Lizard (Island) 1970King Crimson
Portada: Gini Barris





Una historia: “La portada efectivamente era muy bonita, la música no tanto. Pero no era un disco oscuro como los dos anteriores sino más bien denso, de inquietante atmósfera general aunque con melodías bellísimas como las del Bolero o el Principe Rupert. Lo que ocurre es que en ningún momento se machacan las partes débiles del compasillo con la batería, ni se hacen canciones pop al uso, ni tan siquiera el cantante ve arropada su melodía con otros instrumentos; tiene que llevar su parte sin más apoyo que el suyo propio. La estética del disco es expresionista, tiene una riqueza de matices notable y en muchos momentos los arreglos son más propios del free jazz que de un grupo de pop.
Por supuesto que esta vez no se repite la secuencia de temas ni tensiones de los dos discos previos. En la cara A nos encontramos con cuatro canciones y en la B una larga suite titulada Lizard –Lagarto-". José Miguel López. Robert Fripp & King Crimson. Música de alto riesgo. Guía de Música Ediciones. Colección La Encrucijada. 1994.

Otra: “Pete Sinfield fue el autor de casi todas las letras de los éxitos de Crimson de la primera época, además de ser uno de los primeros letristas de Inglaterra. Las características de su obra son muy marcadas. De cierta manera, representa el extremo opuesto de los mensajes de la Flower Generation. Son letras corrosivas y desesperadas que expresan una crítica implacable a la sociedad capitalista de guerras y de materialismo a ultranza”. Marcelo Covián.

Canciones: Cirkus -Entry of the Chameleons-. Indoor Games. Happy Family. Lady of the Dancing Water. Lizard. Prince Rupert Awakes. Bolero: The Peacock’s Tale. The Battle of Glass Tears. Dawn Song. Last Skirmish. Prince Rupert’s Lament. Big Top.

Músicos: Robert Fripp (guitarra, melotrón y teclados eléctricos), Gordon Haskell (bajo y voz), Mel Collins (flauta y saxofón), Andy McCulloch (batería) y Peter Sinfield – (letras, VCS3 y películas). Keith Tippett (piano y piano eléctrico), Robin Miller (oboe y cuerno inglés), Mark Charig (corneta), Nick Evans (trombón) y Jon Anderson – (voz en Prince Rupert Awakes).

Además: “King Crimson actuó de grupo telonero de The Rolling Stones el 7 de junio de 1969 en Hyde Park y ante 600.000 espectadores que pudieron comprobar como la banda británica se salía de los esquemas trillados del pop de aquel tiempo, para adentrarse en la línea del rock progresivo y la música experimental”. Sam Rock.

One-Trick Pony (WB) 1980
Paul Simon
Portada: fotograma de la película One-Trick Pony

Una historia: “Acompañado de unos músicos excelentes (su banda habitual), Paul recuperó el jazz intimista de Still Crazy alter All These Years para algunos de los temas, aunque el sabor que deja es el de una suave combinación de cánones rock y principios de rhythm and blues, un sonido muy apropiado para el tipo de locales por el que se mueve el protagonista de la historia. El mejor tema del disco es sin duda Late In The Evening, un reflejo de lo más excitante de salir a la carretera y ponerse a cantar ante el público. Tiene un ritmo contagioso sólo igualado por Ace In The Hole, a dúo con el teclista Richard Tee. El tono y ritmo bajan para el resto de los cortes, que van desde el regular That’s Why God Made The Movies a los vibrantes retratos de los sufrimientos del cantante de carretera que son Oh Marion, Jonah o God Bless The Absentee.
Ensombrecido por el fracaso de la película, este álbum es una pequeño joya que conviene revisar de vez en cuando. Sencillo y sin demasiadas pretensiones en fondo y forma, más bien buscando reflejar la honestidad y la pasión que desprende el personaje protagonista creado por Simon, se trata de un destacado ejercicio de rhythm and blues que debe buena parte de su éxito a la excelente compenetración de músicos”. Javier Márquez. Paul Simon. El maestro artesano. Guías efe eme.


Otra: “Bajo la luz azul/Del Motel Belvedere/Preguntándome con la televisión encendida/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela///Con fiebre/oigo claramente tu voz/Saliendo de un sueño, el sueño vuelve/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela///Después de la lluvia en la autopista/Los faros resbalan más allá de la luna/Un viajero hecho polvo/Espera al borde de la carretera/¿Adónde va?///Sueño que estamos estirados en lo alto de una colina/Y los faros resbalan más allá de la luna/Nos abrazamos/Y tu voz es el calor de la noche/Estoy ardiendo///En una cabina telefónica/En un restaurante del pueblo/Esperando lo que voy a decir, me devuelve la moneda/Cómo el corazón se acerca a lo que anhela/Como el corazón se acerca a lo que anhela”. Paul Simon. Cómo el corazón se acerca a lo que anhela. How The Heart Approaches What It Years.

Canciones: Late in the Evening. That’s Why God Made the Movies. One-Trick Pony. How the Heart Approaches What It Yearns. Oh, Marion. Ace In the Hole. Nobody. Jonah. God Bless the Absentee. Long, Long Day.

Músicos: Paul Simon (guitarras, percussion, arreglos de cuerda y voz), Joe Beck (guitarra), Hiram Bullock (guitarra), Eric Gale (guitarra), Tony Levin (bajo y voz), Steve Gadd (batería), Richard Tee (piano, teclados, pandereta y voz), Hugh McCracken (guitarra acústica, guitarra eléctrica y slide guitar), Jeff Mironov (guitarra), Michael Brecker (metal), Jon Faddis (flugelhorn y metal), Patti Austin (voz), Bob Friedman (arreglos de cuerda), Don Grolnick (sintetizador), Lani Groves (voz), Dave Grusin (arreglos de cuerda), Anthony Jackson (bajo) y John Tropea (guitarra).

Además: “Simon es el prototipo de Pequeño Gran Hombre urbanita. Se le puede imaginar paseando entre moles de hormigón neoyorquino, silbando alegremente una de sus tonadas inmortales mientras todas las aristas se ablandan tras su paso. Incluso cuando permanecía en una relativa sombra, propiciada por ese chopo de socio que tenía llamado Art –Garfunkel para los amantes de lo homologado-, se le intuía la mirada despierta de quien está seguro de sobrevivir gracias a su talento si un día las cosas se ponen feas”. David S. Mordoh.

Más portadas: Paul Simon (1971), There Goes Rhymin’s Simon (1973), Still Crazy Alter All These Years (1975), Hearts And Bones (1983) y Graceland (1986).

Chet Baker In Paris Vol. 3 (1955-1956) (Movieplay) 1981
Chet Baker Quintet
Portada: fotografía de Jean Pierre Leloir


Una historia: “En noviembre y diciembre de 1955, Chet toca en el Club Saint Germain con el saxo tenor y flautista belga Bobby Jaspar. Los sábados por la noche y los domingos de 16.30 a 19.30 toca en el Barclay’s Club. Así es como con el saxofonista y en formación del quinteto Baker graba el 26 de noviembre de 1955 otros dos temas memorables.

Los 31 títulos franceses representan un capítulo importante en el que Chet se para, mirá hacia atrás, hace inventario de su experiencia adquirida y empieza a formularse sin precipitación, sin angustia, las preguntas que le permitirán ir más lejos. El porvenir será oscura: una sucesión de caídas brutales y lentas y dolorosas subidas. Por lo menos Chet a quien la vida ha dado tantos golpes, ha conseguido siempre volver a levantarse. En 1968 todo el mundo decía que Chet Baker se había perdido definitivamente para el jazz. En 1974, los comentaristas anunciaban con mucho ruido que su momento podía volver de nuevo. La diosa Nostalgia a lo mejor tiene algo que ven en esto. Pero por otra parte, Chet rara vez ha tocado también como en sus últimos y más recientes microsurcos. Tan luminosamente. Sí, en su música existe una luz difusa que despeja la angustia como la niebla de la mañana. Esa misma luz, exactamente, que ilumina aquí Chet o Once In A While o How About You o Not Too Slow… Quizá porque en Francia, durante unos pocos meses, Chesney H. Baker fue, cómo decirlo…feliz. Bueno, casi. Tanto como se puede ser cuando se lleva dentro de sí la maldición, perdón, quería decir la castración… Alain Gerber. Jazz-Magazine.

