Años Dorados (Zafiro) 1980
Varios
Portada: Víctor Coyote




Una historia: “La apuesta por el pop de determinados sectores de la juventud de los años 80 permitió una nueva revisión, si alguna estuvo olvidada, de la música de la década de los sesenta, en el especial de la producida en las Islas Británicas, pues en este territorio insular no todo se limitó en aquellos años dorados a The Beatles y The Rolling Stones, por suerte para los aficionados al rock en general. Así en España, cuando la movida o nueva ola ya daba muestras de subir en el escalafón de la cultura popular de la nueva década, se pusieron a la venta colecciones discográficas como Años Dorados, dirigida por Diego A. Manrique y que conservó las portadas originales, que insistieron en la intemporalidad del mejor pop. La mayoría de los grupos y solistas eran conocidos, aunque los discos menos, porque bastantes elepés no fueron editados en la península Ibérica en su tiempo, pero con la revisión de una parte del mítico sello Pye más de uno o una se pudo poner al día en los comienzos de The Kinks, The Searchers, Donovan y Status Quo. Se agradecieron además las ediciones de discos de The Honeycombs, Rockin’ Berries y The Sorrows, auténticas sorpresas porque apenas eran conocidos, salvo en los círculos enterados. La compañía Pye comienza a funcionar en el ámbito de la venta discográfica a mediados de la década de los años 50 con un catálogo en el que se mezclan estilos como el jazz, el influyente skifflle y el pop británico. Sin embargo, a partir de 1960, Pye comienza su acertada política artística al distribuir las grabaciones de jóvenes músicos, éxito comercial que tiene continuidad hasta la década siguiente”. Sam Rock.

Otra: “En este disco recopilatorio del sello Pye se encuentran canciones que resisten muy bien el paso del tiempo como Sunny Afternoon, Tired Of Waiting For You y Lola, de The Kinks, Colours de Donovan, Sweets For My Sweet y He’s In Town de Rockin’ Berries, que conviven con otras como el número 1 de 1964: Have I The Right, The Honeycombs o el psicodélico Pictures Of Matchstick Men de Statuos Quo. En fin una mezcla de estilos, entre los que destaca el r&b, pop, folk, piscodelia y blues rock”. Sam Rock.

Canciones: Beautiful Delilah. Farmer John. Have I The Right. Love Potion Nº 9. Sunny Afternoon. He´s In Town. Colours. Sweets For My Sweet. Tired Of Waiting For You. Pictures Of Matchstick Men. David Watts. Keep On Trukin. Down The Dustpipe. Lola.

Músicos: The Kinks, The Searchers, The Honeycombs, The Rockin’ Berries, Donovan y Status Quo.

Además: “La racha de aciertos dura hasta principios de los setenta, con Foundations, Mungo Jerry, Status Quo en las listas de ventas de medio mundo. Siguen años menos resplandecientes hasta llegar a 1980. Pye Records pasa a denominadores Precision Record And Tapes. El nombre desaparece pero la música que dio a conocer sigue hoy viva y palpitante”. Presentación de la colección Años Dorados.

Más portadas: The Kinks (1964), Meet The Searchers (1963), The Honeycombs (1964), Life Is Just A Bowl Of Berries (1965), What’ s End Did And What’s Bin Hid (1965) y Dog Of Two Head (1971).

Delta Blues, Shouts And Jump Songs By One Of The Last Great Delta Bluesmen
The Legacy of the blues vol. 6 (Discophon) 1972
Big Joe Williams
Portada: P. Viking


Una historia: “Como una rápida narración de todo esto, Joe nos describe así su vida:

“La vida y la estancia en los campamentos fueron escuálidas. Sucia colección de tiendas y cabañas, el trabajo exhaustivo, y la vida no fue nada fácil. En un campamento de leñadores, en medio de los pantanos, la empresa tenía su propio lupanar, dando algunas veces una mujer a algún hombre que pretendía extraviarse, a fin de retenerlo. El salario era de 1 o 1,5 dólares al día, y ningún hombre pudo nunca ahorrar nada, y sólo salían los sábados por la noche, a beber y a bailar al son de la guitarra de un hombre como Joe Williams. Si algún hombre moría asesinado, los otros se encargaban de sacarlo fuera del camino”. Joe, impulsado a ir de un campamento a otro, creció lo mejor que pudo. Durante su estancia en los campamentos trabajó de doce a dieciséis horas diarias arrastrando colchones podridos fuera de las grandes tiendas de campaña. Ellos tuvieron que buscar y encontrar gente analfabeta que quisiera vivir en el suelo, entre la hierba y el río, y tomar una comida o una mujer”. Sam Charters.

Otra: “Joe Williams fue, sin duda, uno de los grandes, tanto de su generación como del country blues en general. Como era habitual en los músicos de su juventud, Williams atendía a poca normas cuando se trataba de tocar blues, y prefería que la música cubriera las necesidades emocionales del momento. En ocasiones, esto otorgaba a su forma de tocar y cantar –tosca y sin artificios- una cualidad urgente y casi primitiva. No obstante, esto acentúa más su grandeza”. Keith Shadwick. Blues Keeping The Faith.

Canciones: I Been Wrong But I’ ll Be Right. Black Gal You’ re Sure Looking Warm. When I First Left Home. Little Annie Mae. Levee Break Blues. Hang Up On The Wall. Lone Wolf. This Heavy Stuff Of Mine. Tell My Mother. Big Fat Mama. Back On My Feet. Jefferson And Franklin Blues.

Músicos: Big Joe Williams (guitarra y voz).

Además: “A lo largo de los años cincuenta fue de aquí para allá, entre St. Louis, Chicago y Mississippi, conservando su fama entre el gran público al grabar algún disco cada dos o tres años. Aparte de añadir un pickup eléctrico, su estilo nunca cambió en esencia, ni tampoco su actitud ni su turbulenta vida. A pesar de su conducta ruda, se movió con facilidad durante el resurgimiento del folk y el blues de los años sesenta e hizo numerosas apariciones en conciertos y giras. Siguió actuando, viajando por todas partes y viviendo de la misma manera en que siempre había vivido hasta poco antes de su muerte, en 1982”. Lawrence Cohn. Solamente Blues.

Más portadas: Piney Woods Blues (1958), Blues On The Highway 49 (1961), Tough Times (1961), Early Recordings 1935-1941 (1965), Stavin’ Chain Blues (1966) y Big Joe Williams And Sonny Boy Williamson (1969).

The Bootleg Series Volumes 1-3 (rare&unreleased) 1961-1991 Columbia (1991)
Bob Dylan
Portada: fotografía de Don Hunstein




Una historia: “Por el contrario, la edición de The Bootleg Series sirve para recuperar un tanto el interés por su música. Los cinco LP’s, o tres compactos del volumen –que hacen los números 1, 2 & 3, al contarse por separado de cara a nombrar futuras ediciones de la colección recuperan parte del material perdido, desechado o misteriosamente calificado como sobrante de algunas sesiones de grabación ya míticas, como la de Blood on the track, y desvelan muchas claves secretas sobre su trabajo. No es una mera maniobra comercial; Dylan siempre ha grabado material en exceso y no siempre se ha dejado llevar por la lógica a la hora de elegir qué temas eran incluidos oficialmente en sus discos y cuáles se dejaban a disposición de pirateadotes”. Darío Vico. Bob Dylan. Una introducción. Guías efe eme. Número 1. 2005.

Otra: “Si se acepta la relación entre la obra de Dylan y la sociedad en que aquella ha sido producida, resulta obvio el motivo del carácter progresivamente caótico de la poesía de sus canciones; éste no sería reflejo de una madurez en el estilo de Dylan –como lo es su evolución musical-, sino de una crisis profunda provocada por el derrumbamiento de una visión del mundo que nunca había tenido demasiados motivos para sostenerse en pie. Pero la crisis interior de Dylan iba a verse enmarcada por su conversión en un show viviente, por su transformación en un hombre rico y famoso, por su mitificación a nivel mundial. Y todo esto iba a tener una brusca detención con el accidente de moto que provocó un silencio de más de un año en la obra musical de Dylan”. Ludolfo Paramio/Antonio Resines. Bob Dylan. George Jackson y otras canciones. Visor. 1972.

