“Orgia” (Edigsa). Tras su paso por el Grup Folk y Música Dispersa, Jaime Sisa (1948) barcelonés del Poble Sec decidió grabar su primer disco grande en 1971 en compañía de sus colegas de aventuras, es decir la mayoría de los representantes de la progresía catalana que no dudaban en entrar en la galaxia del creador de “Orgia”. Bajo la influencia de los textos más crípticos de Dylan , el folk rock inglés y la heterodoxia del ambiente alternativo de la Barcelona de comienzos de los setenta, Sisa compone 13 piezas que constituyen un adelanto de su universo musical en lo particular y de la contracultura que comenzaba a golpear en una sociedad anquilosada, en general. El Folk-rock cantado en catalán era una realidad en aquellos tiempos previos al cambio político, donde Sisa puso una de las primeras piedras a la estructura que un lustro después se levantó con una sólida base, llámese rock catalán, rock layetano, cantautor galáctico o underground. A ello contribuyeron también la mayoría de los colaboradores en la grabación de este heterodoxo disco de Sisa. La portada, muy en la onda del ácido, la psicodelia y la vuelta a la naturaleza, es obra de Fernando Martínez.
“The Twain Shall Meet” (MGM). En plena explosión del verano del amor, versus Monterey International Pop Festival Monterrey en 1967, el británico natural de Newclaste, Eric Burdon, empadronado en California en plena psicodelia, había dado un importante cambio de ritmo a su carrera musical después del éxito con The Animals en su etapa de grupo representativo del “rhythm blues” inglés que había influenciado en muchas bandas de Estados Unidos. Burdon haría el camino de vuelta y se instalaba en el área de San Francisco, donde puso en marcha The News Animals, un quinteto que debutaba con el disco “Winds of Change” para a continuación, unos meses después, participar en el festival antes mencionado, donde entre otras canciones interpretaría muy animalizada “Hey Gyp”, del escocés Donovan. Burdon, entregado a la causa “hippy”, grabaría su segundo disco oficial de la etapa americana con el título “The Twain Shall Meet”, donde comenzaba con “Monterrey”, homenaje al ambiente creado en torno al evento musical de finales de junio de 1967. Seguirían siete composiciones más donde se nota que la psicodelia, el ácido lisérgico y el pacifismo habían influido en The New Animals de tal manera que los tiempos de la “british invasión” quedaban lejanos en beneficio de un sonido en el que se mezclaban todo tipo de instrumentos, algunos exóticos como el tan socorrido sitar. Fred Otnes sería el artista americano encargado de hacer el colaje que aparece en la portada de “The Twain Shall Meet”.
“Johnny Winter And Live” (Columbia). Primer disco grabado en directo por el guitarrista tejano Johny Winter, principalmente en el Fillmore East de New York, donde sobre el escenario interpretó un repertorio compuesto por canciones de clásicos del rock and roll, un par de blues y una canción emblemática de The Rolling Stones: “Jumpin’ Jack Flash”. La mayoría se salen de los cánones de los estilos de origen, en parte por el acelerado toque de guitarra y la singular voz del líder del combo. En 1970, Johnny era uno de los destacados guitarristas de blues blanco que ya se había consolidado en el ámbito del rock, pero su fama aumentaría con este disco en vivo en el que el rock and roll adquiere una velocidad endiablada y se aproxima al hard-rock todavía en fase de maduración, más adelante heavy. Sin embargo, también se incluyen un par de sentidos blues, uno compuesto por el propio Winter, quien cual aventajado alumno de los clásicos bluesmen se compenetra sin problema con su colega de otras aventuras, el también guitarrista Rick Derringer, y los músicos de la sección de ritmo. Para la carátula del disco se utilizaron las fotografías realizadas por Norman Seeff al guitarrista albino y su banda durante una actuación en el Howard Stein’s Capitol Theatre.
