Heavy Metal (CBS) 1975
Johnny Winter. Edgar Winter. Rick Derringer. Blue Oyster Cult. Aerosmith. R.E.O. Speedwagon. Steppenwolf. Iggy Pop
Portada: Diseño de Santiago Monforte. Foto de F. Ontañón

Una historia: “Riff-rock. Downe-rock. Cock Rock. Heavy rock. Caliente, caliente. Yo prefiero HEAVY METAL porque es una denominación menos peyorativa que las tres primeras y tiene un fuerte poder de evocativo. William Burroughs fue en esto, como en muchas otras cosas, el precursor: en Nova Express aparece un personaje conocido como Willie The Heavy Metal Kid. Años después, Lester Bang resucitó el término para designar la música de ciertas bandas que venían de Inglaterra: Black Sabbath, Deep Purple, Uriah Heep, May Blitz, Spray. Y es que los británicos fueron los primeros en crear una música que mereciera el calificativo de METAL PESADO: a mediados de la decada pasada (de los sesenta), Shel Talmy producía los primeros clásicos del género, You Really Got Me (Kinks) y My Generation (Who). Pero los grupos responsables no desarrollaron aquel estilo machacón y violento: ese honor le corresponde a un grupo maldito llamado los Yarbirds, del que descendieron tres bandas dirigidas por los magos que tocaron la guitarra allí. Cream superó las limitaciones del trío y entronizó el riff, el Jeff Group Group nos acostumbró a lo inesperado y desarrolló la relación entre guitarra y cantante solista y finalmente Led Zeppelin, que fueron responsables de introducir en las listas tras de extraer lo mejor de los dos anteriores”. Diego A. Manrique. Presentación del disco doble Heavy Metal, editado en España por la compañía CBS.

Otra: “La selección realizada para este doble elepé titulado Heavy Metal recoge piezas de grupos y solistas norteamericanos que por su dureza se encuadran en dicho estilo, en algunos casos, o se aproximan en la mayoría. Así Stooges con su nihilismo musical preparaba el terreno al futuro punk, mientras que R.E.O. Speedwagon entraba sin complejos en el denominado rock orientado a los adultos (AOR). Por su parte Johnny Winter siempre ha mantenido, salvo excepciones, predilección por el blues, pero su hermano buscó más el éxito mediante una música comercial pero elaborada. Aerosmith conserva el estatus de banda dura pero encumbrada, como si de unos Rolling americanos se tratasen. Blue Oyster Cult sobrevive con su mezcla de estilos de diferentes décadas. Steppenwolf permanece en el tiempo sólo por su Born To Be Wild, de 1968, todo un himno que, entre otras cosas, sirvió de banda sonora a la película Easy Rider, y por extensión a los moteros de todo el mundo. Por último, Rick Derringer no fue capaz de quitarse de encima el éxito de la canción Rock And Roll Hoochie Koo, que ha ocultado su faceta de excelente guitarrista y compositor”. Sam Rock.

Canciones: Rock And Roll People. Queen Of My Dreams. Train Kept A Rillin’. Rock And Roll Hoochie Koo. The Chains Away. Cities On Flame With Rock And Roll. Search And Destroy. Rock And Roll Woman. Gipsy Woman Passion. Still Alive And Well. Career Of Evil. Me 262. Do Your Best. SOS (Too Bad), Slide On Over Slinky. Mind Over Matter. Some Kinda Animal. Gang War Blues. Hot Trails To Hell. Oh Woman. Song And Dance.
Músicos: Johny Winter. Edgar Winter. Rick Derringer. Blue Oyster Cult. Aerosmith. R.E.O. Speedwagon. Steppenwolf. Iggy Pop.

Además: “El heavy metal se caracteriza por darle un mayor protagonismo a las guitarras eléctricas, por lo menos en la década de 1970, punto de partida de otros movimientos musicales que parecían que iban a desterrar a este estilo al cuarto trastero del rock y sus derivados. Sin embargo, en los años ochenta del siglo pasado el heavy alcanza su plena hegemonía con la incorporación de nuevas generaciones de músicos, quienes con el paso de tiempo tenderán a estandarizarse en el ámbito de las listas de éxitos. Otros seguirán senda del rock indomable mediante la creación de estilos más agresivos y sin concesiones a las modas”. Sam Rock.