Canciones: Hard Times In New Cork Town. He Was A Friend Of Mine. Man On The Street. No More Auction Block (Late 1962). House Carpenter. Talkin’ Bear Mountain. Let Me Die In My Footsteps. Rambling Gambling Willie. Talking’ Hava Negeilah Blues. Quit Your Low Down Ways. Worried Blues. Kingsport Town. Walkin’ Down The Line. Walls Of Red Wing. Paths Of Victory. Talkin’ John Birch Paranoi Blues. Who Killed Davey Moore?. Only A Hobo. Moonshiner. When The Ship Comes In. The Times They Are A-changing. Last Thoughts On Woody Guthrie. Seven Curses. Eternal Circle. Suze (The Cough Song). Mama, You Been On My Mind. Farewell Angelina. Subterreanean Homesick Blues. If You Gotta G, Go Now (Or Else You Got To Stay All Night). Sitting On A Barbel Wire Fence. Like A Rolling Stone. I Takes A Lot To Laughe. It Takes A Train To Cry. I’ll Keep It With Mine. She’s Your Lover Now. I Shall Be Realesed (Fall 1967). Santa-Fe (Fall 1967). If Not For You. Wallflower. Nobody’ Cept You. Tangled Up In Blue. Call Letter Blues. Idiot Wind. If You See Her, Say Hello. Goldem Loom. Catfish. Seven Days. Ye Shall Be Changed. Every Grain Of Sand. You Changed My Life. Need A Woman. Angelina. Someone’s Got A Hold Of My Heart. Tell Me. Lord Protect My Child. Fool Of Pride. Blind Willie McTell. When The Night Comes Falling From The Sky. Series Of Dreams.

Músicos: Bob Dylan (guitarras, armónica, piano y voz), Al Gorgone (guitarra), Kenny Rakin (guitarra),Paul Griffen (teclados), Joseph Macho Jr. (ajo), Bobby Gregg (batería), Mike Bloomfield (guitarra), Al Kooper (órgano), Paul Griffen (piano), Harvey Brooks (bajo), Bobby Gregg (batería), Rick Danko (bajo), Robbie Robertson (guitarra), Garth Hudson (órgano), Richard Manuel (piano), Levon Helm (batería), Sandy Konikoff (batería), George Harrison (guitarra), Charlie Danields (bajo), Russ Kunkel (batería), Ben Keith (pedal steel guitar), Kenny Buttrey (batería), Russell Bridges (bajo), Tony Brown (bajo), Charlie Brown III (guitarra), Eric Weissberg (guitarra), Barry Kornfield (guitarra), Thomas McFaul (teclados), Tony Brown (bajo), Richard Crooks (batería), Scarlet Rivera (violín), Rob Stoner (bajo), Howie Wyeth (batería), Emmylou Harris (voz), Eric Frandsen (slide guitar), Sugarblue (armónica), T-Bone Burnett (guitarra), Seven Soles (guitarra), Mick Ronson (guitarra), Bobby Neuwirth (guitarra), David Mansfield (madonlina), Gary Burke (congas), Mark Knopfler (guitarra), Barry Becket (teclados), Tim Drummond (bajo), Pick Withers (batería), Fred Tackett (guitarra), Jennifer Warnes (voz), Ben Tenh (órgano), Jim Keltner (batería), Clyde King (voz), Regina Havis (voz), Carolyn Dennos (voz), Mick Taylor (guitarra), Alan Clark (teclados), Robbie Shakespeare (bajo), Sly Dunbar (batería), Full Force (voces), Little Steven (guitarra) y Roy Bittan (teclados).

Además: “Su actuación en el festival de la isla de Wight más adelante, en verano de 1969, no tuvo tan buena acogida; la producción de la grabación fue verdaderamente atroz, con The Band arrinconados en el fondo y la voz de Dylan, confusa e insegura, propulsada a la fuerza al primer plano. El proyecto de disco en directo fue arrinconado pero cuatro temas acabarían formando parte del disco Self Portrait de Dylan en 1970 (Columbia). Muchas de las ediciones piratas del concierto de la isla de Wight eran infinitamente mejores, ya que reflejaban la manera en que el público pudo escuchar la actuación, a veces enajenada, en otras demasiado ceñida y mezquina. De todos esos documentos, el mejor tema (que figura en Crossing) es Hihhway 61 Revisited, con Garth al volante del tema a lo largo de virajes cerrados mientras los demás exclaman Out On Highway 61! como si fueran adictos al polvo de ángel que quisieran arrastrar a los turistas a la peor casa de putas de Tijuana”. Greil Marcus. Mystery Train. Círculo de Lectores. 2003.

America’s Choice (Grunt) 1975
Hot Tuna
Portada: Frank Mulvey

Una historia: “Viéndolos, uno tiene la impresión de asistir a un duelo de guitarras que van elaborando un rock extraño y ciertamente más original que el habitualmente escuchado en sus anteriores discos de ambos intérpretes junto a Slick/Katner. Las guitarra, de diferentes formas, colores y sonidos se van alternando durante la actuación en las manos de ambos músicos y tanto Jorma Kaukonen como Jack Casady han alcanzado un punto desmesurado en la tecnificación de sus instrumentos rodeándose de un impresionante número de cajas distorsionadotas para cada una de sus guitarras, ya sean bajo o guitarra solista. Fenders, Grettchs, Gibson, Rickembackers, construidas especialmente para ellos, se alinean en impresionante formación detrás de los Hot Tuna, apoyados contra los amplificadores ante los admirados ojos de sus espectadores”. Freak Molina. Rock Californiano. Rock Comix. 1976.

Otra: “Con una formación inestable salvo por los dos fundadores en los primeros años, la carrera de Hot Tuna pasará por diversas alternativas. El violinista Papa John Creach formará también en la banda antes de unirse a Jefferson Airplane definitivamente. En 1975, Sammy Piazza dejará el puesto de batería a Bob Steeler. Al final de los años 70, Hot Tuna entrará en el declive final de su carrera”. Jordi Sierra y Fabra. 1981

Canciones: Sleep Song. Funky #7. Walkin’ Blues. Invitation. Hit Single #1. Serpent Of Dreams. I Don't Wanna Go. Great Divide: Revisited.

Músicos: Jorma Kaukonen (guitarra y voz), Jack Casady (bajo y voz) y Bob Steeler (batería).

Además: “Jorma Kaukonen y Jack Casady desde la década de 1990 continuaron reuniéndose bien para grabar algún disco o para tocar en directo. En la actualidad, ambos músicos forman parte de Electric Hot Tuna with Barry Mitterhoff & Erik Diaz, que realiza periódicas giras por Estados Unidos, aunque Jorma Kaukonen no renuncia a seguir tocando la guitarra acústica y a participar en solitario en festivales que se organizan en diferentes continentes”. Sam Rock.

Tales Of Mystery And Imagination (20TH Century Fox) 1976
The Alan Parsons Project
Portada: Hipgnosis y Hardie



Una historia: “Alan Parsons. Tiene el tipo de carrera musical que se lee como un cuento de hada. El primer álbum en el que participó como ingeniero ayudante fue Abbie Road de los Beatles. Después de su separación fue como ingeniero de los álbumes de Wings de Paul McCartney como Wildlife y Red Rose Speedway y los discos HI Hi Hi y C. Moon. Otros artistas con los que ha trabajado incluyen los Hollies con los que hizo 5 LPs y los dicos de He Ain’t Heavy, He’s My Brother y The Air That I Breathe.
Pero el grupo que le dio más alcance a su ingeniería fue Pink Floyd y su contribución al legendario Dark Side Of The Moon que le dio una nominación Grammy.
El siguiente paso para Alan fue, lógicamente convertirse en productor y disfrutó casi inmediatamente de su éxito con Steve Harley, los álbumes Psycchomodo de Cokeney Rebel y Best Years Of Our Lives y los discos Judy Teen, Mr. Sofá y (Come Up And See Me) Make Me Smile. Su disco piloto Magic alcanzó los cinco puestos en EEUU: su siguiente Jaunary fue numero uno en Gran Bretaña”. Presentación de Allan Parsons en su en el interior de la carpeta de Tales Of Mystery…

Otra: “Su primera obra conjunta serías Tales Of Mystery And Imagination (1976), basado en la vida y la obra de Edgar Allan Poe. El éxito de este LP, grabado con músicos de los grupos producidos por Alan, como Arthur Brown, John Miles, Ferry Silvestre y otras cantantes solistas, consagró la idea de Parsons.
Su siguiente paso fue firmar por el sello Arista. I Robot (1976) fue el primero de sus grandes éxitos, otro LP conceptual con Allan Clarke, Steve Harley y Jack Harris, entre otros, como cantantes”. Jordi Sierra i Fabra.

Canciones: ADream Whitin A Dream. The Raven. The Tell-Tale Herat. The Cask Of Amontillado. (The System Of) Doctor Tarr And Profesor Fether. The Fall Of The House Of Usher. Prelude. Arrival. Intermezzo. Pavane. Fall. To One In Paradise.