“Deuce” (Polydor). Segundo disco, grabado en Londres, por el guitarrista irlandés Rory Gallagher (1948-1995), quien en la primera mitad de los setenta mantenía la formación básica de rock que hasta entonces siempre utilizó en sus proyectos musicales. Rory ya había conocido el éxito con otro trío: Taste, con el que incluso llegó a actuar en el mitificado Festival de la isla de Wight del año 1970. Tras el estreno con el álbum que lleva su nombre, el músico irlandés compuso varias canciones, de las cuales 10 quedaron registradas para su segunda entrega en formato vinilo titulada “Deuce”. Esta grabación realizada en estudio, aunque su mejor medio era el directo, demuestra que el trío apunta hacia un estilo más duro, aunque no falta alguna incursión acústica (tres en total y cercanas al blues rural y el folk), otra de las facetas de Gallagher, cada vez más virtuoso a la hora de tocar la guitarra y también alejado de las modas impuestas en el mundo del rock. Esta intachable actitud le ha servido después de haber muerto prematuramente para seguir causando admiración a nuevas generaciones de melómanos gracias a su entrega en las canciones de sus diferentes etapas que han quedado registradas para la posteridad. La fotografía de la portada del segundo disco de Rory Gallagher, que aparece con su inseparable Fender, está firmada por el ya mencionado en el comentario de “Transformer”, Mick Rock, un artista conocido por sus retratos de personajes de la música popular.
“Five Long Years” (L+R Records). El pianista de la zona de Misisipi Eddie Boyd (1914-1995) era bastante conocido entre los aficionados al blues en 1965 por su personal estilo que estaba influenciado por otros grandes bluesmen del teclado: Roossevelt Sykes y Memphis Slim. Agraciado con la fama en los años 40 cuando actuaba en los clubs de Chicago, este cantante, compositor y pianista había conseguido algunos sonados éxitos entre los que destaca el clásico “Five Long Years”. Sin embargo, a mediados de los sesenta no dudó en apuntarse a las periódicas giras del American Folk Blues Festival que solían recorrer el Viejo Continente. Una vez en Europa, en concreto en Londres, grabaría un disco con algunos de los mejores instrumentistas de la escuela de Chicago, entre ellos el guitarrista Buddy Guy. El resultado fue que Boyd se atrevió a recoger en una grabación algunos de sus principales “hits” y utilizar por primera vez un órgano. El disco ha quedado como muestra de que el blues y boogie no tienen una geografía concreta cuando se tocan con calidad y pasión, que fueron las armas de Eddie y sus acompañantes en la sesión que realizaron en octubre de 1965 en el Wessex Sound Studios de Londres bajo la producción de Horst Lippmann. A partir de entonces, Boyd como otros colegas suyos afroamericanos, ante la buena acogida de su música, decidió quedarse a vivir en Europa y, en consecuencia, tocar en ciudades donde los amantes del blues demandaban su presencia. La carátula de este “Five Long Years” europeo incluye una fotografía muy americana y en color de Mara Eggert.
“El maldito viento” (WEA). La Unión era en 1985 uno de los grupos posteriores a la movida musical de comienzos de los ochenta que había saboreado las mieles de éxito masivo y el reconocimiento mediático, un año antes, gracias a una canción de referencias literarias, en concreto a Boris Vian. Pero después de “Lobo hombre en París”, canción incluida en “Mil siluetas”, de la que también había video clip, el grupo madrileño entraba en el estudio de grabación, bajo la producción de Nacho Cano, para poner en circulación nueve canciones que pasaron desapercibidas. Lo que había ganado el conjunto en experiencia lo había perdido en comercialidad, lo cual en el negocio de la música no se perdona y, por tanto, “El maldito viento” entraría en la lista de los discos prescindibles. Sin embargo, esto último es muy relativo, porque, sin ser una obra maestra, que apenas las hay en el rock, pop, jazz, folk y demás músicas populares, incluso en la intocable clásica, algunas canciones se salvan de la quema que tan acostumbrados están a alimentar los inquisidores musicales desde sus púlpitos de serios medios de comunicación. “Altos y frondosos”, “La cantante” y “El maldito viento”, por ejemplo, mantienen esa atractiva compostura que los miembros de La Unión saben imponer siempre en cada uno de los discos que periódicamente graban, aunque sea en pequeñas dosis. La sugerente portada de Javier de JUan ahonda en la línea del cómic de autores de trazo limpio que tanto abundaron en los ochenta.
Living With The Law (CBS/SONY). Estreno discográfico del tejano Chris Withley (1960-2005) con una docena de composiciones propias y dentro de estilos como el blues, el rock, el folk y el country, aunque el guitarrista produce al interpretarlas una atmósfera distinta a lo que se puede esperar de piezas basadas en sonidos tradicionales. El músico tejano entraba de lleno en lo que con posteridad se denominaría “americana”, un cajón de sastre en el que se mezclan todos esos estilos antes mencionados pero desde una perspectiva nueva. No es extraño que el vinilo “Living With The Law” se convirtiese en 1991 en toda una sorpresa cuya mejor promoción fue el boca a boca, a pesar de estar grabado en una de las poderosas compañías discográficas de comienzos de los noventa. Withley, además de compositor, demostraba en su disco de estreno que dominaba los instrumentos de cuerda y los adaptaba a su particular forma de entender la música y escribir canciones. La portada del larga duración es de Timothy White que retrata a Chris en una pose de neotrovador country-folk-rock que se colaba por la puerta grande en un singular universo donde abundan las estrellas, algunas de ellas ya desparecidas, como el propio guitarrista de Houston, muerto prematuramente en 2005 cuando tenía mucho que ofrecer.