Más portadas: Captured Live (1976) –Johny Winter-, They Only Come Out At Night (1972) –Edgar Winter-, All American Boy (1974) –Rick Derringer-, Secret Treaties (1974) –Blue Oyster Cult-, Toys In The Atic (1975) –Aerosmith-, REO Two (1972) –REO Speewagon-, Steppenwolf (1968) –Steppenwolf- y The Idiot (1977) –Iggy Pop-.

 Jerry Roll Morton (Zarabandas) 1985

 Jerry Roll Morton
 Portada: M. Cambiéri

Una historia: "Jelly Roll Morton ofreció sus extraordinarios recuerdos biográficos acompañado de su piano. Aunque se reconoce en Morton un músico muy importante de la historia del jazz, se la han dado menos importancia a sus andanzas como pianista barrelhouse. Las descripciones y la música de Morton de principios de los años diez (como se las ofreció a Lomax) proporcionan una incomparable visión del desarrollo del piano ragtime y blues de un intérprete experto. Su repertorio barrelhouse incluía Alabama Bound, Salty Dog, Hesitation Blues (grabado como If Was Whiskey And You Want Duck) y C.C. Rider, todas ellas interpretadas por Leadbelly ara Lomas en 1935. Además, Morton grabó material obsceno como The Dirty Dozen, The Winding Boy, Make Me A Ballet On The Floor y The Murder Ballad. Sus monólogos y diálogos con ilustraciones musicales arrojan luz sobre los primeros blues y Buddy Bolden en New Orlean, las tabernas y los pianistas de Beale Street, Memphis y la relación entre jazz y blues. También grabó unas cuantas piezas de blues propiamente dicho, como Leave Rambler Blues, Low Down Blues, Game Kid Blues y Mamie Desdoumes’ Blues”. Lawrence Cohn. Solamente Blues. Odín Ediciones. 1996.

Otra: “Hacia 1930 su música era considerada un anacronismo. Este desfase no debe ocultar que este criollo altivo, vividor y jugador es uno de los pianistas de jazz y, plausiblemente, su primer compositor de envergadura. Su pretensión de haber inventado el jazz, sin dudad exagerada, contiene un fondo innegable: cristalizó la pluralidad musical neorleanesa, principalmente el ragtime y el blues, pero también los aires de las cuadrillas, las marchas, los ritmos de habanera o, incluso, las influencias europeas, en una elaborada forma inequívocamente jazzística”. Federico García Herraiz. Los 100 mejores discos de jazz. Editorial La Máscara. 1993.

Canciones: Black Bottom Stomp. Grandpa’s Spells. Original Jerry- Roll Blues. Doctor Jazz. Cannon Ball Blues. Wolverine Blues. Mr. Jerry Lord. Kansas City Stomp. Shoe Shiner’s Drag. Deep Creek. Oh Didn’t He Rambla. High Society. I Thougt I Heard Buddy Bolden Say. Winin’ Boy Blues. West End Blues. Ballin’ The Jack.

Músicos: Jerry Roll Morton, 1890-1941 (piano y voz), George Mitchell (corneta), Kid Orby (tuba) Omer Simeon (clarinete), Johnny St. Cyr (banjo), John Lindsay (bajo), Andrew JHilaire (batería), Clarence Black (violín), Wright Smith (violín), Ward Pinkett (trompeta), Geechie Fields (tuba), Lee Blair (banjo), Bill Benford (tuba), Tommy Benford (batería), Johnny Doods (clarinete), Baby Dodds (batería), Ed Anderson (trompeta), Edwin Swayzee (trompeta), William Cato (tuba), Russell Procope (clarinete), Rusell Procope (clarinete), Lee Blair (guitarra), Bass Moore (tuba), Manzie Jonson (batería), Paul Barnes (saxofón), Joe Garland (saxofón), Sidney De Paris (trompeta), Claude Jones (tuba), Albert Nicholas (clarinete), Sidney Bechet (saxofón), Happy Cauldwell (saxofón), Lawrence Lucy (guitarra), Wellman Braud (bajo), Zuggy Singleton (batería), Fred Robinson (tuba) y Albert Nicholas (clarinete). Grabaciones de 1926, 1927, 1928 y 1939, en Chicago y New York.