Músicos: Ian Bairnson, David Paton, David Pack y Alan Parsons (guitarras), Stuart Tosh y Burleigh Drummond (batería), Billy Lyall, Christopher North, Eric Woolfson, Andrew Powell, Francis Monkman y Alan Parsons (teclados), David Paton y Joe Puerta (bajo), Darry Runswick (contrabajo), John Leach (címbalo y cantele). John Miles, Arthur Brown, Alan Parsons, Ferry Silvestre, Leonard Whiting, Jack Harris, Eric Woolfson, Jane Powell, Samokey Parsons, Stuart Tosh y The English Chorus (voces). En la grabación del disco participaron también 200 músicos.

Además: “El prestigioso ingeniero y productor Alan Parsons (The Beatles, Pink Floyd, Al Steward, The Hollies, Paul McCartney, Alan Parsons Project) imparte hoy un seminario y workshops exclusivo en SAE Nashville. Está previsto que en breve Parsons inicie una gira europea por distintas sedes de SAE Institute en el viejo continente. Los alumnos de una de nuestras sedes norteamericanas tendrán la magnífica oportunidad de asistir a una clase de manos de una de las leyendas de la industria del audio de los últimos 20 años”. Anuncio de SAE Institute.

Más portadas: I Robot (1976), Pyramid (1978), Eve (1979), The Turn Of A Friendo Car (1980), Eye In The Sky (1982), Ammonia Avena (1984), Vulture Culture (1985), Stereotomy (1986) y Gaudi (1987).

Carlos Gardel (Odeón EMI). Reconstrucción técnica 1956
Carlos Gardel
Portada: archivo Odeón

Una historia: “La figura de Carlos Gardel es inclasificable. El inventa el tango cantado, protagoniza su evolución y, según pensamos algunos, su muerte. Es imposible escuchar sin desdén cualquier versión de un tango ya grabado por Gardel...
Decenas de sociólogos argentinos se han deshecho el magín buscando explicaciones al fenómeno de su pervivencia. En vano. Es más fácil: hay que escucharlo. Eso no tiene nada que ver con ningún otro cantor pese a los cincuenta o más años que soportan sus grabaciones. Quienes lo conocieron directamente dicen algo parecido de su personalidad. Durruti, Mozart, Rosetti, el citado don Ramón, Artaud, Gardel…Otra especie con la que poco tenemos que ver”. Javier Barreiro. El tango. Ediciones Júcar. Los Juglares.

Otra: “Carlos Gardel nació el 11 de diciembre de 1890 y murió el 24 de junio de 1935. Entre estas dos fechas, dudosa o por lo menos discutible la primera y diáfana y concreta la segunda, como lo es la propia fatalidad, se tejió sobre la vida de aquel hombre una leyenda. Conocido en sus inicios como el Morocho del Abasto y llamado luego el Mago, el Mudo, el Zorzal y el Zorzal Criollo, o simplemente Carlitos, entre otros mil apodos menos frecuentados, Carlos Gardel no sólo nos ha dejado el legado maravilloso de su voz, de su pasión y su pinta, de su arte en suma; también se nos ha convertido o, mejor dicho, lo hemos convertido, poco a poco, entre todos, en el personaje central de una leyenda”. Sentir el tango. Tomo III. Altaya 1998.

Canciones: Buenos Aires. Yira, yira. Confesión. Duelo criollo. Taconeando. Adiós muchachos. Chorra. A la luz del candil. Mi noche triste. Milonga del 900.

Músicos: Carlos Gardel (voz). Ángel Riverol, Julio E. Vivas y Guillermo Barbieri (guitarras). Orquesta de Francisco Canaro.

Además: “El tango encontró su voz en Carlos Gardel y la voz de Carlos Gardel encontró su música en el tango. Es el momento de recordar la admirable y sutil observación de que con Carlos Gardel el tango había subido de los pies a la boca. El tango tuvo, entonces, algo que decir y no sólo algo que mover. Un ritmo que sólo nos mueve los pies no nos conmueve casi nunca el corazón. Antes que Carlos Gardel cantase Mi noche triste el tango fue, principalmente, un movimiento, una música bailable; después de Carlos Gardel, o, mejor, con Carlos Gardel, el tango se convirtió en la espiritualización de un movimiento, en una música para cantar y para oír. Gardel, haciéndolo hablar hizo que el tango se escuchara esencialmente por primera vez. Por eso bailar mientras Gardel canta es una atrocidad, pero si se comete, para cometerla de verdad, o sea, para bailar bien, es necesario no sólo oír lo que la música suena sino también y sobre todo, lo que el cantor está diciendo. Pienso, en este sentido, que la palabra de Carlos Gardel acentuó lo que había de lentitud reflexiva, de actitud oyente en el que bailaba un tango”. Guido Castillo. La palabra y el tango.

Más portadas: Gardel. Serie para coleccionistas vol. 1 al 32 (1924-1934). Carlos Gardel en Nueva York –El Gardelazo- (1983).

A Galicia de Maeloc (Ruada) 1980Milladoiro
Portada: diseño de Kukas. Diujos de Xosé M. Piñeiro y confección de Alberto Campo

Una historia: “Cuando a mediados del siglo V los anglosajones invadieron el sur de Inglaterra, los celtas bretones tuvieron que buscar una nueva tierra. Unos fueron para Armórica (Francia), y otros vinieron para las costas septentrionales de Galicia.
Trajeron con ellos lo que tenían: ganado, los muertos, su música, su estilo de vida, y una organización patriarcal y religiosa. Los lideraba el obispo Maeloc.
En la verda Galicia, que les recordaba los campos de su tierra, encontraron el hogar y una nueva patria. Y aquí quedaron ya para siempre”. X.R. Barreiro Fernández.

Otra: "Decir muiñeira es referirse en una sola palabra a lo que nos llevaría a un largo discurso. Y, al cabo, resumir todo lo que sentimos los que vivimos allí donde el mundo se llama Finisterre.
En este caso, la composición fue recogida de uno de estos grupos tradicionales que guardaron como oro, durante años, el tesoro de nuestro folclore. Os Areeiras de Catoira”. Introducción de Milladoiro a Muiñeira do areal.

Piezas: Danza de San Roque de Hio. Tecendo liño. Danza de Cariño. A Bruxa. Muiñeira do areal. Si Bheag si mhor-John Ryan’s polea. Rosalía. Alalá-Muiñeira. Danza de Astureses. Ila vai ó mar. Pasodoble do Berbés. Axeitame a polainita. Polcas (da Arousa e do Tapal).

Músicos: Xosé A. Fernández Méndez (flauta travesera), Laura Quintillán (violín), Antón Seoane (guitarra, acordeón y teclados), Rodrigo Romaní (arpa celta, guitarras, buzuki y ocarina), Xosé V. Ferreirós (gaita, oboe, uilean pipes, whistles, mandolina y buzuki), Moncho García (bodhram, tamboril y percusión) y Fernando Casal.(gaita, clarinete y whistles).

Además: La Fundación Otero Pedrayo publicó un libro dedicado al galardonado con Premio Trasalba 2006, que en esta edición recayó en el grupo gallego Milladoiro. La obra, Milladoiro. A Galicia de Maeloc, es una fotobiografía de la citada formación, realizada por el periodista Marcos Pérez Pena, con un texto laudatorio del editor Manuel Bragado como epílogo.

Heavy Metal (CBS) 1975
Johnny Winter. Edgar Winter. Rick Derringer. Blue Oyster Cult. Aerosmith. R.E.O. Speedwagon. Steppenwolf. Iggy Pop
Portada: Diseño de Santiago Monforte. Foto de F. Ontañón

Una historia: “Riff-rock. Downe-rock. Cock Rock. Heavy rock. Caliente, caliente. Yo prefiero HEAVY METAL porque es una denominación menos peyorativa que las tres primeras y tiene un fuerte poder de evocativo. William Burroughs fue en esto, como en muchas otras cosas, el precursor: en Nova Express aparece un personaje conocido como Willie The Heavy Metal Kid. Años después, Lester Bang resucitó el término para designar la música de ciertas bandas que venían de Inglaterra: Black Sabbath, Deep Purple, Uriah Heep, May Blitz, Spray. Y es que los británicos fueron los primeros en crear una música que mereciera el calificativo de METAL PESADO: a mediados de la decada pasada (de los sesenta), Shel Talmy producía los primeros clásicos del género, You Really Got Me (Kinks) y My Generation (Who). Pero los grupos responsables no desarrollaron aquel estilo machacón y violento: ese honor le corresponde a un grupo maldito llamado los Yarbirds, del que descendieron tres bandas dirigidas por los magos que tocaron la guitarra allí. Cream superó las limitaciones del trío y entronizó el riff, el Jeff Group Group nos acostumbró a lo inesperado y desarrolló la relación entre guitarra y cantante solista y finalmente Led Zeppelin, que fueron responsables de introducir en las listas tras de extraer lo mejor de los dos anteriores”. Diego A. Manrique. Presentación del disco doble Heavy Metal, editado en España por la compañía CBS.