A Love Supreme (Impulse). Este disco grabado por John Coltrane en 1964 forma parte de su etapa de búsqueda de nuevas direcciones para el jazz que había elegido como forma de expresión universal. En esta ocasión, bajo el influjo de un sentido misticismo y en plena madurez, uno de los saxofonistas más geniales de todos los tiempos dejó para la posteridad esta bella suite en la que participan tres de los mejores acompañantes que tuvo Coltrane en su corta vida. Subidas y bajadas, protagonismo de todos los instrumentistas, y un saxo tendente a la improvisación y al blues, constituyen algunas de las características de la música grabada en este disco. Sobre él abunda mucha literatura, también hay libros especializados que explican todos los pormenores de esta obra suprema, pero lo mejor es adentrase en ella y escuchar los 33 minutos de sus tres partes, porque se ha convertido en la obra de referencia del hombre inquieto en constante lucha y búsqueda de la innovación que fue Coltrane. La sobria carátula en blanco y negro es una fotografía firmada por Joe Alper y Lee Tanner que capta el semblante del músico ensimismado con sus pensamientos.
O Berro Seco (Ruada). Segundo disco del grupo gallego Milladoiro, formación considerada internacionalmente como una las mejores de su estilo. Ha pasado sin problemas la barrera del cuarto de siglo de actividad, tanto sobre los escenarios más diversos de todo el mundo como en los estudios de grabación de los que salieron algunos de los discos básicos de la música gallega de base popular del siglo XX. “O Berro Seco”, grabado entre los meses de abril y mayo de 1981 en Madrid, fue en su día un larga duración esperado, porque Milladoiro que en su anterior “A Galicia de Maeloc” ya había causado admiración de crítica y público fuera de las fronteras de su lugar de origen. En esta segunda entrega, se sirve del homenaje al folclorista Saturnino Cuiñas para desarrollar un repertorio tradicional en el que también se incluyen incursiones en otras músicas (escocesa e irlandesa). El título del disco es explicado por Milladoiro de la siguiente manera: “En la capilla de San Fiz en la parroquia de Casullas, a la salida de misa los hombres agachados se cogían las manos al tiempo que sus figuras se levantaban, las voces se juntaban en un grito que poco a poco iba creciendo hasta terminar en un solo chillido roto de golpe por la orden de Saturnino. Este grito que simboliza la unión de muchos hombres en un mismo esfuerzo recibió como bautizo el nombre de O Berro Seco”. La portada del disco tuvo como dibujante y diseñador a Xosé María Piñeiro, quien se sirvió de la imagen de un viejo zanfonista ambulante y de simbología céltica.
Bless Its Pointed Little Head (RCA). Jefferson Airplane ponía en circulación su quinto disco grande en el año 1969, grabado en directo en los escenarios de los Fillmore East y West, es decir los simbólicos auditorios de ambas costas estadounidenses (en las ciudades de San Francisco y Nueva York). Este sería el primero de sus álbumes oficiales en vivo, aunque el entonces sexteto era bastante receptivo a tocar tanto en espacios abiertos como cerrados, por lo cual ya estaba curtido en este tipo de actuaciones. En Bless Its Pointed Little Head, la banda de San Francisco se encuentra en uno de sus mejores momentos. Tras la correspondiente etapa psicodélica, el grupo recurre a un repertorio variado pero con un enfoque más roquero en el que destacan el dúo Kaukonen-Casady, guitarra y bajo, respectivamente, aunque el resto del combo también aporta su grano de arena a estas grabaciones de finales de los sesenta que demuestran el potencial de la Jefferson cuando de tocar en grandes auditorios se trataba. Abundan las composiciones de los miembros del grupo, entre otras, las emblemáticas, Somebody to love y Plastic Fantastic Lover, pero además hay una pieza de blues tradicional y composiciones de Donovan y Fred Neil, cantautores respectivamente británico y estadounidense que tuvieron una excelente acogida entre las bandas más ácidas de la California sesentera. Las canciones se alargan en relación con los originales en parte por la consolidación de los componentes de Jefferson Airplane como sólidos instrumentistas, aunque también de acuerdo con la tendencia de entonces entre algunos grupos de prolongar sus conciertos ante unos seguidores inquebrantables, caso de la banda Grateful Dead, también del área de San Francisco. La portada en blanco y negro de este disco en directo muestra una impactante fotografía de Jim Smircich que presenta a Casady supuestamente ebrio, sentado a la mesa y agarrado a una botella de vino. En la contraportada, aparece retratado todo el grupo en un momento de pasada por el consumo de otras sustancias que no eran precisamente bebidas alcohólicas de las bodegas de Sonoma o Napa.