Además: “¿Qué era lo que agobiaba a Mr. Jelly Roll Morton, el más importante líder de Hot Band de los años veinte, cuando se trasladó a New York en la cumbre de su popularidad, hacia 1928?
En mayo de 1938 tras pasar varios años de estrecheces, Morton se sentó ante un micrófono en la Biblioteca del Congreso para relatar la historia de su vida al especialista al especialista en música popular, Alan Lomas.
Siendo de Nueva Orleáns, Morton conocía bien todo lo relativo al vudú y describió, según sus propias palabras, la manera en que estas fuerzas misteriosas fueron utilizadas para precipitar su caída”. Robert Crumb. Jelly Roll Morton’s Voodoo Curse (cómic).

Más portadas: Classics (1923), The Piano Solos (1923), Mr. Jelly Roll (1930) y The Library Of congreso Recording vol 1-8 (1938).

Tattoo (Polydor) 1973Rory GallagherPortada: ilustración de Robin Lawie. Fotos de Michel Putland & Richard Upper


Una historia: “De entrada Rory atacó con fuerza total lo más selecto de sus piezas de garra, el Tattoo Lady y el Crade Rock entre otros. Armado con su guitarra vieja y raída entronizó un climax de fuerza toral en el que la gente entró netamente en situación. Ferry MacAvoy estuvo excelente al bajo respaldando en todo momento la acción de Rory y estableciendo con él diversos fraseados de bella factura. Lou Martin con los teclados fue el soporte rítmico de contrapunto jazzístico en la música de la banda, como le vimos la otra vez. En cuanto a Rod de Ath fue un poco la sorpresa ya que el batería gris y endeble de hace un año ha ganado mucho y sin ser aún nada del otro mundo, si ofrece una mayor visión de contundencia y sobriedad en su labor.
Tras casi 45 minutos de ritmo puro y vivo, Gallagher dejó la guitarra eléctrica y tomó la acústica que tocó con un dedo de metal. Fueron tres temas de buena labor en solitario ya que la banda se retiró dejando a Rory solo en el escenario. Como artista completo que es, Rory muestra en estos pasajes toda su capacidad. Tras los tres temas vuelve la banda, y para introducir nuevamente el ritmo, con la mandolina ejecuta una extraordinaria pieza que la gente coreó y marcó con palmas desde el comienzo”. Crónica de Jordi Serra I Fabra sobre una actuación en Barcelona de Rory Gallagher. Popular 1. 1975.

Otra: “Sí, me preocupa lo que ocurre en Irlanda, naturalmente, pero sólo como espectador interesado. No quiero ser político y en ningún lado hablo de ello. Yo por ejemplo soy católico, pero lo soy por nacimiento”. Rory Gallagher.

Canciones: Tattoo’ d Lady. Cradle Rock. 20.20 Vision. They Don’t Make Them Like You Anymore. Livin’ Like A Truker. Sleep On A Clothers-Line. Wo’s That Comino. A Million Miles Away. Admit It.

Músicos: Rory Gallagher (guitarras, mandolina, armónica, saxos y voz), Ferry McAvoy (bajo), Lou Martin (teclados y acordeón) y Rod d’Ath (batería y percusión).

Además: “Tras la grabación del elepé Tatto, Rory Gallagher, como era habitual en su vida profesional, realizó actuaciones en directo por Irlanda que quedó recogida en el disco Irish Tour-74 y el documental del mismo título. A continuación seguiría de gira por Japón, Australia, Nueva Zelanda, Canadá, Estados Unidos y toda Europa, incluída España, país, donde eran habituales sus comparecencias ante el público aficionado al rock, sobre todo en Madrid”. Sam Rock.