Otra: “La selección realizada para este doble elepé titulado Heavy Metal recoge piezas de grupos y solistas norteamericanos que por su dureza se encuadran en dicho estilo, en algunos casos, o se aproximan en la mayoría. Así Stooges con su nihilismo musical preparaba el terreno al futuro punk, mientras que R.E.O. Speedwagon entraba sin complejos en el denominado rock orientado a los adultos (AOR). Por su parte Johnny Winter siempre ha mantenido, salvo excepciones, predilección por el blues, pero su hermano buscó más el éxito mediante una música comercial pero elaborada. Aerosmith conserva el estatus de banda dura pero encumbrada, como si de unos Rolling americanos se tratasen. Blue Oyster Cult sobrevive con su mezcla de estilos de diferentes décadas. Steppenwolf permanece en el tiempo sólo por su Born To Be Wild, de 1968, todo un himno que, entre otras cosas, sirvió de banda sonora a la película Easy Rider, y por extensión a los moteros de todo el mundo. Por último, Rick Derringer no fue capaz de quitarse de encima el éxito de la canción Rock And Roll Hoochie Koo, que ha ocultado su faceta de excelente guitarrista y compositor”. Sam Rock.

Canciones: Rock And Roll People. Queen Of My Dreams. Train Kept A Rillin’. Rock And Roll Hoochie Koo. The Chains Away. Cities On Flame With Rock And Roll. Search And Destroy. Rock And Roll Woman. Gipsy Woman Passion. Still Alive And Well. Career Of Evil. Me 262. Do Your Best. SOS (Too Bad), Slide On Over Slinky. Mind Over Matter. Some Kinda Animal. Gang War Blues. Hot Trails To Hell. Oh Woman. Song And Dance.
Músicos: Johny Winter. Edgar Winter. Rick Derringer. Blue Oyster Cult. Aerosmith. R.E.O. Speedwagon. Steppenwolf. Iggy Pop.

Además: “El heavy metal se caracteriza por darle un mayor protagonismo a las guitarras eléctricas, por lo menos en la década de 1970, punto de partida de otros movimientos musicales que parecían que iban a desterrar a este estilo al cuarto trastero del rock y sus derivados. Sin embargo, en los años ochenta del siglo pasado el heavy alcanza su plena hegemonía con la incorporación de nuevas generaciones de músicos, quienes con el paso de tiempo tenderán a estandarizarse en el ámbito de las listas de éxitos. Otros seguirán senda del rock indomable mediante la creación de estilos más agresivos y sin concesiones a las modas”. Sam Rock.

Más portadas: Captured Live (1976) –Johny Winter-, They Only Come Out At Night (1972) –Edgar Winter-, All American Boy (1974) –Rick Derringer-, Secret Treaties (1974) –Blue Oyster Cult-, Toys In The Atic (1975) –Aerosmith-, REO Two (1972) –REO Speewagon-, Steppenwolf (1968) –Steppenwolf- y The Idiot (1977) –Iggy Pop-.

 Jerry Roll Morton (Zarabandas) 1985

 Jerry Roll Morton
 Portada: M. Cambiéri

Una historia: "Jelly Roll Morton ofreció sus extraordinarios recuerdos biográficos acompañado de su piano. Aunque se reconoce en Morton un músico muy importante de la historia del jazz, se la han dado menos importancia a sus andanzas como pianista barrelhouse. Las descripciones y la música de Morton de principios de los años diez (como se las ofreció a Lomax) proporcionan una incomparable visión del desarrollo del piano ragtime y blues de un intérprete experto. Su repertorio barrelhouse incluía Alabama Bound, Salty Dog, Hesitation Blues (grabado como If Was Whiskey And You Want Duck) y C.C. Rider, todas ellas interpretadas por Leadbelly ara Lomas en 1935. Además, Morton grabó material obsceno como The Dirty Dozen, The Winding Boy, Make Me A Ballet On The Floor y The Murder Ballad. Sus monólogos y diálogos con ilustraciones musicales arrojan luz sobre los primeros blues y Buddy Bolden en New Orlean, las tabernas y los pianistas de Beale Street, Memphis y la relación entre jazz y blues. También grabó unas cuantas piezas de blues propiamente dicho, como Leave Rambler Blues, Low Down Blues, Game Kid Blues y Mamie Desdoumes’ Blues”. Lawrence Cohn. Solamente Blues. Odín Ediciones. 1996.

Otra: “Hacia 1930 su música era considerada un anacronismo. Este desfase no debe ocultar que este criollo altivo, vividor y jugador es uno de los pianistas de jazz y, plausiblemente, su primer compositor de envergadura. Su pretensión de haber inventado el jazz, sin dudad exagerada, contiene un fondo innegable: cristalizó la pluralidad musical neorleanesa, principalmente el ragtime y el blues, pero también los aires de las cuadrillas, las marchas, los ritmos de habanera o, incluso, las influencias europeas, en una elaborada forma inequívocamente jazzística”. Federico García Herraiz. Los 100 mejores discos de jazz. Editorial La Máscara. 1993.

Canciones: Black Bottom Stomp. Grandpa’s Spells. Original Jerry- Roll Blues. Doctor Jazz. Cannon Ball Blues. Wolverine Blues. Mr. Jerry Lord. Kansas City Stomp. Shoe Shiner’s Drag. Deep Creek. Oh Didn’t He Rambla. High Society. I Thougt I Heard Buddy Bolden Say. Winin’ Boy Blues. West End Blues. Ballin’ The Jack.

Músicos: Jerry Roll Morton, 1890-1941 (piano y voz), George Mitchell (corneta), Kid Orby (tuba) Omer Simeon (clarinete), Johnny St. Cyr (banjo), John Lindsay (bajo), Andrew JHilaire (batería), Clarence Black (violín), Wright Smith (violín), Ward Pinkett (trompeta), Geechie Fields (tuba), Lee Blair (banjo), Bill Benford (tuba), Tommy Benford (batería), Johnny Doods (clarinete), Baby Dodds (batería), Ed Anderson (trompeta), Edwin Swayzee (trompeta), William Cato (tuba), Russell Procope (clarinete), Rusell Procope (clarinete), Lee Blair (guitarra), Bass Moore (tuba), Manzie Jonson (batería), Paul Barnes (saxofón), Joe Garland (saxofón), Sidney De Paris (trompeta), Claude Jones (tuba), Albert Nicholas (clarinete), Sidney Bechet (saxofón), Happy Cauldwell (saxofón), Lawrence Lucy (guitarra), Wellman Braud (bajo), Zuggy Singleton (batería), Fred Robinson (tuba) y Albert Nicholas (clarinete). Grabaciones de 1926, 1927, 1928 y 1939, en Chicago y New York.

Además: “¿Qué era lo que agobiaba a Mr. Jelly Roll Morton, el más importante líder de Hot Band de los años veinte, cuando se trasladó a New York en la cumbre de su popularidad, hacia 1928?
En mayo de 1938 tras pasar varios años de estrecheces, Morton se sentó ante un micrófono en la Biblioteca del Congreso para relatar la historia de su vida al especialista al especialista en música popular, Alan Lomas.
Siendo de Nueva Orleáns, Morton conocía bien todo lo relativo al vudú y describió, según sus propias palabras, la manera en que estas fuerzas misteriosas fueron utilizadas para precipitar su caída”. Robert Crumb. Jelly Roll Morton’s Voodoo Curse (cómic).

Más portadas: Classics (1923), The Piano Solos (1923), Mr. Jelly Roll (1930) y The Library Of congreso Recording vol 1-8 (1938).

