“Milton” (A&M). Nacido en Rio de Janeiro pero muy apegado a Minas Gerais, Milton Nascimento (1942) es una de las voces más universales de la música popular brasileña. En el año 1976, como ya había pasado con su primer disco en 1968, grababa el larga duración que lleva su nombre, pero esta vez en estudios de Malibu y Los Ángeles, con el asesoramiento y compañía de dos grandes afroamericanos de jazz: el pianista Herbie Hancock y el saxofonista Wayne Shorter. También participan instrumentistas brasileños, algunos habituales en los discos de Nascimento, y otros reputados músicos de estudio asentados en California. “Milton”, desde la carátula a la música, desprende color, sabor, voz humana y sonidos de la naturaleza en estado puro. El cantante deja clara el mestizaje de su música, no exento de raíces africanas, con la primera canción. Algunas piezas entran en el territorio del jazz pero con ese toque brasileño que también ha combinado siempre con el añejo estilo del siglo XX, aunque composiciones, como “Nothing Will Be as It Was”, tienen una orientación pop. Milton recupera “Cravo e Canela” que había estrenado en su primer “Clube da Esquina”, más adelante en 1985 haría lo mismo con “Raça” incluido en “Milton” que reinterpretaría en 1985 en “Encontros e Despedidas”. El nuevo disco americano serviría para acercar a Nascimento a un público más amplio, el seguidor del rock y pop, que en los setenta descubriría otras voces masculinas y femeninas que mantenían el esplendor nunca perdido de la MPB. La fotografía de la cabeza de Milton realizada por Cafi ocupa toda la carátula del elepé.

Canciones: “Raça”, “Fairy Tale Song”, “Francisco”, “Nothing Will Be as It Was”, “Cravo e Canela”, “The Call”, “One Coin (Tostao)”, “Saídas e Bandeiras” y “Os Povos”.

Músicos: Milton Nascimento ( guitarra y voz), Raul de Souza (trombón), Wayne Shorter (saxos tenor y soprano), Herbie Hancock (piano), Hugo Fattoruso (piano y órgano), Toninho Horta (guitarra de 12 cuerdas y guitarra eléctrica), Novelli (bajo), Airto Moreira y Roberto Silva (batería y percusiones), Laudir Oliveira (percusión) y Maria Fatima (voz).

Otras portadas: Courage (1968), Clube da Esquina (1972), Milagre dos Peixes (1973), Minas (1975), Gerais (1976),Clube de Esquina 2 (1978), Journey to Dawn (1979), Encontros e Despedidas (1985) y Yuaretê (1987).

“Historias de viageiros” (Guimbarda). Grabado en el verano de 1979, esta historia de viajeros es el quinto disco de larga duración de Fausto, un portugués nacido en 1948 en plena travesía marítima hacia Angola. En ese país africano, antes colonia de Portugal, el cantautor asimiló varios ritmos de la cultura negra, lo cual se aprecia también en las piezas grabadas para esas nueve historias del paisanaje portugués y sus problemáticas,  pero de fondo universal.

Con un impresionante plantel de instrumentistas, Fausto navega en su travesía musical por diferentes aguas, aunque el título del álbum viene a decir que son historias de los épicos viajes marítimos tan abundantemente recogidos en la literatura lusa. Las canciones abordan la melancolía producida por el desamor, el deterioro de la naturaleza, la crítica social, el desencanto político, los hábitos de las clases populares y también en los presuntos lazos de unión entre España y Portugal.

 “Historia de viageiros”, en su día, demostró que la música popular portuguesa iba más allá del fado y las canciones de la revolución de los claveles. A esto contribuyó un concienciado Fausto, otros cantores y notables músicos portugueses que el sello Guimbarda se encargó de promocionar a finales de los setenta y comienzos de los ochenta. La marinera y satírica carpeta del disco es obra José Brandao.

Canciones: “Peregrinações”, “Ja foste linda Rosa!”, “Roupa velha”, “Eu tenho um fraquinho por ti”, “A nau catrineta”, “Por falar do tempo”, “Eu fui ver o campo”, “Judite!” y “Quase peninsular”.

Músicos: Colaboración especial del grupo portugués “Trovante” (cavaquinho, viola braguesa, mandolina, laúd, guitarra, flautas, charamela, acordeón, piano, percusiones y coros). Luis Pastor (voz en “Quase peninsular”). Antonio Chainho (guitarra portuguesa), Zé Eduardo (bajo), Pintinhas (percusiones), Carlos Meses (armónica), José Antonio (armánica bajo), Rui Cardoso (flauta), Carlos Guerreiro (viola braguesa), Paula Marques Antunes y Eugenia Melo e Castro (coros en “Quase peninsular”) Paulinho das Garotas (guitarra) y Fausto (guitarra).

Otras portadas: Fausto (1970), Pró que der e vier (1974), Beco com saída (1975), Madrugada dos trapeiros (1977), Por este rio acima (1982), O despertar dos alquimistas (1985), Para alem das cordilheiras (1987) y “A preto e branco (1988).