L’ extraordinaire tour de France D’Adelard Rousseau, dit Nivernais la chef des coeurs, compagnon charpentier du devoir (Guimbarda) 1979
Malicorne
Portada: Fotografía de Sergio Gaudenti

Una historia: “La extraordinaria vuelta a Francia de Adelard Rousseau es el quinto álbum de Malicorne. Al igual que sucediera con Almanach, gira alrededor de una idea, que al hilo de la narración de Gabriel Yacoub, además de recoger una serie de canciones y ritmos característicos de distintas regiones de Francia, reaviva una interesante historia de las organizaciones gremiales francesas.
El motivo central resulta de tal interés que preferimos dejar para otro álbum de Malicorne las posibles disquisiciones sobre el grupo y no distraer con ellas la trama de la historia del compañerismo. Es en álbumes como el presente donde el folk cobra su más amplio significado”. Manuel Domínguez, presentación del disco en el sello Guimbarda.

Otra: “Era aprendiz de carpintero en Nevers, mi ciudad natal. Allí mi padre, Clemente Rousseau, había ejercido esta profesión durante cuarenta años. El me inicio en el oficio despertando en mí el interés por este trabajo y haciendo que le cogiera gusto.
Después de pasar dos años en casa de diferentes maestros, mal alimentado, peor pagado, recibiendo constantes malos tratos, decidí marchar a París, donde sabía que hacían falta carpinteros”. Comienzo del diario de Adelard Rouseau.

Canciones: La conduite. La danse des damnés. Le mari jaloux La valse druze. Si l'amour prenait racine.Une fille dans le désespoir. Les couleurs. À Paris la grande ville. Compagnons qui roulez en Provence. La complainte du coureur de bois. L'auberge sanglante. Le départ des compagnons La conduite.

Músicos: Gabriel Yacoub (guitarras acústica y eléctrica, bajo, mandolina, autoarpa y voz), Marie Yacoub (viela, espineta de los Vosgos, culcimer y voz), Hugues de Courson (gaita, órgano positivo, glockenspiel, armonium y voz), Laurent Vercambre (violín, vilonchelo, mandolina, guitarra, mandoleón, mandolonchelo, clarinete y voz) y Olivier Zdrzalik (bajo y voz). Dan Ar Bras (guitarra eléctrica solista), Michel Santangeli (batería), Jean Daniel Mercier (arreglos de fanfarria) y Bruno Menny (órgano y efectos especiales).

Además: “Ya voy llegando a París y estoy a punto de terminar mi vuelta a Francia. Es una experiencia que le deseo a todo el mundo.
No voy a decir que mi conducta ha sido irreprochable, pero he respetado las reglas del deber en sus mínimos detalles.
La única multa que tuve que pagar fue…una canción. Evité siempre que pude las peleas entre compañeros y prefería usar mi bastón para andar, sin manchas las cintas con sangre de los Gavots, a quienes, sin embargo, me había enseñado a odiar.
Como componía canciones, adquirí pronto fama de nombre amigable; siempre me pedían que participase en las celebraciones en honor de compaleros que partían y en los banquetes de los albergues donde residía.
Se me ha hecho una despedida por todo lo alto en Lyon; la cadena de la alianza. ¡Hasta músicos había! ¡Qué apoteosis! Todavía estoy emocionado.
Una vez que me haya presentado en la cofradía de los carpinteros del Deber para testimoniarles mi agradecimiento volveré a mi hogar con un espléndido certificado de honor en pergamino y alabando mis cualidades profesionales”. Última jornada del diario de Adelard Rousseau.

Cuarenta años después (12)

Discos de 1967

 Younger Than Yesterday (Columbia) 1967
The Byrds
Portada: fotografía de Frank Bez

Una historia: “El cuarto álbum de The Byrds es el más completo porque enseña todas sus caras. Amantes de la música tradicional inspirados y aglutinados por la beatlemanía, siempre fueron valientes y atrevidos. Inventaron el folk-rock con sus armonías vocales electrizando a Bob Dylan en sus dos primeros álbumes y abrieron las compuertas de la experimentación invocando a John Coltrane y Ravy Shankar en Fith Dimension (1966) y Younger Than Yesterday les fotografía en un glorioso hiato en que comienzan a desenterrar sus raíces, pero sin abandonar del todo ni la psicodelia (el raga-rock Mind Gardens), ni la hibridación (la trompeta de (Hugh Masekela dialoga con la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger MgGuinn en Sou You Want To Be A Rock ‘N’ Star) ni la sombra de Dylan (la lucidez de MgGuinn dirige una excepcional lectura de My Back Pages.
Chris Hillman excava bluegrass junto a Clarence White (The Girl With No Name) avisando del futuro inmediato (acabarían inventando el country-rock junto a Gram Prasons), a la vez que anticipa el indie rock ulterior de R.E.M. o Teenage Fanclub…David Crosby, además de articular la conciencia social desde el centro del happening califoniano, aporta su sofisticada experimentación melódica (Everybody’s Been Burned), que permite a la banda explotar su sensualidad psicodélica”. Guillermo Z. del Águila.

