), Somos unos animales (1991) y ¿Dónde están mis amigos? (1993).
 

Uncle Charlie & His Dog Teddy (BGO Records). Nitty Gritty Dirt Band es uno de los grupos pioneros en promover la fusión de los sonidos campestres norteamericanos con el rock. Fruto de esta labor es este álbum grabado en 1970 por el entonces quinteto de jóvenes músicos con residencia en California, quienes no dudan en mezclar los instrumentos eléctricos con otros más tradicionales (violín, mandolina, banjo, acordeón y armónica). El country rock, el folk, pop, blues, bluegrass e incluso el flamenco están presente en el amplio repertorio del álbum, donde se incluyen composiciones de Michael Nesmith, ex-Monkee, Kenny Loggins, Jerry Jeff Walker, Randy Newman Earl Scruggs y Norman Petty, entre otros autores. Del tercero se recogió la inolvidable y popular Mr. Bojangles, una pieza que adquiere nuevas sonoridades al ser interpretada por The Nitty Gritty, cuyos miembros también trataron de realzar las raíces de la música de Estados Unidos con alguna composición tradicional como la titulada Jessie James. La carpeta del disco fue diseñada por Dean O. Torrence/Kittyhawk Graphis, y en la portada ofrece una fotografía de William E. McEuen.

Canciones: Some of Shelly’s Blues. Prodigal’s Return. The Cure. Travelin’ Mood. Chicken Reel. Yukon Railroad. Livin’ Without You. Clinch Mountain Backstep. Rave On. West. Billy in the Low Ground. Jessie James. Uncle Charlie Interview. Mr. Bojangles. Opus 36. Santa Rosa. Propinquity. Uncle Charlie. Randy Lynn Rag. House at Pooh Corner. Swanee River. Uncle Charlie Interview #2/Spanish Fandango.

Músicos: Les Thompson (bajo, guitarra, mandolina y voz), Jimmie Fadden (guitarra acústica, guitarra eléctrica, armónica, bajo y voz), Jeff Hanna (guitarra acústica, guitarra eléctrica, washboard, batería, percusión y voz), Jim Ibbotson (guitarra acústica, guitarra eléctrica, piano eléctrico, batería, conga, acordeón y voz) y Jhon McEuen (banjo, mandolina, guitarra acústica y acordeón). Colaboradores: Bill Cunninghan, Maurice Manseau, Jim Gordon, Mike Ruvini, John London, Byron Berline y Russ Kunkel.


Otras portadas: Nitty Gritty Dirt Band (1967), Ricochet (1967), Pure Dirt (1968), Rare Junk (1968), Alive (1969), Will The Circle Be Unbroken 1 (1972), Stara & Stripes Forever (1974), Shymphonion Dream (1975), Let’s Go (1982), Twenty Years Of Dirt (1986), Hold On (1987), Will The Circle Be Unbroken (1989) y More Great Dirt (1989).