“Buena suerte” (Pasión Cía. Discográfica S.A.). El rock and roll entre músicos argentinos y españoles no era la primera que se veía recogido en un disco y en una banda que tuvo continuidad durante años. Después de unos meses de actuaciones en escenarios madrileños, en abril de 1991 se grabó el primer disco grande de Los Rodríguez, formación en la que se reencontraban los guitarristas Julián Infante y Ariel Rot, quienes habían saboreado los mieles de la fama por las ventas millonarias y la admiración de un público adolescente con el grupo Tequila, aunque el paso del tiempo ha servido para reconocer que la labor de este quinteto también hispano-argentino entra en la base del rock hispano de finales de los setenta y comienzos de los ochenta. Los Rodríguez contaban con otro ilustre e inquieto argentino, Andrés Calamaro que constituyó otra de las bazas fuertes del nuevo combo. Mestizaje roquero sin duda era el sello que definía a Los Rodríguez, que sorprendieron con su primer disco cuando el rock cantado en español parecía estar sumido en un letargo producto del agotamiento de muchas bandas de corto recorrido nacidas al calor de la movida de los ochenta. “Engánchate conmigo”, “Mi enfermedad” y “Buena suerte”, entre otras, son algunas de las piezas indispensables de este disco guitarrero que abrió la puerta de la fama a unos roqueros inspirados. La carátula del disco incluye una fotografía de Jesús Umbría. El diseño y la ilustración corresponden al Estudio Pedro Delgado, pero los dibujos son del polifacético Calamaro.

Canciones: “A los ojos”, “Engánchate conmigo”, “Mi enfermedad”, “La parte de atrás”, “100 pájaros volando”, “Canal 69”, “Señorita”, “La mujer del amigo”, “La mirada del adiós”, “Peor es nada”, “Sol y sombra” y “Buena suerte”.

Músicos: Julián Infante (guitarra y voz), Andrés Calamaro (piano, órgano Hammond y voz), Ariel Rot (guitarra y voz), Guillermo Martín (bajo) y Germán Vilella (batería).

Otras portadas: Disco pirata (1992), Sin documentos (1993), Palabras más, palabras menos (1995) y Hasta luego (1996).

“Meet the Searchers” (Pye). El cuarteto de Liverpool “The Searchers” se estrenaba discográficamente unos meses después de sus vecinos “The Beatles”. Aunque la presentación entraba dentro del lanzamiento comercial de los abundantes grupos que se movían por los ambientes del rock de la ciudad inglesa desde finales de los años cincuenta, “The Searchers” tenían personalidad y la demostraban con la limpieza de su sonido y sus conjuntadas voces. El repertorio aunque similar al de otras bandas: soul, pop, rock and roll y country, no ha impedido que con el paso del tiempo “The Searchers” se convirtiera en una de las bases del sonido “beat” que tanto éxito tendría en Estados Unidos y Europa. “The Searchers” desarrollarían su carrera durante décadas, superando en longevidad a sus compatriotas, hasta el punto que algunos grupos de la nueva ola de los ochenta los señalaban como representantes del mejor pop y precursores del folk-rock de la segunda mitad de los sesenta. Algunos de los miembros originales del cuarteto continuaban tres décadas después sobre los escenarios con el mismo nombre que se habían presentado en Liverpool. La portada del disco corresponde a 1963 cuando lo normal era que los componentes del grupo saliesen fotografiados sin grandes alardes artísticos. El disco de larga duración hasta entonces, dentro del pop inglés, estaba destinado a recoger los éxitos que se habían distribuido anteriormente en discos de cuatro canciones (EP) o sencillos con una pieza por cada cara.

Canciones: “Sweets For My Sweets”, “Alright”, “Love Potion No.9”, “Farmer John”, “Stand By Me”, “Money”, “Da Doo Ron Ron”, “Ain't Gonna Kiss Ya”, “Since You Broke My Heart”, “Tricky Dicky”, “Where Have All The Flowers Gone” y “Twist And Shout”.

Músicos: Michel Pender (guitarra y voz), John McNally (guitarra rítmica y voz), Chris Curtis (batería y voz), Tony Jackson (bajo).

Otras portadas: Sugar and Spiece (1963), It’ s The Searchers (1964), Sounds Like The Searchers (1965), Take Me For What I’m Worth (1965) y Silver Searchers (1987).

“The road goes on forever” (Hispavox/Capricorn Records). Disco doble y primer recopilatorio de “The Allman Brothers Band”,ouesto a la venta en 1975 y centrado en los cinco primeros álbumes de la banda de Georgia cuando ya estaba en su segunda etapa, después de las muertes de Duanne Allman y Berry Oakley. Más alejados del blues y dentro del denominado rock sureño, el grupo liderado por Gregg Allman y Dicky Betts iniciaría una andadura que ya no sería la misma de los primeros años. Sin embargo en esta colección de lo mejor de los “Allman” predominan el sólido blues rock que identifica la mejor etapa del conjunto sureño, aunque se recoge también algunos de los éxitos comerciales: “Ramblin Man”, “Blue Sky” y el instrumental “Jessica”. Estos últimos sirven para diferenciar el estilo del grupo a partir del disco “Brothers and sisters”. La portada de Keith Crossley ofrece una sugestiva interpretación de la imaginaria carretera que llevó al éxito al grupo y a la desgracia a algunos de sus miembros.

Canciones: “Black Hearted Woman”, “Dreams”, “Whipping Post”, “Midnight Rider”, Allman, “Statesboro Blues”, “(I’m Your) Hoochie Coochie”, “Stand Back Allman”, “One Way Out James”, “Blue Sky”, “Hot ‘ Lanta”, “Ain’t Wastin’ Time No More”, “Melissa”, “Wasted Words”, “Jessica”, “Ramblin’Man” y “Little Martha Allman”.