Otra:“Al margen de su contribución al rock de su país, los Byrds son el último gran grupo del reino de la inocencia pop y el primero en abrir las puertas del cielo y el infierno de las que hablaba Huxley. Su azorosa existencia retrata una época ansiosa de experiencias”. José María Rey

Canciones: So You Want To Be A Rock ‘N’ Roll Star. Have You Seen Her Face. C.T.A.-102. Renaissance Fair. Time Between. Everybody’s Been Burneo. Thoughts And Words. Mind Gardens. My Back Pages. The Girl With No Name. Why.

Músicos: Jim McGuinn (guitarra de doce cuerdas y voz), David Crosby (guitarra rítmica y voz), Cris Hillman (bajo y voz) y Michael Clarke (batería). Hugo Masekela (vientos), Vern Gosdin (guitarra acústica) y Clarence White (guitarra eléctrica).

Además: “Después de Younger Than Yesterday, en el seno del grupo The Byrds se producen cambios en su formación con la salida de David Crosby que deja a los pájaros en trío, sin contar los colaboradores, pero que graba el incuestionable The Notorius Byrd Brothers (1968). Con posteridad en el verano de ese mismo año, tras nuevos cambios, el estreno country-rock en larga duración titulado Sweetheart Of The Rodeo”, hito de un estilo que mantiene adeptos en diferentes generaciones de músicos”. Sam Rock.

En acción! (Dro) 1992
Los Flechazos
Portada: fotografía Dennos Holzbacher

Historia: “Cuarto LP de este grupo eternamente adolescente, y sin embargo en progresión constante e imparable. Por si fuera poco han grabado por fin en Londres, su sitio preferido después de León, con productor americano, David Gynes (el mismo de Surfin Bichos y Los Del-Tonos). El resultado es inmejorable: por si cabían dudas, en este disco suenan realmente rotundos, y sin perder un ápice de su frescura habitual.

Canciones como A toda velocidad, Tengo miedo, Ya me estoy cansando, Go-go girl o Lágrimas negras con su sentido del ritmo y su efervescencia pop te vuelven las ganas de vivir y tener diecisiete años (si no los tienes los vuelves a vivir)”. Nota de promoción del elepé En acción.

Otra: “Podrás comprobar que Alejando mantiene su arrebatador entusiasmo, contagioso y sin embargo lleno de inocencia, la excitación por el ritmo y el baile, la fe del que se niega a entrar en el mezquino juego de las cifras en que se convierte a veces la música pop”. Nota de promoción.

Canciones: A toda velocidad .Vuelvo a casa. Tengo miedo. Me estoy cansando. La casa del reloj. Daño. Y olvídame. Go-go girl. Lágrimas negras. No juego. Fred Finley.

Músicos: Alejandro (guitarra y voz), Elena (órgano Hammond), Héctor (bajo y coros) y Pedro (batería). Glenn Thompson (percusión).

Además: “También encontrarás canciones de una extraordinaria densidad musical como Vuelvo a casa por primera vez un medio tiempo en las historia de Los Flechazos, y jugosos textos como La casa del reloj o Lágrimas negras, y un instrumental digno de acompañar a las mejores imágenes de la una peli de James Bond: Fred Finley. En definitiva, un extraordinario cuarto LP de los Flechazos que los colocará en el lugar que se merecen”. Nota de promoción.
Más portadas: Viviendo en la era pop (1988), En el club (1989) y ¡Preparados, listos…Ya!