Tattoo (Polydor) 1973Rory GallagherPortada: ilustración de Robin Lawie. Fotos de Michel Putland & Richard Upper


Una historia: “De entrada Rory atacó con fuerza total lo más selecto de sus piezas de garra, el Tattoo Lady y el Crade Rock entre otros. Armado con su guitarra vieja y raída entronizó un climax de fuerza toral en el que la gente entró netamente en situación. Ferry MacAvoy estuvo excelente al bajo respaldando en todo momento la acción de Rory y estableciendo con él diversos fraseados de bella factura. Lou Martin con los teclados fue el soporte rítmico de contrapunto jazzístico en la música de la banda, como le vimos la otra vez. En cuanto a Rod de Ath fue un poco la sorpresa ya que el batería gris y endeble de hace un año ha ganado mucho y sin ser aún nada del otro mundo, si ofrece una mayor visión de contundencia y sobriedad en su labor.
Tras casi 45 minutos de ritmo puro y vivo, Gallagher dejó la guitarra eléctrica y tomó la acústica que tocó con un dedo de metal. Fueron tres temas de buena labor en solitario ya que la banda se retiró dejando a Rory solo en el escenario. Como artista completo que es, Rory muestra en estos pasajes toda su capacidad. Tras los tres temas vuelve la banda, y para introducir nuevamente el ritmo, con la mandolina ejecuta una extraordinaria pieza que la gente coreó y marcó con palmas desde el comienzo”. Crónica de Jordi Serra I Fabra sobre una actuación en Barcelona de Rory Gallagher. Popular 1. 1975.

Otra: “Sí, me preocupa lo que ocurre en Irlanda, naturalmente, pero sólo como espectador interesado. No quiero ser político y en ningún lado hablo de ello. Yo por ejemplo soy católico, pero lo soy por nacimiento”. Rory Gallagher.

Canciones: Tattoo’ d Lady. Cradle Rock. 20.20 Vision. They Don’t Make Them Like You Anymore. Livin’ Like A Truker. Sleep On A Clothers-Line. Wo’s That Comino. A Million Miles Away. Admit It.

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, mandolina, armónica, saxos y voz), Ferry McAvoy (bajo), Lou Martin (teclados y acordeón) y Rod d’Ath (batería y percusión).

Además: “Tras la grabación del elepé Tatto, Rory Gallagher, como era habitual en su vida profesional, realizó actuaciones en directo por Irlanda que quedó recogida en el disco Irish Tour-74 y el documental del mismo título. A continuación seguiría de gira por Japón, Australia, Nueva Zelanda, Canadá, Estados Unidos y toda Europa, incluída España, país, donde eran habituales sus comparecencias ante el público aficionado al rock, sobre todo en Madrid”. Sam Rock.

L’ extraordinaire tour de France D’Adelard Rousseau, dit Nivernais la chef des coeurs, compagnon charpentier du devoir (Guimbarda) 1979
Malicorne
Portada: Fotografía de Sergio Gaudenti

Una historia: “La extraordinaria vuelta a Francia de Adelard Rousseau es el quinto álbum de Malicorne. Al igual que sucediera con Almanach, gira alrededor de una idea, que al hilo de la narración de Gabriel Yacoub, además de recoger una serie de canciones y ritmos característicos de distintas regiones de Francia, reaviva una interesante historia de las organizaciones gremiales francesas.
El motivo central resulta de tal interés que preferimos dejar para otro álbum de Malicorne las posibles disquisiciones sobre el grupo y no distraer con ellas la trama de la historia del compañerismo. Es en álbumes como el presente donde el folk cobra su más amplio significado”. Manuel Domínguez, presentación del disco en el sello Guimbarda.

Otra: “Era aprendiz de carpintero en Nevers, mi ciudad natal. Allí mi padre, Clemente Rousseau, había ejercido esta profesión durante cuarenta años. El me inicio en el oficio despertando en mí el interés por este trabajo y haciendo que le cogiera gusto.
Después de pasar dos años en casa de diferentes maestros, mal alimentado, peor pagado, recibiendo constantes malos tratos, decidí marchar a París, donde sabía que hacían falta carpinteros”. Comienzo del diario de Adelard Rouseau.

Canciones: La conduite. La danse des damnés. Le mari jaloux La valse druze. Si l'amour prenait racine.Une fille dans le désespoir. Les couleurs. À Paris la grande ville. Compagnons qui roulez en Provence. La complainte du coureur de bois. L'auberge sanglante. Le départ des compagnons La conduite.

Músicos: Gabriel Yacoub (guitarras acústica y eléctrica, bajo, mandolina, autoarpa y voz), Marie Yacoub (viela, espineta de los Vosgos, culcimer y voz), Hugues de Courson (gaita, órgano positivo, glockenspiel, armonium y voz), Laurent Vercambre (violín, vilonchelo, mandolina, guitarra, mandoleón, mandolonchelo, clarinete y voz) y Olivier Zdrzalik (bajo y voz). Dan Ar Bras (guitarra eléctrica solista), Michel Santangeli (batería), Jean Daniel Mercier (arreglos de fanfarria) y Bruno Menny (órgano y efectos especiales).

Además: “Ya voy llegando a París y estoy a punto de terminar mi vuelta a Francia. Es una experiencia que le deseo a todo el mundo.
No voy a decir que mi conducta ha sido irreprochable, pero he respetado las reglas del deber en sus mínimos detalles.
La única multa que tuve que pagar fue…una canción. Evité siempre que pude las peleas entre compañeros y prefería usar mi bastón para andar, sin manchas las cintas con sangre de los Gavots, a quienes, sin embargo, me había enseñado a odiar.
Como componía canciones, adquirí pronto fama de nombre amigable; siempre me pedían que participase en las celebraciones en honor de compaleros que partían y en los banquetes de los albergues donde residía.
Se me ha hecho una despedida por todo lo alto en Lyon; la cadena de la alianza. ¡Hasta músicos había! ¡Qué apoteosis! Todavía estoy emocionado.
Una vez que me haya presentado en la cofradía de los carpinteros del Deber para testimoniarles mi agradecimiento volveré a mi hogar con un espléndido certificado de honor en pergamino y alabando mis cualidades profesionales”. Última jornada del diario de Adelard Rousseau.

Cuarenta años después (12)

Discos de 1967

 Younger Than Yesterday (Columbia) 1967
The Byrds
Portada: fotografía de Frank Bez

Una historia: “El cuarto álbum de The Byrds es el más completo porque enseña todas sus caras. Amantes de la música tradicional inspirados y aglutinados por la beatlemanía, siempre fueron valientes y atrevidos. Inventaron el folk-rock con sus armonías vocales electrizando a Bob Dylan en sus dos primeros álbumes y abrieron las compuertas de la experimentación invocando a John Coltrane y Ravy Shankar en Fith Dimension (1966) y Younger Than Yesterday les fotografía en un glorioso hiato en que comienzan a desenterrar sus raíces, pero sin abandonar del todo ni la psicodelia (el raga-rock Mind Gardens), ni la hibridación (la trompeta de (Hugh Masekela dialoga con la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger MgGuinn en Sou You Want To Be A Rock ‘N’ Star) ni la sombra de Dylan (la lucidez de MgGuinn dirige una excepcional lectura de My Back Pages.
Chris Hillman excava bluegrass junto a Clarence White (The Girl With No Name) avisando del futuro inmediato (acabarían inventando el country-rock junto a Gram Prasons), a la vez que anticipa el indie rock ulterior de R.E.M. o Teenage Fanclub…David Crosby, además de articular la conciencia social desde el centro del happening califoniano, aporta su sofisticada experimentación melódica (Everybody’s Been Burned), que permite a la banda explotar su sensualidad psicodélica”. Guillermo Z. del Águila.

Otra:“Al margen de su contribución al rock de su país, los Byrds son el último gran grupo del reino de la inocencia pop y el primero en abrir las puertas del cielo y el infierno de las que hablaba Huxley. Su azorosa existencia retrata una época ansiosa de experiencias”. José María Rey

Canciones: So You Want To Be A Rock ‘N’ Roll Star. Have You Seen Her Face. C.T.A.-102. Renaissance Fair. Time Between. Everybody’s Been Burneo. Thoughts And Words. Mind Gardens. My Back Pages. The Girl With No Name. Why.

Músicos: Jim McGuinn (guitarra de doce cuerdas y voz), David Crosby (guitarra rítmica y voz), Cris Hillman (bajo y voz) y Michael Clarke (batería). Hugo Masekela (vientos), Vern Gosdin (guitarra acústica) y Clarence White (guitarra eléctrica).

Además: “Después de Younger Than Yesterday, en el seno del grupo The Byrds se producen cambios en su formación con la salida de David Crosby que deja a los pájaros en trío, sin contar los colaboradores, pero que graba el incuestionable The Notorius Byrd Brothers (1968). Con posteridad en el verano de ese mismo año, tras nuevos cambios, el estreno country-rock en larga duración titulado Sweetheart Of The Rodeo”, hito de un estilo que mantiene adeptos en diferentes generaciones de músicos”. Sam Rock.