Músicos: Gregg Allman (órgano, guitarras acústica y eleéctiva y cantante), Richard Betss (guitarra, slide guitarra, guitarra acústica y voz), Jaimoe (batería, congas, timbales y percusión), Chic Leavell (piano, piano eléctrico, moog sinteizador y voz), Lamas Williams (bajo), Berry Oakley (bajo) y Duanne Allman (guitarra y slide guitarra).

Otras portadas: At Fillmore East (1971), Beginnings (1973), Brothers and Sisters (1973), Win, Lose or Draw (1975), Eat a peach (1972), Whipe the Windows, Check the Oil, Dollar Gas (1976), Reach for the Sky (1980), Brothers of the Road (1981) y Dreams (1989).

“Sleight of Hand” (A&M). Compositora, guitarrista y cantante Joan Armatrading (1950), nacida en las Indas del Oeste, pero afincada en el Reino Unido, grabó su primer disco a los 22 años, muy en el estilo intimista de la época. Desde entonces, su labor musical incluía regularmente un larga duración por año. Durante los años setenta, sin ser una figura de relumbrón, algunas de sus canciones tuvieron una excelente acogida por el público, lo cual le valió la presencia entre las cantantes creíbles y con composiciones de calidad. Ya en la década de los ochenta, Joan supo adaptarse a los tiempos, como demuestra en “Sleight of Hand” (1986), un disco grande en el que sin caer en los excesos de otros músicos, los teclados no abruman, a pesar de ser el principal apoyo de la mayoría de las canciones, mientras que las guitarras eléctricas adquieren un tono más potente, lo cual no está de más, incluso se agradece. En cuanto a la voz de Armatrading, conserva la credibilidad tanto a la hora de cantar baladas “Don Juan” como de entrar en el rock guitarrero “Reach Out” o “Angel Man). Joan en pose roquera aparece fogtografiada por Snowdom en la portada de este disco, que en las mezclas intervino Steve Lilliwhite, un habitual como productor de anteriores grabaciones de la cantante negra, como también lo fue de U2 y otras estrellas del pop británico.

Canciones: “Kind Words (And a Real Good Heart)”, “Killing Time”, “Reach Out”, “Angel Man”, “Laurel and the Rose”, “One More Chance”, “Russian Roulette”, “Jesse”, “Figure of Speech” y “Don Juan”.

Músicos: Joan Armatrading (guitarras eléctrica y acústica, armónica y cantante), Eddie Golga (guitarra), Steve Greetham (bajo), Geoff Dugmore (batería), Mel Gaynor (teclados), Alex White (teclados), Wesley Magoogan (saxofón), Ray Cooper (percussion) y Steve Greetham, Jim Ross y Geof Gugmore (voces de acompañamiento).

Otras portadas: Whatever’s For Us (1972), To the Limit (1976), Joan Armatrading (1976), Me Mysef I (1980), Walk Under Ladders (1981), Hearts and Flowers (1990) y Square the Circle (1992).

“Los Modelos” (Discos MR). Grupo madrileño situado por la intelectualidad de la movida en el denominado “pop baboso”, el quinteto Los Modelos tuvo una trayectoria corta, más o menos un año, de la que quedaron varias actuaciones en directo y algunas maquetas grabadas en 1981, que fueron recuperadas para un mini-elepé de seis canciones puesto a la venta en 1983. Este era el bagaje musical de la banda que no causó revuelo en el Madrid me mata de decorado de película almodovariana, donde abundaban los artistas innovadores y posmodernos con marchamo distintivo y caro caché, características que no se apreciaban en Los Modelos . Al final, el conjunto dejó seis canciones de pop intemporal con guitarras limpias, melodías sincronizadas y una agradable voz femenina. “Tenemos que hablarlo otra vez”, “Las gafas negras” y “Noche de lluvia en Madrid” son ejemplos del buen hacer de este efímero quinteto, cuyo mini elepé volvería a ser reeditado con otra portada distinta a la aquí expuesta. La carátula del primero es obra de Ramón Puiggené.

Canciones: “Tenemos que hablar otra vez”, Está bien”, “El perdedor”, “En primer plano”, “Las gafas negras” y “Noche de lluvia en Madrid”.

Músicos: Ramón Garrido (guitarra y voz), Guillermo P. Diego (guitarras), Sergio, Rodríguez (bajo y voz), Patxi San Vicente (batería) y Casilda Fernández (voz).

“Orgia” (Edigsa). Tras su paso por el Grup Folk y Música Dispersa, Jaime Sisa (1948) barcelonés del Poble Sec decidió grabar su primer disco grande en 1971 en compañía de sus colegas de aventuras, es decir la mayoría de los representantes de la progresía catalana que no dudaban en entrar en la galaxia del creador de “Orgia”. Bajo la influencia de los textos más crípticos de Dylan , el folk rock inglés y la heterodoxia del ambiente alternativo de la Barcelona de comienzos de los setenta, Sisa compone 13 piezas que constituyen un adelanto de su universo musical en lo particular y de la contracultura que comenzaba a golpear en una sociedad anquilosada, en general. El Folk-rock cantado en catalán era una realidad en aquellos tiempos previos al cambio político, donde Sisa puso una de las primeras piedras a la estructura que un lustro después se levantó con una sólida base, llámese rock catalán, rock layetano, cantautor galáctico o underground. A ello contribuyeron también la mayoría de los colaboradores en la grabación de este heterodoxo disco de Sisa. La portada, muy en la onda del ácido, la psicodelia y la vuelta a la naturaleza, es obra de Fernando Martínez.