Otra: “Pasó por todas las vicissitudes personales después de convertirse en un triunfador de la escena californiana; trompetista de escasa técnica y volumen (aunque aprovechó sus límites en improvisaciones de gran originalidad), fue un maestro romántico del registro medio al que no hacen justicia las eventuales comparaciones con Miles Davis. Durante los setenta y ochenta resurgió triunfal con una versión quintaesenciada de su estilo. Como cantante, su voz es la perfecta proyección de sus características instrumentales”. Jorge García.


Piezas: Alone Together. Exitus. Once In While. Chekeetah. How About You. Anticipated Blues. Tasty Pudding. Mythe. Not Too Slow. In A Little Provincial Town. R Vline.


Músicos: Chet Baker (trompeta), Raymond Fol (piano), Benoit Quersin (contrabajo), Jean Viale (batería), Bobby Jaspar (saxo tenor), René Urtreger (piano), Jean Louis Chautemps (saxo tenor), Francy Boland (piano), Eddie De Hass (contrabajo), Charles Saudrais (batería), Benny Vasseur (trombón), Teddy Ameline (saxo alto), Armand Migiani (saxo tenor), William Boucaya (saxo baritone), Francy Boland (piano) y Pierre Lemarchand (batería).

Además: “Con demasiada frecuencia, los famosos se ven reducidos al tamaño de simples caricaturas unidimensionales. La percepción de la imagen pública termina por definir las propias limitaciones del personaje, la circunferencia del alma. Es algo excesivamente fácil y simplista. En una persona siempre hay mucho más de lo que el público consigue ver, y esto nunca ha sido más cierto que en el caso de Chet Baker. Por haber sido la esposa de Chet, lo sé con más intensidad que la mayoría.
A Chet no se le puede describir tan solo como músico, drogadicto, marido o leyenda. Era todo eso y mucho más”. Carol Baker. 1997.

Más portadas: Chet Baker Quartet (1953), Chet Baker Sings (1954), Alone Together (1955), Stan Meets Chet (1958), In New cork (1958), Chet Baker In Milan (1959), Picture Of The Hearth (1961), Somewhere Over The Rainbow (1962), Baby Breeze (1965), One Upon A Summertime (1977), Live A Nick’s (1978), The Touch Of Your Lips (1979), Live A Montmarte (1979), Mr. B (1983) y Chet’s Choice (1985).

Los grandes del jazz nº 87 (Sarpe) 1982

Dakota Staton, Groove Holmes, Bernard Purdle, Cornell Dupree
Portada: diseño de Alberto Corazón



Una historia: “Los temas que aquí presentamos son una ulterior confirmación de la atención de la cantante de Pittsburg po las más importantes formas musicales de la cultura afroamericana. En el álbum vemos convivir, por ejemplo, el swing más pastoso y sangriento con el blues de Chicago, y la soul music con las ballads, fundiéndose todo en una paleta calorística de múltiples matices. Su mínimo común denominador está, naturalmente, en la voz de Dakota Staton, que se revela capas de afrontar con soltura y sensibilidad todos los géneros citados. Merece especialmente nuestra atención la peculiar intensidad de las interpretaciones de las ballads incluidas en este disco, donde Dakota alcanza una gran cima expresiva, dando a su voz una variedad de tonos digna de una cantante de gran clase. En temas como S House Not It A Home o el conocido clásico Deep In A Dream, la Staton parece buscar una síntesis entre la tradición de la ballad y la de la soul music”. Guía para el oyente de la colección Los grande del jazz..

Otra: “En cuanto a los temas de ritmo más movido, la cantante demuestra su habilidad para el fraseo insinuante y humorístico, que le permite variar del blues estilo Chicago de a Losting Battle al más jazzístico Blues For Tasty, en cuyo final inserta la parte más conocida del Every Day I Have The Blues, inolvidable caballo de batalla de Joe Williams. Más que airosa sale también de la prueba sobre el clásico cuatro cuartos swing, como en el caso de Candy, interpretada aquí con ritmo movido”. Guía para el oyente.

Canciones: Let It Be Me. Congratulations To Someone. Let Me Off Uptown. A House Is Not A Home. Blues For Tasty. A Losting Battle. Deep In A Dream. Confessin’ The Blues. Candy.

Músicos: Dakota Staton (voz). Horace Ott (piano eléctrico), Groove Holmes (órgano), Cornell Dupree (guitarra), Paul Martínez (contrabajo) y Bernard Purdle (batería).

Además: "Si Dakota Staton tiene en este álbum la posibilidad de dar lo mejor de sí misma, gran parte del mérito se debe a sus acompañantes, y en especial a Cornell Dupree, Bernard Purdie y, sobre todo, Richard Groove Holmes. Zurdo, y por ello capacitado para ampliar considerablemente su concepción armónica y rítmica en los bajos, Colmes es uno de los organistas más brillantes vinculados a la tradición de la espiritualidad negra. Solista fantasioso y de excelente técnica, en su carrera ha tenido ocasión de grabar, entre otros, con Jimmy McGriff, y en esta oportunidad revela un gran dominio instrumental en todos los registros del órgano, explotando al máximo su gama sonora y destacando como acompañante lleno de garra y precisión”. Guía para el oyente.

Más portadas: The Late, Late Show (1957), Dynamic! (1958), Crazy He Calls Me (1958), Ballads And Blues (1959), Dakota (1960), Madame Foo Foo (1972) y I Want Country Men (1973).

Shady Grove (Capitol) 1969
Quicksilver Messenger Service
Portada: pintura de L.K. Hollister

Una historia: “Elmore, Cipollina y Freiberg se encontraron entonces con Nicky Hopkins (al que admiraban por su toque en el Beggar’s Banquet, de los Stones), y le convencieron para que tocara con ellos. Su primera contribución fue en Joseph’s Coat, un corte del tercer LP –Shady Grove- que grabaron en sólo seis días, pero que acabaron cuatro meses después a causa de las borracheras y los partys que se organizaban en el estudio a la hora de montar las mezclas. El LP, aun siendo imaginativo, no alcanzó, sin embargo, la fuerza y brillantez del precedente (Happy Trails) que era too much. Los Quick llegaron de Marin County (norte de la Bahía) a mediados de 1965, y después de una serie de fluctuaciones errantes y desperdigadas por los clubs de Frisco, se consolidaron en el Avalon Ballroom”. Jesús Ordovás. El rock ácido de California. Ediciones Júcar. Los Juglares.

Otra: “El éxito de Happy Trails no impide que se produzcan cambios en Quicksilver Messenger Service en especial para la grabación de la piezas que se incluirán en el tercer disco grande del grupo californiano. Así entre las entradas figura la del teclista británico Nicky Hopkins, uno de los músicos habituales en discos de The Rolling Stones, quien estará presente en los siguientes discos de los Quick durante la primera mitad de la década de los setenta, incluso tocará en el disco de reunión de la mítica banda, Solid Silver, que anunciaba una nueva etapa que no llegó a pasar de un elepé y algunas giras sin continuidad”. Sam Rock

Canciones: Shady Grove. Flute Song. Three or Four Feet from Home. Too Far. Holy Moly. Joseph’s Coat. Flashing Lonesome. Words Can’t Say. Edward, The Mad Shirt Grinder.

Músicos: John Cipollina (guitarra y voz), Nicky Hopkins (órgano, organ, celeste y harpsichord), Gary Duncan (bajo, guitarra y voz), Greg Elmore (batería y percusión) y David Freiberg (viola, bajo, guitarra y voz).

Además: “John Cipollina, tras la primera disolución de Quicksilver, decidió viajar a las Islas Británicas, de su experiencia europea queda la participación como guitarrista en el disco grande titulado Maximun Darkness, del grupo Man, originario del país de Gales. Cipollina (1943-1989) también grabaría un elepé en solitario, Raven, en el que participó, entre otros músicos, su amigo Nicky Hopkins”. Sam Rock.

Ketama (Nuevos Medios) 1985
Ketama
Portada: dibujo de Ceesepe

Una historia: “La nueva generación de Sorderas y Habichuelas se formó tocando en aquellos mismos tablaos que conocieron sus padres. Fue concretamente actuando de guitarristas en Los Canasteros –el célebre tablao de Manolo Caracol-, a principio de los años 80 cuando surgió la idea de formar un grupo comprometido con la movida del presente. Su primer disco, Ketama, fue lanzado por Nuevos Medios, una pequeña compañía independiente de pop y alternativa de calidad. Era el momento de furor de aquellas pequeñas empresas –Dro, Tres Cipreses, Gasa, Twins… -que dieron una lección a las multinacionales apostando por la escena más visual. La inusual portada era una pintura del posmoderno Ceesepe. La producción musical corría a cargo de Teo Cardalda, miembro del exitoso grupo Golpes Bajos. Y la dirección comercial era una aventura a la conquista del mismo público pop de la movida.
El disco no consiguió los resultados de ventas que se merecía, pero el tiempo le dio la razón a Ketama. Y entonces vinieron los palos: “Ahora que estamos sacando el flamenco hacia fuera, los flamencólicos ya se meten con nosotros. Los flamencólicos tienen un flamenco aprendido en los libros, y eso no puede ser”, declararon años más tarde en su descargo los miembros del grupo, cuando acababan de ser estrellas taloneando a Prince”. Pedro Calvo y José Manuel Gamboa. Historia-Guía del Nuevo Flamenco. El Duende Ahora. Ediciones Guía de Música. Colección La Encrucijada. 1994.