En acción! (Dro) 1992
Los Flechazos
Portada: fotografía Dennos Holzbacher

Historia: “Cuarto LP de este grupo eternamente adolescente, y sin embargo en progresión constante e imparable. Por si fuera poco han grabado por fin en Londres, su sitio preferido después de León, con productor americano, David Gynes (el mismo de Surfin Bichos y Los Del-Tonos). El resultado es inmejorable: por si cabían dudas, en este disco suenan realmente rotundos, y sin perder un ápice de su frescura habitual.

Canciones como A toda velocidad, Tengo miedo, Ya me estoy cansando, Go-go girl o Lágrimas negras con su sentido del ritmo y su efervescencia pop te vuelven las ganas de vivir y tener diecisiete años (si no los tienes los vuelves a vivir)”. Nota de promoción del elepé En acción.

Otra: “Podrás comprobar que Alejando mantiene su arrebatador entusiasmo, contagioso y sin embargo lleno de inocencia, la excitación por el ritmo y el baile, la fe del que se niega a entrar en el mezquino juego de las cifras en que se convierte a veces la música pop”. Nota de promoción.

Canciones: A toda velocidad .Vuelvo a casa. Tengo miedo. Me estoy cansando. La casa del reloj. Daño. Y olvídame. Go-go girl. Lágrimas negras. No juego. Fred Finley.

Músicos: Alejandro (guitarra y voz), Elena (órgano Hammond), Héctor (bajo y coros) y Pedro (batería). Glenn Thompson (percusión).

Además: “También encontrarás canciones de una extraordinaria densidad musical como Vuelvo a casa por primera vez un medio tiempo en las historia de Los Flechazos, y jugosos textos como La casa del reloj o Lágrimas negras, y un instrumental digno de acompañar a las mejores imágenes de la una peli de James Bond: Fred Finley. En definitiva, un extraordinario cuarto LP de los Flechazos que los colocará en el lugar que se merecen”. Nota de promoción.
Más portadas: Viviendo en la era pop (1988), En el club (1989) y ¡Preparados, listos…Ya!

Encontros e despedidas (Polydor) 1986
Milton Nascimento
Portada: Marcio Ferreira, Geraldo Leite y Haroldo Ramos


Una historia: “Aunque carioca por nacimiento, 26 de octubre de 1942, Milton Nacimiento es mineiro de formación y corazón: ‘crecí en Trés Pontas. Un pequeño pueblo entre campos, ríos y valles, a varios cientos de kilómetros de la capital, Belo Horizonte. Cuando llovía quedábamos aislados del mundo’. Ya de crío cantaba encaramado a una silla. Imitaba con su voz diferentes instrumentos musicales, ‘me sentaba con un pequeño acordeón e improvisaba historias en las que hacía las voces de todos los personajes’. Años más tarde se le podía encontrar amenizando bailes populares en el seno de grupos coo Luar de Prata o W’s Boys, ambos en la línea de los Platters”. Carlos Galilea Nin. Canta Brasil. Ediciones Cúbicas. 1990.
Otra: “A Milton no le agrada sentirse limitado a una actividad. Por eso, al hablar de sus proyectos se le ilumina el rostro. Y siempre hay ideas rondando por la cabeza. En 1983 abrió , en Belo Horizonte, la Escola Livre de Música de Minas cuyo objetivo era enseñar música popular, dejando que el alumno escogiera su propio camino con la mayor libertad. Otra realidad es el Trem Azul, programa musical de radio que se realiza en la sede de su productora Quilombo y que cede de forma gratuita a diversas emisoras con el propósito de ayudar a difundir la mejor música popular brasileña”. Carlos Galilea.

Canciones: Portal da cor. Caso de amor. Mar do nosso amor. Lágrima do Sul. Raça. Encontros e despedidas. Quem perguntou por mim. A primeira estrela. Vidro e corte. Rádio experiência.
Músicos: Milton Nascimento (guitarra, palmas y voz), Pat Metheny (guitarra-10), Hubert Laws (flauta- 7), Steve Slagle (saxofón), Ricardo Silveira (guitarra y orquestación), Marco Antonio Guimaraes (marimba, uakti y marinba d’Angelina), Luís Alves, Nico Assumpção, Sandrino Santoro y Candido (bajos), Paulo Sérgio Santos (marimba, tabla y tabla de pan), Mauro Senise (saxo alto), Espirito Santo (caxixi, ngoma y tumbadora), Samuka (caxixi, ngoma y sapo), Celso (flauta), Robertinho DaSilva (batería, percusión y palmas), Laudir DeOliveira (cencerro), Artur Andres de Ribeiro (flauta), Preto Do Cavaco (caxixi), Jaques Morelenbaum (chelo), Tulio Mourao (teclados), Ohana (percusión), Decio Ramos (marimba), Clara Sandroni (voz), Paulo Sérgio (batería), Robertinho Silva (percusión, batería y palmas), Ricardo Silveira (guitarra) y Wagner Tiso (teclados).
Además: “El ángel negro del Brasil, como se le llamó en Jazz Hot, ha sabido suscitar no sólo la admiración de sus paisanos sino también la de muchas personas que, en cualquier rincón del mundo, se emocionan con su música. Algunas tan respetadas como Wayne Shorter o Pat Metheny. El primero lo considera su hermano y le invitó a participar en el espléndido Native dancer (1975), disco en solitario del saxofonista que terminó convirtiéndose en un proyecto conjunto. El segundo confiesa sin rubor alguno: ‘Mi músico preferido es Milton’. Y añade, ‘cuando se toca una nota y se determina que no puede ser otra, se alcanza el corazón de la música, su inevitabilidad. Milton Nascimento es el perfecto ejemplo de la música con corazón y cada nota suya tiene una exacta resonancia”.Carlos Galilea.

Take No Prisioners (RCA) 1978
Lou Reed
Portada: Nazario

Una historia: “En Take las canciones están resueltas con un vigor envidiable –tanta riqueza en el arropamiento instrumental trae recuerdos del mejor Bruce Springteen-, pero lo que realmente choca –nunca mejor dicho- es cómo Lou realmente dirige una ceremonia de autodesmitificación que ignora límites y no concede perdones. Este álbum podría haber sido el complemento idóneo de Street hassle; sin embargo, es su consecuencia más directa, su inevitable secuela, en manos de un Lou Reed que, durante dos noches de primavera, frente al reducido aforo del club Botton Line, resucitó el espíritu de Jenny Bruce para conjugarlo con su incisiva labia”. Lou Reed. Rafael Cervera. Cátedra. Rock Pop. 1990.

Otra: “Lou Reed representaba para el rock la alternativa surgida tras la caída de Bob Dylan y la separación de los Beatles. Su voz se había elevado sobre el pandemonium sonoro de Velvet Underground con un timbre personal y tonos de un desprecio más desesperante aún que los del viejo Bobby Dylan. Sus poemas eran de una realidad tan deprimente que resultaban el acorde perfecto para el ritmo sin vida de los urbanitas apresados en la ciudad, para los drogados de traumas, para los marginados de la sociedad blanda, para los amantes de lo sadomasoquista y para los seguidores de lo excéntrico”. Freak Molina. Lou Reed & Velvet U. Rock Comix. 1976.

Canciones: Sweet Jane. I Wanna Be Black. Satellite Of Love. Pale Blue Eyes. Berlin. I’m Waiting For My Man. Coney Island Baby. Steet Hassle. Walk On The Wild Side. Leave Me Alone.

Músicos: Lou Reed (guitarra, Roland guitarra sintetizada y voz), Maty Fogel (saxofón eléctrico), Michael Fonfara (piano eléctrico), Stuart Heinrich (guitarra y voz), Ellard Moose Boles (bajo y voz), Michael Suchorsky (batería), Angela Howell (voz y pandereta) y Chrissy Faith (voz).

Además: “La carátula del disco doble en directo Take No Prisioners resultó ser un plagio de la portada y contraportada que el dibujante Nazario realizó en 1976 para el número 4 de Rock Comix, dedicado a Lou Reed y Velvet Underground. De la revista se sacaron también dibujos de otros artistas como Nazario, Rubiales y Stav para adornar una composición del interior de la carpeta. El disco se puso a la venta en España con una portada distinta que recogía una fotografía de Lou Reed durante una actuación”. Sam Rock.