Canciones: “Carrer”, “Jugant a boles”, “Simfonia atòmica”, “Menjant pollastre”, “En el castell”, “Relliscant”, “Paisatge”, “Cap a la roda”, “Els reis del país deshabitat”, “El casament”, “L’amor a les rodes de la presó”, “La presó de les rodes de l’amor” y “Pasqua florida a l’illa d’enlloc”.

Músicos y otros colaboradores artísticos: Sisa dice que este disco fue posible gracias a Jordi Batiste, Cachas, Selene, Albert Batiste, Enric Herrera, Jaime Birbe, Isabel, Ramis, Jordi Sabatés, Joan Fló, Teresa Villespí, Tapiolas, Fernando Martínez, Pedrito Díaz, Rudy Ventura, Montserrat Soler, Francesc Pi, Carles Cugat, Rafael Moll, Anton Bohigas, Lluis Casals, Jaume Cortadella, Sefer, Javier Errando, Ricard Casals, Tomas Atonic, Joan Sirvent, Luis Montero y Xavier Riba.

Otras portadas: Quasevolt nit por surtir el sol (1975), Sisa al Celeste (1975), La galeta galáctica (1976), Catedral (1977), La Magia de L’ Estudiant (1979), Nit de Soan Joan (1981), Barcelona postal (1982), Roda la música (1983), Transcantautor (1984) y Antaviana (1985).

“Comedia” (Discophon-Fania). Puertorriqueño de nacimiento, Héctor Lavoe (1946-1993), pero desde los 19 años afincado en New York, desarrolló una meteórica carrera discográfica en la que aparece una lista de 250 canciones grabadas con diferentes orquestas y como solista. “El cantante de los cantantes”, como era llamado, tenía un estilo propio que le hizo ocupar en seguida un lugar destacado en la música caribeña que emocionaba a los habitantes latinoamericanos de la gran ciudad norteamericana. En esta urbe grababa en 1978 uno de sus 11 discos, el titulado “Comedia”, una auténtica exposición de su singular timbre de voz, su sentimiento y un repertorio de piezas agridulces en la temática, como por ejemplo la que lleva el nombre del disco, toda una declaración de principios de Héctor: “Es inútil que pienses/en la felicidad/tiene mucho de ausencia/su existencia fugaz”. También se puede recordar esa otra canción que dice: “Yo, soy el cantante/muy popular donde quiera/pero cuando el show se acaba/soy otro humano cualquiera”. Pero no todo eran penas en el repertorio de Lavoe, quien durante existencia fue una las estrellas del firmamento Fania que compartió cartel con los mejores de la salsa entre los que por su intensa e inimitable voz. Una fotografía de Yoghi Ohara retrata en la portada del disco a Héctor como un “charlot” condenado a los golpes de la vida, que en el caso del cantante fue corta.

Canciones: “El cantante”, “Comedia”, “La verdad”, “Tiempos pasados”, “Bandolera”, “Porque te conocí” y Songoro Consongo”.

Músicos: Jerry Masucci, Willie Colón, Fabian Ross, Al Santiago, LuisTata Guerra y Domingo Garner.

Otras portadas: La voz (1975), De ti depende (1992), El sabio (1992), Reventó (1992), Strikes back (1992) y Hector’s gold (1992).

“The Twain Shall Meet” (MGM). En plena explosión del verano del amor, versus Monterey International Pop Festival Monterrey en 1967, el británico natural de Newclaste, Eric Burdon, empadronado en California en plena psicodelia, había dado un importante cambio de ritmo a su carrera musical después del éxito con The Animals en su etapa de grupo representativo del “rhythm blues” inglés que había influenciado en muchas bandas de Estados Unidos. Burdon haría el camino de vuelta y se instalaba en el área de San Francisco, donde puso en marcha The News Animals, un quinteto que debutaba con el disco “Winds of Change” para a continuación, unos meses después, participar en el festival antes mencionado, donde entre otras canciones interpretaría muy animalizada “Hey Gyp”, del escocés Donovan. Burdon, entregado a la causa “hippy”, grabaría su segundo disco oficial de la etapa americana con el título “The Twain Shall Meet”, donde comenzaba con “Monterrey”, homenaje al ambiente creado en torno al evento musical de finales de junio de 1967. Seguirían siete composiciones más donde se nota que la psicodelia, el ácido lisérgico y el pacifismo habían influido en The New Animals de tal manera que los tiempos de la “british invasión” quedaban lejanos en beneficio de un sonido en el que se mezclaban todo tipo de instrumentos, algunos exóticos como el tan socorrido sitar. Fred Otnes sería el artista americano encargado de hacer el colaje que aparece en la portada de “The Twain Shall Meet”.

Canciones: “Monterey”, “Just the Thought Briggs”, “Closer to the Truth Briggs”, “No Self Pity”, “Oranges and Red Beams”, “Sky Pilot”, “We Love You Lil Briggs” y “All Is One Briggs”.

Músicos: Eric Burdon (cantante), Vic Briggs (guitarra), Danny McCulloch (bajo y voz), Barry Jenkins (batería) y John Weider (guitarra y violín).