Otra: “La base musical de este primer trabajo de Ketama fue la rumba en tres derivaciones: el esquema de Los Chorbos, el tango-rumba y la rumba salsera. Otros ritmos utilizados fueron las alegrías, las bulerías y unos tanguillos de nuevo cuño en el instrumental que da titulo al álbum y grupo. Y en todos los temas la voz solista es la de José Soto, a excepción de Domo Ariago, una sorprendente fusión brasileña-nipona hecha y dicha por José Heredia. El tema Luna, quédate conmigo, grabado ya por Camarón como bulería en Calle Real, lo habíamos escuchado anteriormente en la voz del joven autor jerezano Sebastián Blanco Moreno, que, curiosamente, es el único compositor ajeno a Ketama que firma otras dos piezas distintas a ésa en el disco”. P.C. y M.G.

Canciones: Sueño imposible. Vacío. Luna, quédate conmigo. Ahora que te tengo. Y será. Me llama. Domo Arigato. No sé si vivo o sueño. Ketama. Tranqui.

Músicos: Jose Soto (guitarra, palmas y voz solista), Juan Carmona (guitarra, laúd, percusión y palmas), José Heredia (guitarra percusión, palmas y voz), Antonio Carmona (percusión, palmas y voz). Carles Benaven (bajo), Pepe Habichuela (guitarra), Manuel Morao (guitarra), Pablo Novoa (bajo), Pablo Becerra (flauta), Vicente Soto (palmas) y Teo Cardalda (teclados, piano y percusión).

Además: “Esta formación abrió cauces en el contexto de la música joven de nuestro país. Al principio singularmente, después menos, se mantuvo fiel a las raíces étnicas en que todos sus miembros habían bebido originariamente , y este fue el principal rasgo distintivo con respecto a otros grupos; probablemente, también una de las claves del éxito. Ketama tiene ya una rica y variada producción discográfica, en la que ocupan un interesante lugar las dos entregas que bajo el título Songhai recogen trabajos de fusión con otras músicas, fundamentalmente la del malinés Toumani Diabate, y en las que demuestran su gran versatilidad los flamencos de Ketama”. Ángel Álvarez Caballero.

Más portadas: La pipa de kif (1987), Songhai (1988) y Y es ke me ha kambiao los tiempos (1990).

Musicarte

La lista es generosa en relación con los músicos que participan en el diseño de portadas de discos. Desde la los años sesenta hasta la actualidad, varios son los personajes interesados en expresar mediante dibujos, pinturas o fotografías sus inquietudes artísticas para utilizarlas de envoltorios de sus grabaciones. El resultado puede ser acertado o bien una manera de epatar, como pasa con las imágenes que aquí se ofrecen. Depende de cada uno que gusten o produzcan rechazo, aunque en determinados casos hay material gráfico interesante que sirve para reconocer que la plástica es para algunos/as algo más que una afición.

Revolver (Parlophone, 1966)…………………….The Beatles
Joni Mitchell (Reprise, 1968)……………………...Joni Mitchell
Tea For The Tillerman (Island, 1970)……………Cat Stevens
Captured Angel (Epic, 1975)…………………….......Dan Fogelberg
The Game’s Up (Atlantic, 1980)…………………....Sniff’n’ Tears

Unbehagen (CBS) 1979
Nina Hagen Band
Portada: fotografía de Alain Bizos

Una historia: “Los contactos de Nina con la escena punk inglesa le llevaron a colaborar con The Slits y a vivir un intenso romance trabajo con Herman Brod, líder de la nueva ola holandesa. A finales de 1979 se editó su segundo álbum, Unbehagen, que la confirmó como la reina de la new wave alemana y como una de las más agresivas y extrovertidas artistas del rock de los 80. Ese año intervino junto a Brood en la película Cha-Cha y protagonizó escándalos de provocación sexual, uno de ellos en la televisión austríaca, que le valió su expulsión del país. Intervino así mismo en el documental sobre Berlín Bildnis eine trinkerin. Al iniciarse la década de los 80 Nina Hagen aparecía como una de las nuevas artistas de vanguardia más versátiles, como lo puso de manifiesto en Nun sex monk rock (82), producido por Mike Thorne y grabado con la colaboración de músicos como Chris Spedding y Paul Shaffer”. Historia de la Música Rock. Orbis.


Otra: “Cuando en 1976 su padrastro Wolf Biermann (un cantautor disidente) fue expulsado de Alemania, Nina se marchó con él. A partir del 9 de diciembre de este año, y en plena explosión punk, Nina se dio a conocer en los club de vanguardia de Berlín Oeste, como el Club S036. En 1977 Nina formó la Nina Hagen Band, con Bernhard Potschka (guitarra), Manfred Praeker (bajo), Herving Mitteregger (batería) y Reinhold Hiel (teclados), debutando en 1978 con el álbum, Nina Hagen Band”. H.M.R.


Canciones: African Reggae. Aiptraum. Wir Leben (Mmernoch). Wenn Ich Ein Junge War. Herrmmann Blues. Au’ m Rummel. Wau Wau. Fall In Love Mit Mir. No Way.


Músicos: Nina Hagen (voz), Heil (teclados, sintetizador y coros), Potschka (guitarra y coros) y Praeker (bajo, guitarra rítmica y coros)).


Además: “Katherina Hagen (11-3-55, Berlín Este, Alemania) inició sus actitvidades públicas en 1964 como miembro de la Thälmann-Pioneers, una organización de jóvenes comunistas de la República Democrática Alemana, para pasar en 1967 a la Freie Deutsche Jugend, de la que fue expulsada. En 1972 logró pasar los exámenes de la Berlin Oberchöneweide, una academia estatal de actores y tras formar un grupo de rock, debutó en Polonia. Cursó estudios de canto en 1973, fue miembro de la orquesta de Alfons Wonneberg en 1974 y volvió al rock formando primero el grupo Automóvil y después Fritzens Dampferband”. H.M.R.






Más portadas: Nina Hagen Band (1978), Nun Sex Monk Rock (1982), Angstlos (1983), In Ektase (1985), Punkhozeit (1987) y Nina Hagen (1989).

The Kink Kontroversy (Pye) 1965
The Kinks
Portada: fotografía de Klaus Schmalenbach



Una historia: “Canciones como All day and all night (Pye, 1964), Tired of waiting for you (Pye, 1965), Set me free (pye, 1965) o Till the end of the day (Pye, 1965), constituyeron el grueso de la larga serie de singles de éxito que tuvo el grupo desde 1964 hasta 1970. Del sonido rudo pasaron a un estilo más refinado y personal. Pero aquella época dorado de los Kinks no estuvo marcada solamente por una docena de canciones definitivas y rotundas, por Ray Daviesn –el líder, cantante, guitarrista y autor de casi todo el repertorio del grupo- fue haciéndose cada vez más irónico, hasta convertirse en un observador, crítico y efectivo del devenir de la sociedad inglesa y la cultura pop.