Pasaje del agua (CBS) 1976
Lole y Manuel
Portada: Mariano Moreno




Una historia: “Pareja gitana formada por la cantaora Dolores Montoya Rodríguez (Sevilla 1954) y el guitarrista, compositor y cantante, Manuel Molina (Ceuta 1948). Se formó el dúo en 1972 y debutaron discográficamente en 1975, consiguiendo una resonancia enorme. Manuel había tocado con los Smash en 1971, época en que publicaron El garrotín. Lole, de la familia de los Montoya, poseía una voz de especial vibración flamenca. Tras varios años de triunfos, fuera de todo pronóstico, se separaron…Regresaron para hacer algunos conciertos puntuales. Lole, en solitario, llegó a ofrecer, como admiradora que es es de Om Kalsoum, un recital con la orquesta El Hilal en 1989. En 1994 han regresado con un nuevo disco en la misma línea de su anterior producción”. Pedro Calvo y José Manuel Gamboa. Historia-Guía del Nuevo Flamenco. Colección La Encrucijada. 1994.



Otra: “Manuel, tras la disolución de Smash, optó claramente por dar salida al inmenso pozo de sensibilidad, no sólo musical, sino también poètica, que contenía en su personalidad, y decidió unirse a su compañera Lole para forma uno de los dúos, indiscutiblemente, más importantes de la música y de la canción en castellano durante los años setenta y ochenta: Lole y Manuel.
Aquella fusión entre la sensibilidad y la profundidad humana y musical de Manuel, y el arte jondo, potente y descaradamente bello de la voz y el corazón de Lole, nos permitió encontrarnos y poder disfrutar con una especie de bocanada de aire y de luz limpia, libre y extraordinariamente tierna que fue capaz de renovarnos, a muchos, la esperanza en ese nuevo día que nos anunciaban en su primer LP; un nuevo día de besos blancos y de pan nuevo, en el que un sol joven y fuerte venciera por fin las tinieblas”. Fernando G. Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Alianza Editorial. 1998.
Canciones: Tu mirá. Dime. Ay, Ay. Giralda. Alegrías de la Lole. Bujería de Manuel. Alquivira. Taranto del hombre.
Músicos: Manuel Molina (guitarras flamencas), Ricardo Pachón (guitarra acústica), Rafael Pérez (congas), Art Wohl (violín), Christopher Carnes (laúd). Felipe Serrano (órgano, clave y teclados), Marcos Montero (sintetizador y melotrón), Manuel Rosado (bajo), Antonio Rodríguez (batería), voces de los niños Luis Vargas, Juan Manuel Molina, Luis Marín y Carmelo Marín, y poema Giralda a cargo de Juan Manuel Flores.
Además: “Inclinados a tomar parte en algunos experimentalismos de vanguardia, poco a poco se fueron alejando del flamenco ortodoxo, que cambiaron por un tipo de canciones líricas que en la voz de Lole y con la música enduendada de Manuel alcanzaron ancha popularidad”. Ángel Álvarez Caballero.

Más portadas: Nuevo día (1975), Lole y Manuel (1977), Al alba con alegría (1980) y Casta (1984).

Lady Sings The Blues (Sarabandas) 1986
Billie Holiday
Portada: Reggiani



Una historia: “Habría que subrayar que Billie Holiday ha sido la única cantante de jazz inscrita en la línea maestra de la evolución de esta música. Estuvo entre lo más avanzado del jazz durante la época inmediatamente anterior del bop y cumplió la función de sobresaliente innovadora en todas las zonas de la expresión individual. Además de ello, abanderó una de las obras colectivas con mayor trascendencia en el ámbito del pequeño conjunto, e inevitablemente cantó con la orquesta estrella de los últimos treinta. Cuando la dejó, ya había hecho historia”. Maestros del Jazz. Volumen 1. Planeta-Agostini. 1990.

Otra: “Todas las etapas de la carrera de la Holiday poseen un enorme interés. Cuando la voz se hunde al final de su carrera, la crudeza, el sarcasmo y la desesperanza se extreman hasta límites casi dolorosos. La expresión queda desnuda y desvalida, sin ningún elemento que la pueda socorrer. En esa época, la cantante tiene el alma cansada y el voz rota. Para muchos es la verdadera Billie, aunque tampoco faltan quienes opinan que es preferible remontarse en el tiempo e ir al encuentro de una joven rebosante de ilusión, solicitada por doquier y capaz de amoldarse a las exigencias de célebres directores de orquesta y prósperos productores discográficos”. Federico González. Los 100 mejores discos del Jazz. Ediciones La Máscara. 1993.

Canciones: How Deep Is The Ocean (How High The Sky). What Litlle Moonlight Can Do. Stormy Blues. Always. Dep. Song. Now Or Order. Big Staff. Porgy. Moonglow. Easy To Love. Willow Weep For Me. Too Marvellous For Words. Nice Work If You Can Get It. What’s New. Baby, I Don’t Cry Over You. Lady Sings The Blues. 19

Músicos: Bob Haggart And His Orchestra (Nueva York, 14 de agosto y 13 de febrero de 1947). Billy Kyle And His Trio (Nueva York, 9 de abril de 1946). Bobby Tucker And His Trio (Nueva York, 10 de diciembre de 1948). Sly Oliver And His Orchestra (Nueva York, 30 de septiembre de 1949). Billie Holiday And Her Orchestra (Los Ángeles, abril de 1952, Los Ángeles, 3 de septiembre de 1954, Los Ángeles, 23 de agosto de 1955 y Los Ángeles, 25 de agosto de 1955). Billie Holiday And Her Band (Nueva York, 14 de abril de 1954). Tony Scott And His Orchestra (Nueva York, 14 de febrero de 1955). Newport Jazz Festival (Mal Waldron (piano), Joe Benjamin (bajo), Joe Jones (batería) y Billie Holiday (voz).

Además: “Nada fue más perfecto que ella. Ni tampoco más fácil de perderse. (Si es que algo que se pierde puede ser encontrado con luz. Una vez que lo había encontrado, o sentido, cualquier cosa que ella conjuraba crecía en tu carne).
En el momento en que ella dejaba de cantar, quedabas desvalido. Cuando cantaba, escuchabas y te prometías cualquier cosa.
Ella decía siempre, más de lo que yo sentía. Era lo que nosotros conocemos por fantasía. La emoción está allí donde te encuentres. Ella estaba en la calle”. LeRoy Jones. Música negra. Ediciones Júcar 1977.

Más portadas: The Lady Sings (1944), Billie Holiday Sings (1950), At Stroryville (1951), And Evening With Billie Holiday (1953), Lady Day (1955), Music For Tourching (1955), Lady Sings The Blues (1956), A Recital By Billie Holiday (1956), Song For The Dinstingue Lovers (1957), Body And Soul (1957), Lady In Satin (1958), Stay With Me (1959) y The Quintessential Billie Holiday vol. 1,2,3, 4 y 5 (1933-1938), editados en 1988 y 1989.

Cuarenta años después (11)
Discos de 1967

 

 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Parlophone) 1967
The BeatlesPortada: diseño de Peter Blake y Jan Haworth. Fotografía de Michael Cooper

Una historia: “Pocos discos abrieron tanto de miras el mundo pop como Srt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Experimental en lo ecléctico de sus canciones y también en la instrumentación, y en cierto modo conceptual en las historias que con él se relatan, este álbum significa uno de los puntos más álgidos del talento de John Lennon y Paul McCartney y un punto y aparte en la trayectoria de The Beatles. Se editó el 1 de junio de 1967 y pasó ciento cuarenta y ocho semanas en las listas de éxitos británicas y ciento setenta y cinco en las norteamericanas, y en ambas llegó la posición más alta”. Raúl Fernanández. Los 200 mejores discos del siglo XX. RockDelux. Especial 200. Octubre de 2002.


Otra: “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band marca para muchos la cima de Beatles y también para aquellos buscadores de rastros lisérgicos. Posiblemente así sea. Musicalmente es innegable, aunque por lo que respecta a los textos quizás se haya exagerado un poco. Personalmente creo que hay influencia de Lewis Carrol (Alicia en el país de las maravillas) que del LSD. Lucy in the Sky with Diamonds es el paradigma para muchos de la aportación lisérgica del sargento Pimiento. Lennon siempre lo ha negado. Siempre ha defendido la historia de que la letra está inspirada en el hecho de que un día su hijo vino del colegio con un dibujo que había hecho en el que estaba dibujada su amiga Lucy sobre unas nubes, en el cielo, rodeada de diamantes, ¿Quién puede discutirlo?" Jordi Turtós. Beatles & Drogas. Cañamo Especial Música y Drogas. 2004.

Canciones: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. UIT Little Help From My Friends. Luci In The Sky With Diamonds. Getting Better. Fixing A Hole. She’ s Leaving Home. Being For The Benedit Of Mr. Kite!. Within You Without You. Wen I’m Sixto-Four. Lovely Rita. Good Morning Good Morning. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise). A Day In The Life.

Músicos: John Lennon , Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Productor George Martin. Grabado en los estudios de Abbey Road (Londres) entre diciembre de 1966 y marzo de 1967.