Otras portadas: The Animals with Sonny Boy Williamson (1963), The Animals (1964), Animals Tracks (1965), Winds of Change (1967), Every one Of Us (1968) y Before We So Rudely Interrupted (1977) y Ark (1983).

“Johnny Winter And Live” (Columbia). Primer disco grabado en directo por el guitarrista tejano Johny Winter, principalmente en el Fillmore East de New York, donde sobre el escenario interpretó un repertorio compuesto por canciones de clásicos del rock and roll, un par de blues y una canción emblemática de The Rolling Stones: “Jumpin’ Jack Flash”. La mayoría se salen de los cánones de los estilos de origen, en parte por el acelerado toque de guitarra y la singular voz del líder del combo. En 1970, Johnny era uno de los destacados guitarristas de blues blanco que ya se había consolidado en el ámbito del rock, pero su fama aumentaría con este disco en vivo en el que el rock and roll adquiere una velocidad endiablada y se aproxima al hard-rock todavía en fase de maduración, más adelante heavy. Sin embargo, también se incluyen un par de sentidos blues, uno compuesto por el propio Winter, quien cual aventajado alumno de los clásicos bluesmen se compenetra sin problema con su colega de otras aventuras, el también guitarrista Rick Derringer, y los músicos de la sección de ritmo. Para la carátula del disco se utilizaron las fotografías realizadas por Norman Seeff al guitarrista albino y su banda durante una actuación en el Howard Stein’s Capitol Theatre.

Canciones: “Good Morning Litlle Schoolgirl”, “It’ s My Own Fault”, “Jumpin’ Jack Flash”, “Rock and Roll Medley” (“Great Balls of Fire”, “Long Tall Sally” y “Whole Lotta Shakin’goin’ on”), “Mean Town Blues” y “Johnny B. Goode”.

Músicos: Johnny Winter (guitarra y cantante), Rick Derringer (guitarra y voz), Randy Jo Hobbs (bajo y voz) y Bobby Caldwell (batería).

Otras portadas: Second Winter (1969), Johnny Winter And (1970), Still Alive and Well (1973), Saints and Sinners (1974), Nothin’ But the Blues (1977), Guitar Slinger (1984) y Walking my Myself (1994).

“Deuce” (Polydor). Segundo disco, grabado en Londres, por el guitarrista irlandés Rory Gallagher (1948-1995), quien en la primera mitad de los setenta mantenía la formación básica de rock que hasta entonces siempre utilizó en sus proyectos musicales. Rory ya había conocido el éxito con otro trío: Taste, con el que incluso llegó a actuar en el mitificado Festival de la isla de Wight del año 1970. Tras el estreno con el álbum que lleva su nombre, el músico irlandés compuso varias canciones, de las cuales 10 quedaron registradas para su segunda entrega en formato vinilo titulada “Deuce”. Esta grabación realizada en estudio, aunque su mejor medio era el directo, demuestra que el trío apunta hacia un estilo más duro, aunque no falta alguna incursión acústica (tres en total y cercanas al blues rural y el folk), otra de las facetas de Gallagher, cada vez más virtuoso a la hora de tocar la guitarra y también alejado de las modas impuestas en el mundo del rock. Esta intachable actitud le ha servido después de haber muerto prematuramente para seguir causando admiración a nuevas generaciones de melómanos gracias a su entrega en las canciones de sus diferentes etapas que han quedado registradas para la posteridad. La fotografía de la portada del segundo disco de Rory Gallagher, que aparece con su inseparable Fender, está firmada por el ya mencionado en el comentario de “Transformer”, Mick Rock, un artista conocido por sus retratos de personajes de la música popular.

Canciones: “Used To Be”, I’m Not Awake Yet”, “Don’ t Know Where I’m Gone”, “Maybe I Will”, “Whole Lot of People”, “In Your Town”, “Should’ ve Learn My Lesson”, ·There’s a Light”, “Out Of My Mind” y “Crest Of a Wave”.

Músicos: Rory Gallagher (voz, guitarras y armónica), Gerry McAvoy (bajo) y Wilgar Campbell (batería y percusión).

Otras portadas: Rory Gallagher (1971), Blueprint (1973), Tatto (1973), Against The Grain (1975), Calling Card (1976), Photo Finish (1978), Stage Struck (1980), Jinx (1982) y Fresh Evidence (1990).

“Five Long Years” (L+R Records). El pianista de la zona de Misisipi Eddie Boyd (1914-1995) era bastante conocido entre los aficionados al blues en 1965 por su personal estilo que estaba influenciado por otros grandes bluesmen del teclado: Roossevelt Sykes y Memphis Slim. Agraciado con la fama en los años 40 cuando actuaba en los clubs de Chicago, este cantante, compositor y pianista había conseguido algunos sonados éxitos entre los que destaca el clásico “Five Long Years”. Sin embargo, a mediados de los sesenta no dudó en apuntarse a las periódicas giras del American Folk Blues Festival que solían recorrer el Viejo Continente. Una vez en Europa, en concreto en Londres, grabaría un disco con algunos de los mejores instrumentistas de la escuela de Chicago, entre ellos el guitarrista Buddy Guy. El resultado fue que Boyd se atrevió a recoger en una grabación algunos de sus principales “hits” y utilizar por primera vez un órgano. El disco ha quedado como muestra de que el blues y boogie no tienen una geografía concreta cuando se tocan con calidad y pasión, que fueron las armas de Eddie y sus acompañantes en la sesión que realizaron en octubre de 1965 en el Wessex Sound Studios de Londres bajo la producción de Horst Lippmann. A partir de entonces, Boyd como otros colegas suyos afroamericanos, ante la buena acogida de su música, decidió quedarse a vivir en Europa y, en consecuencia, tocar en ciudades donde los amantes del blues demandaban su presencia. La carátula de este “Five Long Years” europeo incluye una fotografía muy americana y en color de Mara Eggert.