Buena muestra de esa habilidad para retratar personajes y ambientes en piezas de cuatro minutos son canciones como Dedicated follower of fashion o Waterloo subset, que también recibieron el espaldarazo del éxito. Éxito que los llevó a actuar por todo el mundo (aunque en Estados Unidos se les prohibió tocar desde 1965 hasta 1969 por su deplorable comportamiento en la gira americana del aquel año.
En España estuvieron por primera vez en el verano de 1966, justo cuando Sunday afternoon (Pye, junio, 1966) subía en las listas de éxitos británicas hasta alcanzar el número uno”. Jesús Ordovás.
Otra: “Pese a su aparente posición de segundones de los demás grandes, los Kinks han sabido mantener durante todo este tiempo una serie envidiable de éxitos. Su primer hit data de 1964 con la grabación de un tema de Little Richard Long Tall Rally.
El autor de casi todas las canciones del grupo es Raymond Davies. No es un genio de las sutilezas ni de los juegos de palabras, sino un individuo de una tremenda capacidad creadora y sabe muy bien lo que quiere decir. Sus letras no presentan ambigüedades ni significados ocultos: van al grano y son irreverentes y sinceras”. Marcelo Covián.
Canciones: Milk Cow Blues. Ring the Bells. Gotta Get the First Plane Home. When I See That Girl of Mine. I Am Free. Till The End of the Day. World Keeps Going Round. I’m on an Island. Where Have All the Good Times Gone. It’s Too Late. What’s in Store for Me. You Can’t Win.
Músicos: Ray Davies (guitarra, piano, armónica y voz), Dave Davies (guitarra y voz), Meter Quaife (bajo y voz) y Mick Avory (batería y percusión). Rasa Davies (coros), Nicky Hopkins (piano) y Clem Cantina (batería).
Además: “La reedición de The Kink Kontroversy en CD incluye las dos canciones que aparecieron en disco sencillo a comienzos de 1966: Dedicated Follower Of Fashion (a su vez con dos versiones, una en mono y otra en estéreo) y Sittin’ On My Sofa. Asimismo el disco compacto ofrece una canción inédita When I See That Girl Of Mine”. Sam Rock.

Rito (Ariola) 1973Luis Eduardo AutePortada: pintura de Luis Eduardo Aute

Una historia: “El álbum Rito, que graba en 1973 y sale al mercado al año siguiente, es un disco muy significativo del paréntesis musical de Luis Eduardo Aute, de aquella época de ruptura y encierro, seguramente la más difícil de su vida. En el sentido económico fue un tiempo de buscar trabajo, de llegar a casa cansado, sin ninguna esperanza y sin optimismo. No había grandes ilusiones y además, para colmar esta historia negra, la muerte alumbraba todos los rincones a los que dirigía sus ojos…
Por ello, las canciones de esta época se encuentran marcadas por la continua presencia de la muerte; son canciones cadavéricas, en donde existe una relación angustiada y una impotencia del amor. La muerte está siempre por debajo de cualquier sentimiento amoroso. “Las historias de amor –matiza Aute- se estrellaban contra su imposibilidad…
Luis Eduardo Aute, de vez en cuando, para respirar o mirar el horizonte extensible, se cogía una guitarra y salía a una pequeña terraza. Así nacieron canciones como Amor, Nada es nuestro o De alguna manera. La vida, entonces, era una prolongada espera. Había que esperar, no se sabía muy bien qué: esperar a que pasaran esos días, esperar a que ocurriera algo, esperar a que las cosas comenzasen a ir bien y esperar, asimismo, a que el país cambiara (estábamos en un año de fuerte represión), año del juicio de Burgos, año de condena de muerto). Todo, en este momento –la vida misma-, era provisional. Luego, “nada es nuestro, tuyo y mio…/ni el silencio ya indeleble que nos une en este rito/de agujeros y cipreses…
Rito es un álbum que no fue boom cuando salió, pero que se ha ido vendiendo regularmente todos los años, y hoy día es pedido por el público con la misma o mayor intensidad que en un principio”. José M. Plaza.

Otra: “Refiriéndome ya a mi caso concreto, yo llegué a darme cuenta de la contradicción que existía entre las influencias musicales que había estado recibiendo y mi progresiva aproximación a la realidad ética y estética de mi país. Esta aproximación racionalizada a la realidad de los condicionamientos sociopolíticos, y no como vago “sentirse mal” en la sociedad que me rodeaba, y que por otra parte el descubrimiento paralelo de otro tipo de música y otro produjeron en mí la crisis, (y no sé si el adjetivo resultara altisonante) que dio paso a mi retirada. Fue porque me consideré llegado a un punto al que las sucesivas lecturas y reflexiones me fueron conduciendo –en el que lo honesto era dejar estar las cosas- a salirme del mundo de la canción, a nivel de producción discográfica, y empezar otra vez desde cero”. Luis Eduardo Aute.

Canciones: Quiero apurar cada grano de arena. Rito de agujeros y cipreses. Dentro. Amor. Lecho de amor y muerte. De alguna manera. Estúpida manía circular. La mala muerte. Acaso. Mientras tanto amando. Cuéntame una tontería. Las cuatro y diez. Hay algo en el aire. Nada más que nada. Epílogo: autotango del cantautor.

Músicos: Luis Eduardo Aute (letra y música), Carlos Montero (arreglos y dirección musical) y José Fernández (técnico de sonido).

Además: “Enganchado a su canciones, descubrí que la vida es rito, sacófago y espuma; que es alma, fuga y nudo; ternura, deseo y desamor –enamorarse o morir-; pasión y laberinto de tinieblas –cuerpo a cuerpo-; esfera del azar…, fe de armonía…; milagro de la luz en las pupilas…;querencia, alevosía y arrebato: ¡A vivir, que la vida no es medida, ni porvenir!..,que queda todo, todo, todo por sentir.
El se negó a ser tiempo en el espacio apuntalando un mar –promesa de libertad- que es como un niño que canta sobre cuarenta prisiones –un niño que se despierta como una ola gigante; lleva en el puño una perla y un coral rojo en la sangre; él aprendió del Niño-Pablo los secretos de Albania, donde el amor es la flor más perfecta que crece en el jardín; y convencido radical de que el fuego es el orden, emprendió su inexorable batalla: ¡Al alba, en pie de guerra y con un beso por fusil- habrá que hacer acopio de fusiles que disparen girasoles; Van Gogh, desde su nube, está dispuesto a descargar bombas de flores”. Fernando G. Lucini.

Este tiempo ha de acabar (Le chant du monde-Edigsa) 1974
Elisa Serna
Portada: diseño Jordi Fornas

Una historia: “Para mí la canción es algo directo, un producto que debe desarrollarse en un lenguaje casi coloquial. No digo que los textos no deban tener una determinada dimensión poética, sino que se debe tratar de evitar caer en la intelectualidad, en el gran rollo metafísico. En este sentido, y aunque para mí resulte más cómodo cantar poemas de otros, me encuentro muchas veces con que estos poemas no responden a mi criterio sobre lo que deber ser una canción. Y como no creo que la música de la canción deba estar al servicio del material literario, sino que ambas cosas deben formar una síntesis lo más perfecta posible, pues resulta que prefiero hacer yo misma los textos en función precisamente de esas leyes objetivas que para mí definen lo que es y no es una canción.

Pienso simplificarlo más aún, que la canción, como producto musical, es popular en su origen, y como tal debe ser sencilla y directa, poco sofisticada, como es el pueblo mismo.
Creo también que el arte debe ofrecer alternativas, y aún cuando por parte del sistema se pretendiera integrarnos, convertirnos en productos de consumo sin más, todo dependerá un poco de nuestras decisiones, de nuestras acciones globales dentro o fuera de los caminos marcados de antemano”. Elisa Serna en entrevista a F. López Barrios. 1976.

Otra: “Elisa Serna pertenece a la casta jonda de los grandes creadores españoles: como la Niña de los Peines, como Picasso, como don Francisco de Goya. Lo jondo es lo que se extrae desde más allá de la posibilidad de la persona porque está en lo profundo de eso y, precisamente por eso, hay que bucear muy hondo en los subterráneos de todo lo que somos para encontrarlo: las voces negras, que dicen los grandes creadores del cante grande o, como diría Picasso, “lo que te sale de las tripas”. Y es curioso, cuando uno de esos grandes creadores (Goya o Pastora Imperio) encuentra una veta jonda, lo que le ocurre es que se encuentra con el filón de su propio pueblo. Por eso decía Juan Mairena que en España, “todo lo que no es folklore es pedantería”. Resumiendo, que por lo menos nosotros, la gente de por aquí, cuando tenemos que encontrar la expresión o la voz profunda, no nos queda otro recurso que hurgar en el subsuelo de todo lo que somos. De una confusa mezcla de tierra y de huesos de nuestros ancestros sale todo lo que podemos dar: las voces negras y la pintura negra.

No, yo no quiero decir que Elisa Serna sea una cantaora de cante jondo como lo era Pastora la Niña de los Peines –Pastora Primera de España-, no. Y lo que quiero decir es que la cantante Elisa Serna no se ha dejado seducir por la metodología de su propio oficio aceptando jerarquías de bemoles, agudos y gorgoritos, sino que ella, sin abandonar el oficio de cantante, que es lo que es, se ha impuesto a sí misma la jerarquía, más difícil y profunda, de lo “jondo”, con una voz que nace del grito sin abandonar la esencia de la voz, pero que no olvida nunca su destino en la convocatoria; con un canto que no quiere saber de virtuosismos porque prefiere cimentarse en la rajada dificultad; con unos silencios densísimos (“escucha hijo mío, el silencio”) y con un grito que ella y sus parientes los del jondo saben transformar en canto sin dejar de ser grito”. José María Moreno Galván. Texto en el interior de la carpeta del elepé Este tiempo ha de acabar.