“Face to Face” (Pye). The Kinks es una de las bandas de primera fila del pop inglés que mejor ha aguantado el paso del tiempo, hasta el punto de que sus líderes, los hermanos Davies, continúan creando canciones en el siglo XXI. En 1966, después de una carrera discográfica plena de éxitos y sólidas canciones, entre las que figuran algunas clásicas del rock, el entonces cuarteto decidió dar un cambio de rumbo que se notó hasta en la psicodélica carátula de “Face to Face”. Este disco es el punto de partida de una nueva forma de componer de Ray Davies, quien se adelanta a las obras conceptuales que tanto abundan en las grabaciones de The Kinks. Como pasaría en sucesivas grabaciones, las piezas están cargadas de ironía y ácidos comentarios sobre la sociedad británica de entonces vista por el atento espectador que era y es Ray Davies, a quien no se le escapa el más pequeño detalle del que puede hacer una historia que luego canta a los cuatro vientos. Esta labor musical se puede comprobar en la prolífica y variada discografía de The Kinks, así como en sus interesantes actuaciones en directo fruto de sus giras por todo el mundo.
La estrella del alba (Movieplay). El madrileño Hilario Camacho grababa en 1976 su tercer disco en compañía de un excelente conjunto de músicos que entraban en los planes de nueva orientación artística del cantante. Camacho integrante de la llamada “La nueva canción en castellano”, a mediados de los setenta iba por libre y cada vez más alejado de la anquilosada canción protesta, cuya permanencia comenzó a diluirse tras la entrada de la democracia. Esto se nota en “La estrella del alba”, donde hay tres piezas instrumentales, mientras que las cantadas suelen ser en determinados casos de largo desarrollo para dar entrada a músicos de conocida solvencia y, por otra parte, habituales en los círculos de la progresía madrileña. Sonidos acústicos, jazz, pop, rock y ritmos latinoamericanos se combinan sin problema en uno de los mejores discos de Hilario Camacho. La portada del larga duración corresponde a Benito y Máximo Moreno, conocidos por sus obras para carátulas de otros artistas del sello Movieplay, todo un estandarte de la música moderna de aquellos años setenta, donde no faltaban desde el cantautor solitario, el flamenco, los solistas, la música latinoamericana, bandas de diferentes regiones o los combos de rock sinfónico.
G.P. ” (Reprise). Primer disco en solitario de Gram Parsons, por algún tiempo miembro de The Byrds, cuando comenzaban su andadura country rock, y a la que el músico nacido en Florida contribuyó con su creatividad a flor de piel en el inmejorabe “Sweetheart of the Rodeo”. La fotografia de Barry Beinstein y diseño de Viki Hodgerts para Camouflage Productions presentan a un joven Parsons relajado y, seguramente, muy estimulado por el country en cuanto a lo musical, pero en lo privado más orientado a la autodestrucción del slogan roquero: sexo, drogas y rock and roll. A pesar que el disco de Parsons, que también voló alto con The Flying Burrito Brothers, entra en la línea del country purista, escuchado hoy día mantiene la frescura de “outlaw” autodestructivo que Gram imponía a su v ida, como otros muchos más que circulaban por la ruta del country heterodoxo. En el terreno artístico, sin embargo, se rodeaba de excelentes músicos en la onda vaquera pero amigos del rock, muchos de ellos, reputados instrumentistas de sesión que grabaron con los mejores del género. De Parsons hay otro disco en solitario donde se escucha la voz de su compañera Emmylou Harris. La muerte anunciada y prematura de Gram a los 26 años de edad sirvió para recuperar su trabajo musical y, por tanto, convertir al compositor y músico en otro de los mártires del rock, generador de ganancias a las discográficas que siempre de forma periódica encuentran algún material inédito con el que engatusar a los seguidores de este tipo de ilustres desaparecidos . El primer disco de Gram Parsons en solitario constituye un hito que tuvo influencia sobre muchos músicos y cantantes de décadas posteriores. Así entre sus primeros admiradores están The Rolling Stones, que ya habían demostrado su aproximación al country más evolucionado en “Leet it bleed” y en “Sticky fingers”.