Canciones: “Five Long Years”, “Hello Stranger”, “Where You Belong”, “I’m Comin’ Home”, “My Idea”, “The Big Question”, “Come On Home”, “Blue Monday Blues”, “Eddie’s Blues”, “All the Way”, “Twenty-Four Hours Of Fear” y “Rock The Rock”

Eddie Boyd (cantante, piano y órgano), Buddy Guy (guitarra), Jimmy Lee Robinson (bajo), Freddie Below (batería).

Otras portadas: Eddie Boyd and His Blues Band (1967), 7936 South Rhodes (1968), Vocation from the Blues (1976) y Lovers Playground (1985).

“El maldito viento” (WEA). La Unión era en 1985 uno de los grupos posteriores a la movida musical de comienzos de los ochenta que había saboreado las mieles de éxito masivo y el reconocimiento mediático, un año antes, gracias a una canción de referencias literarias, en concreto a Boris Vian. Pero después de “Lobo hombre en París”, canción incluida en “Mil siluetas”, de la que también había video clip, el grupo madrileño entraba en el estudio de grabación, bajo la producción de Nacho Cano, para poner en circulación nueve canciones que pasaron desapercibidas. Lo que había ganado el conjunto en experiencia lo había perdido en comercialidad, lo cual en el negocio de la música no se perdona y, por tanto, “El maldito viento” entraría en la lista de los discos prescindibles. Sin embargo, esto último es muy relativo, porque, sin ser una obra maestra, que apenas las hay en el rock, pop, jazz, folk y demás músicas populares, incluso en la intocable clásica, algunas canciones se salvan de la quema que tan acostumbrados están a alimentar los inquisidores musicales desde sus púlpitos de serios medios de comunicación. “Altos y frondosos”, “La cantante” y “El maldito viento”, por ejemplo, mantienen esa atractiva compostura que los miembros de La Unión saben imponer siempre en cada uno de los discos que periódicamente graban, aunque sea en pequeñas dosis. La sugerente portada de Javier de JUan ahonda en la línea del cómic de autores de trazo limpio que tanto abundaron en los ochenta.

Canciones: “Altos y frondosos”, “Entre flores raras”, “La máquina del tiempo”, “El tiempo en un espejo”, “A solas”, “Los placeres de los amantes”, “La cantante”, “Un día feliz” y “El maldito viento”.

Músicos: Rafa Sánchez (cantante), Mario Martínez (guitarra), Iñigo Zabala (teclados) y Luis Bolín (bajo).

Otras portadas: 4X4 (1987), Vivir al este del Edén (1988), Tentación (1990), Tren de largo recorrido (1992) y Psycofunkster aut lait (1993).

Living With The Law (CBS/SONY). Estreno discográfico del tejano Chris Withley (1960-2005) con una docena de composiciones propias y dentro de estilos como el blues, el rock, el folk y el country, aunque el guitarrista produce al interpretarlas una atmósfera distinta a lo que se puede esperar de piezas basadas en sonidos tradicionales. El músico tejano entraba de lleno en lo que con posteridad se denominaría “americana”, un cajón de sastre en el que se mezclan todos esos estilos antes mencionados pero desde una perspectiva nueva. No es extraño que el vinilo “Living With The Law” se convirtiese en 1991 en toda una sorpresa cuya mejor promoción fue el boca a boca, a pesar de estar grabado en una de las poderosas compañías discográficas de comienzos de los noventa. Withley, además de compositor, demostraba en su disco de estreno que dominaba los instrumentos de cuerda y los adaptaba a su particular forma de entender la música y escribir canciones. La portada del larga duración es de Timothy White que retrata a Chris en una pose de neotrovador country-folk-rock que se colaba por la puerta grande en un singular universo donde abundan las estrellas, algunas de ellas ya desparecidas, como el propio guitarrista de Houston, muerto prematuramente en 2005 cuando tenía mucho que ofrecer.

Canciones: “Excerpt”, “Living With The Law”, “Big Sky Country”, “Kick The Stones”, “Make The Dirt Stick”, “Poison Girl”, “Dust Radio”, “Phone Call From Leawenworth”, “I Forget You Everyday”, “Long Way Around”, “Look What Love Has Done” y “Bordertown”.

Músicos: Chris Whitley (voz, guitarras acústica y eléctrica y bajo), Ronald Jones (batería), Daryl Jonson (bajo), Hill Dillon (guitarra y pedal steel), Malcolm Burn (teclados y pandereta), Meter Conway (armónica), Alan Gavaert (bajo), Daniel Lanois (guitarra), Deni Bonet (viola) y Daniel Withley (guitarra).

Otras portadas: Dinc Of Ectasy (1995), Terra Incognita (1997) y Dirt Floor (1998).