Canciones: Este tiempo ha de acabar. En la mina el Tarancón. Rómpete guitarra. Pobre del cantor. Quejido. La mayoría silenciosa. Las cárceles. Aspera meseta. Con los dientes. Otros vendrán.

Músicos: Elisa Serna (guitarra, laúd y voz), Stephan Albert (guitarra solista), André Fertier (guitarra), Patrice Karatini (contrabajo), Arno Rogers (percusión), Manolo Sanlúcar (guitarra), Luis Mendo (guitarra eléctrica), Emilio Martínez (bajo), Jorge Pardo (flauta), Bruno Barre (violín) y Javier Estrella (batería y bongos).

Además: “Su quejido en aquel tiempo fue vociferante y por muchos aplaudido; y fuimos muchos los que nos unimos a él sin importarnos ni tonos, ni timbres, ni gaitas; y es mucho lo que le debemos, sobre todo la fuerza, la rebeldía, la solidaridad y la esperanza que ella supo contagiarnos. (¡Lástima que algunos -algunos de los que más vociferaban entonces- hoy quieran olvidarla para no reconocerse en su voz, para borrar una memoria acusatoria e intranquilizadora que, imprudentemente, siempre refleja, en el espejo de la conciencia, al esperpéntica imagen del travestimos ideológico y de la incoherencia!)
Ella nunca fue una estrella, fue siempre “luna”; luna que iluminó interminables noches de impotencia –luna condenada hoy a un “cuarto menguante” como consecuencia del crimen del olvido y de la impiedad de la injusticia; nunca obtuvo un disco de oro, y menos de platino; sólo consiguió el cobre indispensable para poder ir sobreviviendo”. Fernando G. Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Voces y canciones de autor 1963-1997. Alianza editorial.

Más portadas: Quejido (1973), Brasa viva (1975), ¡Choca la mano! (1977) y Regreso a la semilla (1978).

Cheaper Thrills. Live 1966 (Fan Club) 1983
Big Brother And The Holding Company
Portada: Stanley Mouse

Una historia: “Tampoco su relación musical fue muy armoniosa y llevadera en un primer momento. El ensayo inicial no fue nada maravilloso, con una Janis completamente atemorizada, por un lado, y desacostumbrada a la banda de rock, por el otro. Su voz, sin embargo, compensaba cualquier carencia que pudiera existir en cuanto a un estilo desarrollado, cosa que fue por todos vivida como que eso era algo que Manis eventualmente lograría. Con todo estaba todavía muy insegura el día 10 de junio cuando actuó con la banda en el Avalon Ballroom. La mayoría de las dudas que ella pudo haber tenido ese entonces, al menos en lo que respecta al renglón musical, llegaron a su fin esa noche –o así a menudo lo recordaba ella. “Todo pasó la primera vez”, exclamaba. “Simplemente exploté. Yo había conseguido un estilo como el Bessie Smith. Me quedaba quieta y cantaba simplemente. Pero no se puede cantar de ese modo cuando se está al frente de una banda de rock, con todo ese ritmo y ese volumen. Tienes que cantar muy alto y moverte como una salvaje con todo eso detrás de ti.
El recuerdo de Janis de la gloria instantáneamente alcanzada no fue compartido, Hubo un número considerable de personas que no se ocupó absolutamente de Big Brother, James Gurley escuchó repetidas quejas: “¡Desháganse de esa chavala! ¡Es terrible!” Los country-blues de Janis eran como algo desbocado de la furia sonora de la banda, y el resultado parecía sonar algo extraño a los oídos de San Francisco. Pero su estilo musical cambiaría con el tiempo –así como Janis cambiaría”. Myra Friedman. Janis Joplin (Enterrada viva). Fundamentos. 1982.

Otra: “Cuando canto, no pienso. Sólo cierro los ojos y siento, me siento bien. Es realmente como una fiebre, ¿sabes lo que quiero decir?, es como un momento intenso. Cuando ha desaparecido, es como si pudieras recordarlo, pero no puedes ser consciente de él hasta que vuelves a vivirlo. Entonces ahí está otra vez. Es como un gran momento ¿sabes? Es como un orgasmo, no puedes recordarlo, pero lo recuerdas…Yo no puedo hablar de mis canciones, estoy dentro de ellas. ¿Cómo puedes describir algo en lo que estás dentro? Yo no puedo saber lo que hago; si lo supiera, lo habría perdido. Pero cuando canto, siento, oh siento, bueno, como cuando el primer amor. Es más que sexo, ya conozco eso. Es ese punto que dos personas pueden llegar a llamar amor, como cuando tocas realmente al alguien por primera vez, pero es gigantesco, multiplicado por todo el público”. Janis Joplin.

Canciones: Come On Baby Let The Good Times Roll. I Know You Rider. Moanin’ At Midnight. Hey Baby. Down On Me. Whisperman. Women Is Losers. Blow My Mind. Ball & Chain. Harry.

Músicos: Peter Albin (bajo y voz), Sam Andrew (guitarra), James Gurley (guitarra), David Getz (batería) y Janis Joplin (voz y maracas).

Además: “Si Jimi Hendrix, sin desvirtuar la música de su raza, incorpora el psicodelismo blanco, Janis Joplin incorpora la música negra a su arte sin necesidad de imitar servilmente a las grandes cantantes de esa raza. Es un fenómeno casi único, como Hendrix, de integración musical. Sus carretas fueron bastante paralelas: para ambos, el festival de Monterrey representó el éxito definitivo. Los dos encuentran un final idéntico y los dos sufrieron la misma soledad e incomprensión”. Marcelo Covián. Los cantos de la conmoción. Tusquets.

Cuarenta años después (13)

Discos de 1967

A Day In Life (A&M Records) 1967

Wes Montgomery
Portada: fotografía de Pete Tourner

Una historia: “Desde la súbita muerte del joven Charlie Christian en 191, el jazz llevaba casi 20 años esperando un guitarrista capaz de igualar su capacidad revulsiva. No lo habían conseguido ni el estupendo Kenny Burell, quizá demasiado cauto para esa responsabilidad, ni Jimmy Raney, cuya indiscutible originalidad alcanzó sólo el ámbito del jazz blanco. Esta tarea estaba reservada a un veterano de las orquestas de Lionel Hampton, nacido en Indianápolis en 1925 y llamado Wes Montgomery.
Montgomery decidió consagrarse a la guitarra a una edad tardía, a los diecinueve años, después de haber escuchado unas grabaciones de Charlie Christian. Aprendió a tocar de forma totalmente autodidacta, y tuvo el talento necesario para transformar sus deficiencias en recursos estilísticos originales, que causaron un gran impacto y le convirtieron en un modelo calcado hasta la saciedad: por ejemplo en lugar de pulsar las cuerdas con una púa, lo hacía con el dedo pulgar, movido a una velocidad prodigiosa. Obtenía así la sonoridad redonda y poderosa, la gran presencia instrumental que le caracteriza desde la primera nota; antes de él, ningún guitarrista hubiera conseguido protagonizar –literalmente- una exposición al unísono como la de Foro on six”. Jorge García. Los 100 mejores discos del jazz. Editorial La Máscara. 1993.

Otra: "Wes Montgomery dejó tras de sí un importane legado musical en el que se encuentran colaboraciones con otros músicos de jazz como Milt Jackson, Cannonball Adderley, Johny Griffin y Jimmy Smith, entre otros". Sam Rock.

Canciones: A Day In The Life. Watch WhatHappens. When A Man Loves A Woman. California Nights. Angel. Eleanor Rigby. Willow Weep For Me. Wind. Trust In Me. The Joker.

Músicos: Wes Montgomery (guitarra y voz), Herbie Hancock (piano), Ron Carter (bajo), Ray Barreto (percusión), Joe Wohletz (percusión), Grady Tate (batería), Ray Alonge (french horn), Phil Bodner (woodwind), Julius Brand (violin), Peter Buonconsigilio (violin), Mac Ceppos (violin), Harold Coletta (viola), Lewis Eley (violin), Harry Glickman (violin), Jack Jennings (percussion), Harry Katzman (violin), Leo Krucczek (violin), George Marge (flauta baja), Charles McCracken (chelo), Gene Orloff (violin), Romeo Penque (flauta baja), Margaret Ross (harp), Tosha Samaroff (violin), Alan Shulman (chelo), Sylvan Shulman (violin), Joe Soldo (flauta baja), Harry Urbont (violin), Emanuel Vardi (viola), Stanley Webb (flauta baja) y Jack Zayde(violin).