“School's Out” (Warner). Disco que lanzaría a la fama a Alice Cooper y su grupo, una banda de rock espectáculo que se apuntaría a la moda glam imperante en 1972. Músicos desde la adolescencia los miembros de este grupo establecido en California y liderado por Alice Cooper, sosias de Vincent Damon Fournier, natural de Detroit, se encontraron en sus comienzos, hacia finales de los sesenta, con el freak por excelencia Frank Zappa que no dudo en apadrinarlos en sus primeras grabaciones. Pero sería pocos años después cuando Alice Cooper se conviertiría en una figura mediática de la época con continuas apariciones en cine y televisión, así como en las revistas de música pop. Pero, dejando de lado maquillajes, mallas y serpientes de gran tamaño, el grupo de Alice Cooper en la etapa de “Se acabó la escuela” era una banda creíble por su agresivo estilo no exento de frases lapidarias y provocadoras recreaciones de lo cotidiano más oculto, pero que estaba y sigue estando a la vuelta de la esquina. La canción “School's out” se convirtió en uno de los himnos gamberros de la década de los setenta y un éxito de ventas que con el paso del tiempo no ha perdido su poder de provocación motivado por el desquiciado sonido de las guitarras y la voz de ultratumba de Alice Cooper. El diseño de la portada fue todo un acierto de Wilkes & Braun Inc al llegar en forma de viejo y marcado pupitre que al abrirse mostraba los objetos habituales de los escolares menos aplicados de la clase. Seguramente, Alice Cooper era uno de ellos que esperaría con inquietud el sonido liberador del timbre anunciador del final del horario escolar.
The Honeycombs (Pye). En pleno apogeo de la beatlemanía y el asalto a las listas de éxito por parte de los grupos británicos, en 1964 aparece un quinteto atípico, The Honeycombs, producido por el lunático Joe Meck (autor del éxito instrumental “Telstar”, de The Tornados) que suena a pop de guitarras limpias, voces sin estridencias, coros ajustados y algún teclado. The Honeycombs en la primera mitad de los sesenta era uno de los muchos grupos en busca de un lugar preferente en el entonces cambiante mercado discográfico, donde su paso sería fugaz aunque con un sencillo de oro “Have i the right?”, número en junio de 1964 en la lista de éxitos del Reino Unido. Sin embargo, las buenas formas de este quinteto con mujer a la batería incluida no impidieron que al poco tiempo la banda quedase en el olvido ante la avidez de un público cada vez más abierto a otras propuestas alejadas del denominado beat inglés. A comienzos de los ochenta se reeditaría el primer disco de The Honeycombs, cuya portada era un referente estético para los cientos de grupos que tras el revulsivo del punk apostaban por las canciones de no más de tres minutos.
The London Howlin’ Wolf Sessions (Chess). El bluesman Howlin’ Wolf viajó a comienzo de los setenta a Londres para grabar unas sesiones discográficas con jóvenes músicos ingleses que admiraban su estilo. Howlin’ Wolf ya había sido bien recibido en el Viejo Continente, como pasó con otros músicos negroamericanos (Big Bill Broonzy, Sonny Boy Williamsom II, Muddy Waters, Memphis Slim, Champion Jack Dupree, Big Mama Thornton, Bo Diddley o Chuck Berry). El viejo “lobo” estuvo muy bien acompañado por reconocidos músicos de rock que en sus comienzos tuvieron como enciclopedia el blues. El resultado fueron varias canciones del propio cantante, guitarrista y armonicista de Misisipi que entonces tenía 60 años y presentaba un claro deterioro físico que un lustro después le llevaría a la tumba. A pesar de todo, el disco presenta algunas piezas interesantes y un cuidado apoyo instrumental, que no evitan que las sesiones londinenses pierdan en la comparación con otros discos más frescos a pesar de haber sido grabados casi 20 años atrás. La portada del disco sin embargo ofrece un inspirado trabajo gráfico en el que se puede identificar a Howlin’ Wolf en compañía de sus admiradores británicos sentados en una conocida plaza de Londres.