A Love Supreme (Impulse). Este disco grabado por John Coltrane en 1964 forma parte de su etapa de búsqueda de nuevas direcciones para el jazz que había elegido como forma de expresión universal. En esta ocasión, bajo el influjo de un sentido misticismo y en plena madurez, uno de los saxofonistas más geniales de todos los tiempos dejó para la posteridad esta bella suite en la que participan tres de los mejores acompañantes que tuvo Coltrane en su corta vida. Subidas y bajadas, protagonismo de todos los instrumentistas, y un saxo tendente a la improvisación y al blues, constituyen algunas de las características de la música grabada en este disco. Sobre él abunda mucha literatura, también hay libros especializados que explican todos los pormenores de esta obra suprema, pero lo mejor es adentrase en ella y escuchar los 33 minutos de sus tres partes, porque se ha convertido en la obra de referencia del hombre inquieto en constante lucha y búsqueda de la innovación que fue Coltrane. La sobria carátula en blanco y negro es una fotografía firmada por Joe Alper y Lee Tanner que capta el semblante del músico ensimismado con sus pensamientos.

Canciones: “Part I> Acknowledgement", "Part II> Resolution", "Part III> Pursuance y "Part IV Psalm".

Músicos: Coltrane (saxo tenor), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bajo) y Elvin Jones (batería).

Otras portadas: Lush Life (1957), Coltrane (1957), Blue Train (1957), Giant Steps (1959), Impressions (1961), John Coltrane and Jonny Hartman (1963), Live At The Village Again!” (1966) y The Gentle Side Of John Coltrane (1974).

“Searching For The Young Soul Rebels” (EMI). Desde la ciudad de Birmingham saltaron a la fama unos jóvenes aficionados al soul cuando en el Reino Unido comenzaban a decaer estilos como el punk y el ska. Otra vez la música negra arraigó en nuevos músicos británicos que consideraron un excelente vivero para sus aspiraciones artísticas las viejas grabaciones de sellos como Atlantic, Stax o Ace. De esta hornada fueron los componentes del grupo Dexys Midnight Runners que tras curtirse en los escenarios de su lugar de origen, y sacar algunos sencillos, se estrenaron en 1980 con el LP “Searching For The Youngs Rebels” donde no disimulaban las influencias de gentes como Geno Washington, un cantante americano afincado en el Reino Unido que triunfó en los años sesenta, y a quien dedicaban una canción. Cuando parecía que el soul languidecía tras la postura acomodaticia adoptada por la mayoría de las figuras vivas, los Dexys aportaban credibilidad con su sección de viento y cantante peleón. Con sus atuendos de marineros a punto embarcarse, incluidos gorros, chaquetones y bolsas de viaje, el grupo inglés pronto cambiaría de dirección, porque en la siguiente grabación, aunque el soul siguiese presente, pero difuminado, el compromiso sería con un estilo más folkie, con violín incluido. La portada diseñada para su primer disco por Peter Barrett incluye la fotografía de una escena costumbrista de los años setenta.

Canciones: “Burn It Down”, “Tell Me When My Light Turns Green”, “The Teams That Meet In Caffs” , “I’m Just Looking”, “Geno” , “Seven Days Too Long”, “I Couldn’t Help If I Tried”, “Thankfully Not Living In Yorkshire It Doesn't Apply”, “Keep It”, “Love Part One” y “There, There, My Dear”.

Músicos: Kevin Rowland (cantante), Pete Saunders (órgano y piano), Kevin Archer (guitarra y voz), Pete Williams (bajo), Big Kim Paterson (trombón), Jeff Blythe (saxofón), Steve Spooner (saxo alto), Stoker (batería) y Andy Leek (órgano).

Otras portadas: Too-Rye-Ay (1982) y Don’t Stand Me Down (1985).

O Berro Seco (Ruada). Segundo disco del grupo gallego Milladoiro, formación considerada internacionalmente como una las mejores de su estilo. Ha pasado sin problemas la barrera del cuarto de siglo de actividad, tanto sobre los escenarios más diversos de todo el mundo como en los estudios de grabación de los que salieron algunos de los discos básicos de la música gallega de base popular del siglo XX. “O Berro Seco”, grabado entre los meses de abril y mayo de 1981 en Madrid, fue en su día un larga duración esperado, porque Milladoiro que en su anterior “A Galicia de Maeloc” ya había causado admiración de crítica y público fuera de las fronteras de su lugar de origen. En esta segunda entrega, se sirve del homenaje al folclorista Saturnino Cuiñas para desarrollar un repertorio tradicional en el que también se incluyen incursiones en otras músicas (escocesa e irlandesa). El título del disco es explicado por Milladoiro de la siguiente manera: “En la capilla de San Fiz en la parroquia de Casullas, a la salida de misa los hombres agachados se cogían las manos al tiempo que sus figuras se levantaban, las voces se juntaban en un grito que poco a poco iba creciendo hasta terminar en un solo chillido roto de golpe por la orden de Saturnino. Este grito que simboliza la unión de muchos hombres en un mismo esfuerzo recibió como bautizo el nombre de O Berro Seco”. La portada del disco tuvo como dibujante y diseñador a Xosé María Piñeiro, quien se sirvió de la imagen de un viejo zanfonista ambulante y de simbología céltica.

Canciones: “O Berro Seco”, “A cruz da vella”, “Fisterra”, “Muiñeira vella de Mordomo”, “Na cova da barxa”, “Unha noite no santo cristo”, “Polca dos campaneiros”, “Caraveliño colorado”, “A furoca” y “Brincadeiro”.