Además: "El jazz comenzó a fascinarme de pequeño. Wes Montgomery fue uno de los primeros artistas a los que estuve expuesto y su música me llegó directamente al corazón. Su virtuosidad y su gusto, el timbre y la técnica me llevaron a este estilo. Las progresiones de jazz crean un desafío único para la improvisación y la expresión personal".Nathan East

Más portadas: Fingerpickin’ (1957), Far Wes (1958), The Wes Montgomery Trio (1959), The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery (1960), Movin’ Along (1961), Fusion! Wes Montgomery With Strings (1963), Portrait Of Wes (1963), Movin’ Wes (1964), Bumpin’ (1965), Tequila (1966) y Down Here On The Ground (1968).

Años Dorados (Zafiro) 1980
Varios
Portada: Víctor Coyote




Una historia: “La apuesta por el pop de determinados sectores de la juventud de los años 80 permitió una nueva revisión, si alguna estuvo olvidada, de la música de la década de los sesenta, en el especial de la producida en las Islas Británicas, pues en este territorio insular no todo se limitó en aquellos años dorados a The Beatles y The Rolling Stones, por suerte para los aficionados al rock en general. Así en España, cuando la movida o nueva ola ya daba muestras de subir en el escalafón de la cultura popular de la nueva década, se pusieron a la venta colecciones discográficas como Años Dorados, dirigida por Diego A. Manrique y que conservó las portadas originales, que insistieron en la intemporalidad del mejor pop. La mayoría de los grupos y solistas eran conocidos, aunque los discos menos, porque bastantes elepés no fueron editados en la península Ibérica en su tiempo, pero con la revisión de una parte del mítico sello Pye más de uno o una se pudo poner al día en los comienzos de The Kinks, The Searchers, Donovan y Status Quo. Se agradecieron además las ediciones de discos de The Honeycombs, Rockin’ Berries y The Sorrows, auténticas sorpresas porque apenas eran conocidos, salvo en los círculos enterados. La compañía Pye comienza a funcionar en el ámbito de la venta discográfica a mediados de la década de los años 50 con un catálogo en el que se mezclan estilos como el jazz, el influyente skifflle y el pop británico. Sin embargo, a partir de 1960, Pye comienza su acertada política artística al distribuir las grabaciones de jóvenes músicos, éxito comercial que tiene continuidad hasta la década siguiente”. Sam Rock.

Otra: “En este disco recopilatorio del sello Pye se encuentran canciones que resisten muy bien el paso del tiempo como Sunny Afternoon, Tired Of Waiting For You y Lola, de The Kinks, Colours de Donovan, Sweets For My Sweet y He’s In Town de Rockin’ Berries, que conviven con otras como el número 1 de 1964: Have I The Right, The Honeycombs o el psicodélico Pictures Of Matchstick Men de Statuos Quo. En fin una mezcla de estilos, entre los que destaca el r&b, pop, folk, piscodelia y blues rock”. Sam Rock.

Canciones: Beautiful Delilah. Farmer John. Have I The Right. Love Potion Nº 9. Sunny Afternoon. He´s In Town. Colours. Sweets For My Sweet. Tired Of Waiting For You. Pictures Of Matchstick Men. David Watts. Keep On Trukin. Down The Dustpipe. Lola.

Músicos: The Kinks, The Searchers, The Honeycombs, The Rockin’ Berries, Donovan y Status Quo.

Además: “La racha de aciertos dura hasta principios de los setenta, con Foundations, Mungo Jerry, Status Quo en las listas de ventas de medio mundo. Siguen años menos resplandecientes hasta llegar a 1980. Pye Records pasa a denominadores Precision Record And Tapes. El nombre desaparece pero la música que dio a conocer sigue hoy viva y palpitante”. Presentación de la colección Años Dorados.

Más portadas: The Kinks (1964), Meet The Searchers (1963), The Honeycombs (1964), Life Is Just A Bowl Of Berries (1965), What’ s End Did And What’s Bin Hid (1965) y Dog Of Two Head (1971).

Delta Blues, Shouts And Jump Songs By One Of The Last Great Delta Bluesmen
The Legacy of the blues vol. 6 (Discophon) 1972
Big Joe Williams
Portada: P. Viking


Una historia: “Como una rápida narración de todo esto, Joe nos describe así su vida:

“La vida y la estancia en los campamentos fueron escuálidas. Sucia colección de tiendas y cabañas, el trabajo exhaustivo, y la vida no fue nada fácil. En un campamento de leñadores, en medio de los pantanos, la empresa tenía su propio lupanar, dando algunas veces una mujer a algún hombre que pretendía extraviarse, a fin de retenerlo. El salario era de 1 o 1,5 dólares al día, y ningún hombre pudo nunca ahorrar nada, y sólo salían los sábados por la noche, a beber y a bailar al son de la guitarra de un hombre como Joe Williams. Si algún hombre moría asesinado, los otros se encargaban de sacarlo fuera del camino”. Joe, impulsado a ir de un campamento a otro, creció lo mejor que pudo. Durante su estancia en los campamentos trabajó de doce a dieciséis horas diarias arrastrando colchones podridos fuera de las grandes tiendas de campaña. Ellos tuvieron que buscar y encontrar gente analfabeta que quisiera vivir en el suelo, entre la hierba y el río, y tomar una comida o una mujer”. Sam Charters.

Otra: “Joe Williams fue, sin duda, uno de los grandes, tanto de su generación como del country blues en general. Como era habitual en los músicos de su juventud, Williams atendía a poca normas cuando se trataba de tocar blues, y prefería que la música cubriera las necesidades emocionales del momento. En ocasiones, esto otorgaba a su forma de tocar y cantar –tosca y sin artificios- una cualidad urgente y casi primitiva. No obstante, esto acentúa más su grandeza”. Keith Shadwick. Blues Keeping The Faith.

Canciones: I Been Wrong But I’ ll Be Right. Black Gal You’ re Sure Looking Warm. When I First Left Home. Little Annie Mae. Levee Break Blues. Hang Up On The Wall. Lone Wolf. This Heavy Stuff Of Mine. Tell My Mother. Big Fat Mama. Back On My Feet. Jefferson And Franklin Blues.

Músicos: Big Joe Williams (guitarra y voz).

Además: “A lo largo de los años cincuenta fue de aquí para allá, entre St. Louis, Chicago y Mississippi, conservando su fama entre el gran público al grabar algún disco cada dos o tres años. Aparte de añadir un pickup eléctrico, su estilo nunca cambió en esencia, ni tampoco su actitud ni su turbulenta vida. A pesar de su conducta ruda, se movió con facilidad durante el resurgimiento del folk y el blues de los años sesenta e hizo numerosas apariciones en conciertos y giras. Siguió actuando, viajando por todas partes y viviendo de la misma manera en que siempre había vivido hasta poco antes de su muerte, en 1982”. Lawrence Cohn. Solamente Blues.

Más portadas: Piney Woods Blues (1958), Blues On The Highway 49 (1961), Tough Times (1961), Early Recordings 1935-1941 (1965), Stavin’ Chain Blues (1966) y Big Joe Williams And Sonny Boy Williamson (1969).

The Bootleg Series Volumes 1-3 (rare&unreleased) 1961-1991 Columbia (1991)
Bob Dylan
Portada: fotografía de Don Hunstein




Una historia: “Por el contrario, la edición de The Bootleg Series sirve para recuperar un tanto el interés por su música. Los cinco LP’s, o tres compactos del volumen –que hacen los números 1, 2 & 3, al contarse por separado de cara a nombrar futuras ediciones de la colección recuperan parte del material perdido, desechado o misteriosamente calificado como sobrante de algunas sesiones de grabación ya míticas, como la de Blood on the track, y desvelan muchas claves secretas sobre su trabajo. No es una mera maniobra comercial; Dylan siempre ha grabado material en exceso y no siempre se ha dejado llevar por la lógica a la hora de elegir qué temas eran incluidos oficialmente en sus discos y cuáles se dejaban a disposición de pirateadotes”. Darío Vico. Bob Dylan. Una introducción. Guías efe eme. Número 1. 2005.