Además: “La idea de la foto postconcierto de la banda del Sargento Pimiento fue del artista pop Meter Blake, famoso por sus pinturas paródicas de Elvis o Bo Diddley. El grupo suministró la lista de 60 héroes, en la que se incluían desde preferencias personales hasta luminarias del panteón de la cultura popular. Y ahí aparecieron desde Marlon Brando a Edgar Allan Poe, pasando por Dylan o Marx. Incluso algún retrato poco o nada reconocible. Sólo dos de los previstos se cayeron del montaje final: Ghandi, para no ofender a los indios, y Hitler (petición de John) por motivos obvios”. Gus Cabezas. Las mejores portadas de discos. Ediciones la Máscara. 1996.
 

Trespass (Charisma) 1970
Genesis
Portada: Paul Whitehead

Una historia: “El fundador del sello discográfico Charisma, Tony Strattron-Smith, llevado por el productor John Anthony, vio actuar al grupo y no dudó en contratarlos para que grabaran Trespass en 1970. Aque disco era una primera obra plena de bellezas musicales. Desde el principio, Genesis fue un clan de músicos excepcionales, dispuestos a probar experiencias dentro y fuera de él, siempre con algo común en el estilo creativo de todos ellos”. Santiago Alcanda. Genesis, la música continúa. Historia del Rock. El País.

Otra: “En sus dos etapas de 1970 a 1975 y desde 1975 hasta los primeros años 80, Genesis ha sido uno de los conjuntos favoritos del rock, tanto por el exquisito tono de su música, inmersa en pautas netamente propias y ricos conceptos, como por el atractivo de su puesta en escena a lo largo de la primera de sus dos etapas. La fantasía y la calidad, aunadas, pusieron a Genesis en la élite de las grandes bandas con personalida para marcar una época”. Historia de la Música Rock.Tomo IV. Orbis.

Canciones: Looking For Someone. White Mountain. Visions Of Angels. Stagnation. Disk. The Knife.

Músicos: Peter Gabriel (flauta, acordeón, pandereta, bass drum y voz), Anthony Phillips (guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarra eléctrica, dulcimer y voz), Tony Banks (órgano, piano, melotrón, guitarra y voz), Mike Rutherford (bajo, guitarra acústica de 12 cuerdas, nylon, chelo y voz) y John Mayhew (batería, percusión y voz).

Además: “El segundo disco grande de Genesis constituye la puesta de largo de este grupo formado en 1970 por jóvenes instrumentistas y compañeros de centro educativo, quienes a partir de entonces se adentran en el rock progresivo, como estaba pasando con otras bandas británicas que fusionaban distintos estilos, folk, rock, pop, clásica o jazz, pero con claro protagonismo de guitarras eléctricas y teclados a nivel instrumental. Trespass contiene la esencia de lo mejor de Genesis, la búsqueda de un sonido particular que llevará al conjunto a la cima del éxito a mediados de la década de 1970”. Sam Rock.

Bill Keith and Jim Collier (Guimbarda) 1979 Bill Keith and Jim Collier
Portada: diseño de Christian Gaillard. y dibujo de Alain Trebern

Una historia: “Considerado por muchos como el mejor banjo actual, Hill Keith domina todos los estilos del banjo y de alguna manera le ha dado a este instrumento su carta de nobleza. Hill nació en 1939 en los suburbios de Boston y debutó en la música a través del piano; descubriendo el banjo gracias a Pete Seeger, en la época del folk revival. Después de haber tocado durante varios años en el grupo de Hill Monroe, el padre del bluegrass, Bill Keith revolucionó el manejo del banjo de cinco cuerdas, que hasta entonces no producía más que un fondo sonoro basado en arpegios y encadenamientos, sin melodía definida, Keith impuso entonces un estilo melódico que permite interpretar nota a nota melodías concretas, extendiendo hasta el infinito sus posibilidades”. (Guimbarda 1979)

Otra: “Luego permaneció cuatro años en la Jim Kweskin Jug Band, ampliando en ella sus conocimientos de jazz, blues y ragtime. Ha intervenido también en multitud de festivales y giras, primero en compañía del guitarrista Jim Rooney y ahora también con el también guitarra y cantante Jim Collier.

Entre sus amigos habituales de sesiones y conciertos se encuentra lo más granadodel bluegrass, Tony Rice, David Grisman, Vassar Clements, Richard Greene, el desaparecido Byrd Clarence White, Meter Roowan, antiguo miembro de Seatrain, etc. Para sus giras anuales Judy Collins suele echar mano de él”. (Guimbarda)

Canciones: Smoke smoke smoke. Phlebitis. I think about you all the time. Would you believe it. There´ll come a day. Eight of january the twelfth of never. Beating around the bush. Texas cowboy. Bourree nº 2. Crab waltz. Two twenties.

Músicos: Bill Keith (banjo, Jim Collier (voz principal y guitarras), Kenny Kosek (violín), Nicole Wills (voces). Henri Texier (bajo). Christian Segures (mandolina, guitarras, voz tenor), Lionel Wendling (pedal steel guitar y bajo) y Jacque Paris (percusión y batería).

Además: "Domina también el manejo de la pedal steel guitar. Tanto de este instrumento, como del banjo, ha editado métodos que facilitan su aprendizaje. En la actualidad graba en compañía del virginiano Jim Collier, en exclusiva para el sello francés Hexagone. En el presente álbum colabora el violinista neoyorquino Kenny Kosek, antiguo miembro del grupo Country Cooking y el hoy por hoy mejor mandolinista francés, Christian Segure”. (Guimbarda).

Otras portadas: Bill Keith and Jim Rooney (1963), Mud Acres (1971) y Something Auld, Something Newgrass, Something Borrowed, Something Bluegrass (1979).

Canta en língua galega (Edigsa / Galaxia) 1967
Luis Olivares
Portada: J. Fornas



Una historia: “Uno de los discos previos a los de la denominada Nova Canción Galega (Voces Ceibes) se puso a la venta en el año 1967 bajo el título Luis Olivares canta en língua galega, un EP de cuatro canciones de folk y música popular, adaptadas al gallego por el poeta Xosé Luís. Franco Grande. El también poeta y estudioso Vicente Araguas, miembro del citado grupo de canción gallega nacido en torno a la universidad compostelana en la segunda mitad de los sesenta, reconoce que Olivares era un crooner catalán que cantaba en su idioma estándares que fueron interpretadas con la orquestación ya utilizada en las versiones en catalán de las canciones de dicho disco. We shall overcome, en gallego Venceremos nós, fue el himno central de la primavera santiaguesa de 1968, en el seno de la cual nacería Voces Ceibes, indica Vicente Araguas al hablar de este curioso disco de canciones en gallego. En aquellos años Cataluña disponía de una canción comercial en la que, además de Olivares, estaban Nuria Feliz, Gloria y Maria Pilar, entre otros y otras personas que grababan habitualmente discos pequeños, lo cual demuestra que el ritmo era distinto al de la nueva canción gallega, además de que la casa discográfica, Edigsa, también era catalana, recalca Araguas”.

Otra: “Sobre Salvador Escamilla tengo que decir que fue un gran amigo de la editora discográfica y también personal, y sobre todo, un gran patriota. Muchos artistas fueron descubiertos o lanzados a la fama por las ondas que él dominaba como nadie. Fue el primer valiente de la radiodifusión. La lista de jóvenes popularizados es larga, empezando por los Setze Jutges, mezclados con muchos otros, Jutges o no, como Joan Manuel Serrat, Queta y Teo, Maria del Mar Bonet, La Trinca, Tete Montoliu, Núria Feliu, Maria Cinta, Lluís Olivares, Magda, Glòria, Marina Rossell... casi todos”. Enric Cirici.

Canciones: Si sai o sol (quan surti el sol). Vencermos We shall overcome). Percura a rosa (Cherche la rose). Amor certo (True love).

Además: “Pero, maravilla, terminando la ceremonia, antes de las carreras, comenzamos todos a cantar. Era Venceremos nós, versión gallega del mítico We shall overcome, que algunos conocíamos por la voz de Joan Baez y que ahora aparecía traducida muy bien traducida al gallego, por Xosé Luís Franco Grande. Juraría que fue el día de la estatua el primero en que se cantó en Santiago o después tantas veces repetido himno si bien como tal, tocante a la música, no tenía excesiva fuerza, quizá un cierto aire de bellísima derrota que fue, ciertamente, como había de acabar la batalla que apenas estaba en su comienzo”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991

Otras portadas: El món (1965), Quina tristor Venecia (1965) y Si sale el sol (1966).