Músicos: Michel Canada, Rodrigo Romaní, Antón Seoane, Xosé V. Ferreiros, Nando Casal, Moncho García y Manuel Arias. Instrumentos que tocan: gaitas de Galicia, Irlanda y Nothumberland, mandolina, castañuelas, timbales, tin whistley, cromorno, tambor, bodhram, flautas traversa y de pico, violín, arpa, guitarra acústica, zanfona, acordeón, piano y darbuka.

Otras portadas: A Galicia de Maeloc (1979), Milladoiro 3 (1982), Solfafría (1984), Galicia no Pais das Maravillas (1986), Castellum Honesti (1989) y A xeometría da alma.

Bless Its Pointed Little Head (RCA). Jefferson Airplane ponía en circulación su quinto disco grande en el año 1969, grabado en directo en los escenarios de los Fillmore East y West, es decir los simbólicos auditorios de ambas costas estadounidenses (en las ciudades de San Francisco y Nueva York). Este sería el primero de sus álbumes oficiales en vivo, aunque el entonces sexteto era bastante receptivo a tocar tanto en espacios abiertos como cerrados, por lo cual ya estaba curtido en este tipo de actuaciones. En Bless Its Pointed Little Head, la banda de San Francisco se encuentra en uno de sus mejores momentos. Tras la correspondiente etapa psicodélica, el grupo recurre a un repertorio variado pero con un enfoque más roquero en el que destacan el dúo Kaukonen-Casady, guitarra y bajo, respectivamente, aunque el resto del combo también aporta su grano de arena a estas grabaciones de finales de los sesenta que demuestran el potencial de la Jefferson cuando de tocar en grandes auditorios se trataba. Abundan las composiciones de los miembros del grupo, entre otras, las emblemáticas, Somebody to love y Plastic Fantastic Lover, pero además hay una pieza de blues tradicional y composiciones de Donovan y Fred Neil, cantautores respectivamente británico y estadounidense que tuvieron una excelente acogida entre las bandas más ácidas de la California sesentera. Las canciones se alargan en relación con los originales en parte por la consolidación de los componentes de Jefferson Airplane como sólidos instrumentistas, aunque también de acuerdo con la tendencia de entonces entre algunos grupos de prolongar sus conciertos ante unos seguidores inquebrantables, caso de la banda Grateful Dead, también del área de San Francisco. La portada en blanco y negro de este disco en directo muestra una impactante fotografía de Jim Smircich que presenta a Casady supuestamente ebrio, sentado a la mesa y agarrado a una botella de vino. En la contraportada, aparece retratado todo el grupo en un momento de pasada por el consumo de otras sustancias que no eran precisamente bebidas alcohólicas de las bodegas de Sonoma o Napa.

Canciones: Clergy, 3/5 of a Mile in 10 Seconds, Somebody to Love, Fat Angel, Rock Me Baby, The Other Side of This Life, It's No Secret, Plastic Fantastic Lover, Turn Out the Lights y Bear Melt.

Músicos: Grace Slick (voz y teclados), Marty Balin (voz y guitarra), Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Paul Kantner (guitarra y voz), Jack Casady (bajo) y Spencer Dryden (batería).

Otras portadas: Surrealistic Pillow (1967), Afther Bathing at Baxters (1967), Croen of Creation (1968), Volunteers (1969), Thirty Seconds Over Winterland (1973), Early Flight (1974) y Flight Log (1977).

“Face to Face” (Pye). The Kinks es una de las bandas de primera fila del pop inglés que mejor ha aguantado el paso del tiempo, hasta el punto de que sus líderes, los hermanos Davies, continúan creando canciones en el siglo XXI. En 1966, después de una carrera discográfica plena de éxitos y sólidas canciones, entre las que figuran algunas clásicas del rock, el entonces cuarteto decidió dar un cambio de rumbo que se notó hasta en la psicodélica carátula de “Face to Face”. Este disco es el punto de partida de una nueva forma de componer de Ray Davies, quien se adelanta a las obras conceptuales que tanto abundan en las grabaciones de The Kinks. Como pasaría en sucesivas grabaciones, las piezas están cargadas de ironía y ácidos comentarios sobre la sociedad británica de entonces vista por el atento espectador que era y es Ray Davies, a quien no se le escapa el más pequeño detalle del que puede hacer una historia que luego canta a los cuatro vientos. Esta labor musical se puede comprobar en la prolífica y variada discografía de The Kinks, así como en sus interesantes actuaciones en directo fruto de sus giras por todo el mundo.

Canciones: “Party Line”, “Rosie Won't You Please Come”, “Dandy”, “Too Much on My Mind”, “Session Man”, “Rainy Day in June”, “A House in the Country”, “Holiday in Waikiki”, “Most Exclusive Residence for Sale”, “Fancy”, “Little Miss Queen of Darkness”, “You’ re Lookin’ Fine”, “Sunny Afternoon” y “I’ll Remember”.

Músicos: Dave Davies (guitarra, armónica, teclados y voz), Ray Davies (guitarra y voz), Mick Avory (batería), Meter Quafie (bajo) y Nicky Hopkins (piano). Arreglos: Dave y Ray Davies.

Otras portadas: Kinda Kinks (1965), The Kink Kontroversy (1965), Arthur (Or the Decline and fall of the British Empire) (1969), Muswell Hillbillies (1971), Schoolboys in Disgrace (1975), Misfists (1978), One for the Road (1980) y Word of Mouth (1984).