Otra: “Si se acepta la relación entre la obra de Dylan y la sociedad en que aquella ha sido producida, resulta obvio el motivo del carácter progresivamente caótico de la poesía de sus canciones; éste no sería reflejo de una madurez en el estilo de Dylan –como lo es su evolución musical-, sino de una crisis profunda provocada por el derrumbamiento de una visión del mundo que nunca había tenido demasiados motivos para sostenerse en pie. Pero la crisis interior de Dylan iba a verse enmarcada por su conversión en un show viviente, por su transformación en un hombre rico y famoso, por su mitificación a nivel mundial. Y todo esto iba a tener una brusca detención con el accidente de moto que provocó un silencio de más de un año en la obra musical de Dylan”. Ludolfo Paramio/Antonio Resines. Bob Dylan. George Jackson y otras canciones. Visor. 1972.

Canciones: Hard Times In New Cork Town. He Was A Friend Of Mine. Man On The Street. No More Auction Block (Late 1962). House Carpenter. Talkin’ Bear Mountain. Let Me Die In My Footsteps. Rambling Gambling Willie. Talking’ Hava Negeilah Blues. Quit Your Low Down Ways. Worried Blues. Kingsport Town. Walkin’ Down The Line. Walls Of Red Wing. Paths Of Victory. Talkin’ John Birch Paranoi Blues. Who Killed Davey Moore?. Only A Hobo. Moonshiner. When The Ship Comes In. The Times They Are A-changing. Last Thoughts On Woody Guthrie. Seven Curses. Eternal Circle. Suze (The Cough Song). Mama, You Been On My Mind. Farewell Angelina. Subterreanean Homesick Blues. If You Gotta G, Go Now (Or Else You Got To Stay All Night). Sitting On A Barbel Wire Fence. Like A Rolling Stone. I Takes A Lot To Laughe. It Takes A Train To Cry. I’ll Keep It With Mine. She’s Your Lover Now. I Shall Be Realesed (Fall 1967). Santa-Fe (Fall 1967). If Not For You. Wallflower. Nobody’ Cept You. Tangled Up In Blue. Call Letter Blues. Idiot Wind. If You See Her, Say Hello. Goldem Loom. Catfish. Seven Days. Ye Shall Be Changed. Every Grain Of Sand. You Changed My Life. Need A Woman. Angelina. Someone’s Got A Hold Of My Heart. Tell Me. Lord Protect My Child. Fool Of Pride. Blind Willie McTell. When The Night Comes Falling From The Sky. Series Of Dreams.

Músicos: Bob Dylan (guitarras, armónica, piano y voz), Al Gorgone (guitarra), Kenny Rakin (guitarra),Paul Griffen (teclados), Joseph Macho Jr. (ajo), Bobby Gregg (batería), Mike Bloomfield (guitarra), Al Kooper (órgano), Paul Griffen (piano), Harvey Brooks (bajo), Bobby Gregg (batería), Rick Danko (bajo), Robbie Robertson (guitarra), Garth Hudson (órgano), Richard Manuel (piano), Levon Helm (batería), Sandy Konikoff (batería), George Harrison (guitarra), Charlie Danields (bajo), Russ Kunkel (batería), Ben Keith (pedal steel guitar), Kenny Buttrey (batería), Russell Bridges (bajo), Tony Brown (bajo), Charlie Brown III (guitarra), Eric Weissberg (guitarra), Barry Kornfield (guitarra), Thomas McFaul (teclados), Tony Brown (bajo), Richard Crooks (batería), Scarlet Rivera (violín), Rob Stoner (bajo), Howie Wyeth (batería), Emmylou Harris (voz), Eric Frandsen (slide guitar), Sugarblue (armónica), T-Bone Burnett (guitarra), Seven Soles (guitarra), Mick Ronson (guitarra), Bobby Neuwirth (guitarra), David Mansfield (madonlina), Gary Burke (congas), Mark Knopfler (guitarra), Barry Becket (teclados), Tim Drummond (bajo), Pick Withers (batería), Fred Tackett (guitarra), Jennifer Warnes (voz), Ben Tenh (órgano), Jim Keltner (batería), Clyde King (voz), Regina Havis (voz), Carolyn Dennos (voz), Mick Taylor (guitarra), Alan Clark (teclados), Robbie Shakespeare (bajo), Sly Dunbar (batería), Full Force (voces), Little Steven (guitarra) y Roy Bittan (teclados).

Además: “Su actuación en el festival de la isla de Wight más adelante, en verano de 1969, no tuvo tan buena acogida; la producción de la grabación fue verdaderamente atroz, con The Band arrinconados en el fondo y la voz de Dylan, confusa e insegura, propulsada a la fuerza al primer plano. El proyecto de disco en directo fue arrinconado pero cuatro temas acabarían formando parte del disco Self Portrait de Dylan en 1970 (Columbia). Muchas de las ediciones piratas del concierto de la isla de Wight eran infinitamente mejores, ya que reflejaban la manera en que el público pudo escuchar la actuación, a veces enajenada, en otras demasiado ceñida y mezquina. De todos esos documentos, el mejor tema (que figura en Crossing) es Hihhway 61 Revisited, con Garth al volante del tema a lo largo de virajes cerrados mientras los demás exclaman Out On Highway 61! como si fueran adictos al polvo de ángel que quisieran arrastrar a los turistas a la peor casa de putas de Tijuana”. Greil Marcus. Mystery Train. Círculo de Lectores. 2003.

America’s Choice (Grunt) 1975
Hot Tuna
Portada: Frank Mulvey

Una historia: “Viéndolos, uno tiene la impresión de asistir a un duelo de guitarras que van elaborando un rock extraño y ciertamente más original que el habitualmente escuchado en sus anteriores discos de ambos intérpretes junto a Slick/Katner. Las guitarra, de diferentes formas, colores y sonidos se van alternando durante la actuación en las manos de ambos músicos y tanto Jorma Kaukonen como Jack Casady han alcanzado un punto desmesurado en la tecnificación de sus instrumentos rodeándose de un impresionante número de cajas distorsionadotas para cada una de sus guitarras, ya sean bajo o guitarra solista. Fenders, Grettchs, Gibson, Rickembackers, construidas especialmente para ellos, se alinean en impresionante formación detrás de los Hot Tuna, apoyados contra los amplificadores ante los admirados ojos de sus espectadores”. Freak Molina. Rock Californiano. Rock Comix. 1976.

Otra: “Con una formación inestable salvo por los dos fundadores en los primeros años, la carrera de Hot Tuna pasará por diversas alternativas. El violinista Papa John Creach formará también en la banda antes de unirse a Jefferson Airplane definitivamente. En 1975, Sammy Piazza dejará el puesto de batería a Bob Steeler. Al final de los años 70, Hot Tuna entrará en el declive final de su carrera”. Jordi Sierra y Fabra. 1981

Canciones: Sleep Song. Funky #7. Walkin’ Blues. Invitation. Hit Single #1. Serpent Of Dreams. I Don't Wanna Go. Great Divide: Revisited.

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Jack Casady (bajo y voz) y Bob Steeler (batería).

Además: “Jorma Kaukonen y Jack Casady desde la década de 1990 continuaron reuniéndose bien para grabar algún disco o para tocar en directo. En la actualidad, ambos músicos forman parte de Electric Hot Tuna with Barry Mitterhoff & Erik Diaz, que realiza periódicas giras por Estados Unidos, aunque Jorma Kaukonen no renuncia a seguir tocando la guitarra acústica y a participar en solitario en festivales que se organizan en diferentes continentes”. Sam Rock.

Tales Of Mystery And Imagination (20TH Century Fox) 1976
The Alan Parsons Project
Portada: Hipgnosis y Hardie



Una historia: “Alan Parsons. Tiene el tipo de carrera musical que se lee como un cuento de hada. El primer álbum en el que participó como ingeniero ayudante fue Abbie Road de los Beatles. Después de su separación fue como ingeniero de los álbumes de Wings de Paul McCartney como Wildlife y Red Rose Speedway y los discos HI Hi Hi y C. Moon. Otros artistas con los que ha trabajado incluyen los Hollies con los que hizo 5 LPs y los dicos de He Ain’t Heavy, He’s My Brother y The Air That I Breathe.
Pero el grupo que le dio más alcance a su ingeniería fue Pink Floyd y su contribución al legendario Dark Side Of The Moon que le dio una nominación Grammy.
El siguiente paso para Alan fue, lógicamente convertirse en productor y disfrutó casi inmediatamente de su éxito con Steve Harley, los álbumes Psycchomodo de Cokeney Rebel y Best Years Of Our Lives y los discos Judy Teen, Mr. Sofá y (Come Up And See Me) Make Me Smile. Su disco piloto Magic alcanzó los cinco puestos en EEUU: su siguiente Jaunary fue numero uno en Gran Bretaña”. Presentación de Allan Parsons en su en el interior de la carpeta de Tales Of Mystery…

Otra: “Su primera obra conjunta serías Tales Of Mystery And Imagination (1976), basado en la vida y la obra de Edgar Allan Poe. El éxito de este LP, grabado con músicos de los grupos producidos por Alan, como Arthur Brown, John Miles, Ferry Silvestre y otras cantantes solistas, consagró la idea de Parsons.
Su siguiente paso fue firmar por el sello Arista. I Robot (1976) fue el primero de sus grandes éxitos, otro LP conceptual con Allan Clarke, Steve Harley y Jack Harris, entre otros, como cantantes”. Jordi Sierra i Fabra.

Canciones: ADream Whitin A Dream. The Raven. The Tell-Tale Herat. The Cask Of Amontillado. (The System Of) Doctor Tarr And Profesor Fether. The Fall Of The House Of Usher. Prelude. Arrival. Intermezzo. Pavane. Fall. To One In Paradise.

Músicos: Ian Bairnson, David Paton, David Pack y Alan Parsons (guitarras), Stuart Tosh y Burleigh Drummond (batería), Billy Lyall, Christopher North, Eric Woolfson, Andrew Powell, Francis Monkman y Alan Parsons (teclados), David Paton y Joe Puerta (bajo), Darry Runswick (contrabajo), John Leach (címbalo y cantele). John Miles, Arthur Brown, Alan Parsons, Ferry Silvestre, Leonard Whiting, Jack Harris, Eric Woolfson, Jane Powell, Samokey Parsons, Stuart Tosh y The English Chorus (voces). En la grabación del disco participaron también 200 músicos.

Además: “El prestigioso ingeniero y productor Alan Parsons (The Beatles, Pink Floyd, Al Steward, The Hollies, Paul McCartney, Alan Parsons Project) imparte hoy un seminario y workshops exclusivo en SAE Nashville. Está previsto que en breve Parsons inicie una gira europea por distintas sedes de SAE Institute en el viejo continente. Los alumnos de una de nuestras sedes norteamericanas tendrán la magnífica oportunidad de asistir a una clase de manos de una de las leyendas de la industria del audio de los últimos 20 años”. Anuncio de SAE Institute.

Más portadas: I Robot (1976), Pyramid (1978), Eve (1979), The Turn Of A Friendo Car (1980), Eye In The Sky (1982), Ammonia Avena (1984), Vulture Culture (1985), Stereotomy (1986) y Gaudi (1987).

Carlos Gardel (Odeón EMI). Reconstrucción técnica 1956
Carlos Gardel
Portada: archivo Odeón

Una historia: “La figura de Carlos Gardel es inclasificable. El inventa el tango cantado, protagoniza su evolución y, según pensamos algunos, su muerte. Es imposible escuchar sin desdén cualquier versión de un tango ya grabado por Gardel...
Decenas de sociólogos argentinos se han deshecho el magín buscando explicaciones al fenómeno de su pervivencia. En vano. Es más fácil: hay que escucharlo. Eso no tiene nada que ver con ningún otro cantor pese a los cincuenta o más años que soportan sus grabaciones. Quienes lo conocieron directamente dicen algo parecido de su personalidad. Durruti, Mozart, Rosetti, el citado don Ramón, Artaud, Gardel…Otra especie con la que poco tenemos que ver”. Javier Barreiro. El tango. Ediciones Júcar. Los Juglares.

Otra: “Carlos Gardel nació el 11 de diciembre de 1890 y murió el 24 de junio de 1935. Entre estas dos fechas, dudosa o por lo menos discutible la primera y diáfana y concreta la segunda, como lo es la propia fatalidad, se tejió sobre la vida de aquel hombre una leyenda. Conocido en sus inicios como el Morocho del Abasto y llamado luego el Mago, el Mudo, el Zorzal y el Zorzal Criollo, o simplemente Carlitos, entre otros mil apodos menos frecuentados, Carlos Gardel no sólo nos ha dejado el legado maravilloso de su voz, de su pasión y su pinta, de su arte en suma; también se nos ha convertido o, mejor dicho, lo hemos convertido, poco a poco, entre todos, en el personaje central de una leyenda”. Sentir el tango. Tomo III. Altaya 1998.

Canciones: Buenos Aires. Yira, yira. Confesión. Duelo criollo. Taconeando. Adiós muchachos. Chorra. A la luz del candil. Mi noche triste. Milonga del 900.

Músicos: Carlos Gardel (voz). Ángel Riverol, Julio E. Vivas y Guillermo Barbieri (guitarras). Orquesta de Francisco Canaro.

Además: “El tango encontró su voz en Carlos Gardel y la voz de Carlos Gardel encontró su música en el tango. Es el momento de recordar la admirable y sutil observación de que con Carlos Gardel el tango había subido de los pies a la boca. El tango tuvo, entonces, algo que decir y no sólo algo que mover. Un ritmo que sólo nos mueve los pies no nos conmueve casi nunca el corazón. Antes que Carlos Gardel cantase Mi noche triste el tango fue, principalmente, un movimiento, una música bailable; después de Carlos Gardel, o, mejor, con Carlos Gardel, el tango se convirtió en la espiritualización de un movimiento, en una música para cantar y para oír. Gardel, haciéndolo hablar hizo que el tango se escuchara esencialmente por primera vez. Por eso bailar mientras Gardel canta es una atrocidad, pero si se comete, para cometerla de verdad, o sea, para bailar bien, es necesario no sólo oír lo que la música suena sino también y sobre todo, lo que el cantor está diciendo. Pienso, en este sentido, que la palabra de Carlos Gardel acentuó lo que había de lentitud reflexiva, de actitud oyente en el que bailaba un tango”. Guido Castillo. La palabra y el tango.

Más portadas: Gardel. Serie para coleccionistas vol. 1 al 32 (1924-1934). Carlos Gardel en Nueva York –El Gardelazo- (1983).

A Galicia de Maeloc (Ruada) 1980Milladoiro
Portada: diseño de Kukas. Diujos de Xosé M. Piñeiro y confección de Alberto Campo

Una historia: “Cuando a mediados del siglo V los anglosajones invadieron el sur de Inglaterra, los celtas bretones tuvieron que buscar una nueva tierra. Unos fueron para Armórica (Francia), y otros vinieron para las costas septentrionales de Galicia.
Trajeron con ellos lo que tenían: ganado, los muertos, su música, su estilo de vida, y una organización patriarcal y religiosa. Los lideraba el obispo Maeloc.
En la verda Galicia, que les recordaba los campos de su tierra, encontraron el hogar y una nueva patria. Y aquí quedaron ya para siempre”. X.R. Barreiro Fernández.

Otra: "Decir muiñeira es referirse en una sola palabra a lo que nos llevaría a un largo discurso. Y, al cabo, resumir todo lo que sentimos los que vivimos allí donde el mundo se llama Finisterre.
En este caso, la composición fue recogida de uno de estos grupos tradicionales que guardaron como oro, durante años, el tesoro de nuestro folclore. Os Areeiras de Catoira”. Introducción de Milladoiro a Muiñeira do areal.

Piezas: Danza de San Roque de Hio. Tecendo liño. Danza de Cariño. A Bruxa. Muiñeira do areal. Si Bheag si mhor-John Ryan’s polea. Rosalía. Alalá-Muiñeira. Danza de Astureses. Ila vai ó mar. Pasodoble do Berbés. Axeitame a polainita. Polcas (da Arousa e do Tapal).

Músicos: Xosé A. Fernández Méndez (flauta travesera), Laura Quintillán (violín), Antón Seoane (guitarra, acordeón y teclados), Rodrigo Romaní (arpa celta, guitarras, buzuki y ocarina), Xosé V. Ferreirós (gaita, oboe, uilean pipes, whistles, mandolina y buzuki), Moncho García (bodhram, tamboril y percusión) y Fernando Casal.(gaita, clarinete y whistles).

Además: La Fundación Otero Pedrayo publicó un libro dedicado al galardonado con Premio Trasalba 2006, que en esta edición recayó en el grupo gallego Milladoiro. La obra, Milladoiro. A Galicia de Maeloc, es una fotobiografía de la citada formación, realizada por el periodista Marcos Pérez Pena, con un texto laudatorio del editor Manuel Bragado como epílogo.