Encontros e despedidas (Polydor) 1986
Milton Nascimento
Portada: Marcio Ferreira, Geraldo Leite y Haroldo Ramos


Una historia: “Aunque carioca por nacimiento, 26 de octubre de 1942, Milton Nacimiento es mineiro de formación y corazón: ‘crecí en Trés Pontas. Un pequeño pueblo entre campos, ríos y valles, a varios cientos de kilómetros de la capital, Belo Horizonte. Cuando llovía quedábamos aislados del mundo’. Ya de crío cantaba encaramado a una silla. Imitaba con su voz diferentes instrumentos musicales, ‘me sentaba con un pequeño acordeón e improvisaba historias en las que hacía las voces de todos los personajes’. Años más tarde se le podía encontrar amenizando bailes populares en el seno de grupos coo Luar de Prata o W’s Boys, ambos en la línea de los Platters”. Carlos Galilea Nin. Canta Brasil. Ediciones Cúbicas. 1990.
Otra: “A Milton no le agrada sentirse limitado a una actividad. Por eso, al hablar de sus proyectos se le ilumina el rostro. Y siempre hay ideas rondando por la cabeza. En 1983 abrió , en Belo Horizonte, la Escola Livre de Música de Minas cuyo objetivo era enseñar música popular, dejando que el alumno escogiera su propio camino con la mayor libertad. Otra realidad es el Trem Azul, programa musical de radio que se realiza en la sede de su productora Quilombo y que cede de forma gratuita a diversas emisoras con el propósito de ayudar a difundir la mejor música popular brasileña”. Carlos Galilea.

Canciones: Portal da cor. Caso de amor. Mar do nosso amor. Lágrima do Sul. Raça. Encontros e despedidas. Quem perguntou por mim. A primeira estrela. Vidro e corte. Rádio experiência.
Músicos: Milton Nascimento (guitarra, palmas y voz), Pat Metheny (guitarra-10), Hubert Laws (flauta- 7), Steve Slagle (saxofón), Ricardo Silveira (guitarra y orquestación), Marco Antonio Guimaraes (marimba, uakti y marinba d’Angelina), Luís Alves, Nico Assumpção, Sandrino Santoro y Candido (bajos), Paulo Sérgio Santos (marimba, tabla y tabla de pan), Mauro Senise (saxo alto), Espirito Santo (caxixi, ngoma y tumbadora), Samuka (caxixi, ngoma y sapo), Celso (flauta), Robertinho DaSilva (batería, percusión y palmas), Laudir DeOliveira (cencerro), Artur Andres de Ribeiro (flauta), Preto Do Cavaco (caxixi), Jaques Morelenbaum (chelo), Tulio Mourao (teclados), Ohana (percusión), Decio Ramos (marimba), Clara Sandroni (voz), Paulo Sérgio (batería), Robertinho Silva (percusión, batería y palmas), Ricardo Silveira (guitarra) y Wagner Tiso (teclados).
Además: “El ángel negro del Brasil, como se le llamó en Jazz Hot, ha sabido suscitar no sólo la admiración de sus paisanos sino también la de muchas personas que, en cualquier rincón del mundo, se emocionan con su música. Algunas tan respetadas como Wayne Shorter o Pat Metheny. El primero lo considera su hermano y le invitó a participar en el espléndido Native dancer (1975), disco en solitario del saxofonista que terminó convirtiéndose en un proyecto conjunto. El segundo confiesa sin rubor alguno: ‘Mi músico preferido es Milton’. Y añade, ‘cuando se toca una nota y se determina que no puede ser otra, se alcanza el corazón de la música, su inevitabilidad. Milton Nascimento es el perfecto ejemplo de la música con corazón y cada nota suya tiene una exacta resonancia”.Carlos Galilea.

Take No Prisioners (RCA) 1978
Lou Reed
Portada: Nazario

Una historia: “En Take las canciones están resueltas con un vigor envidiable –tanta riqueza en el arropamiento instrumental trae recuerdos del mejor Bruce Springteen-, pero lo que realmente choca –nunca mejor dicho- es cómo Lou realmente dirige una ceremonia de autodesmitificación que ignora límites y no concede perdones. Este álbum podría haber sido el complemento idóneo de Street hassle; sin embargo, es su consecuencia más directa, su inevitable secuela, en manos de un Lou Reed que, durante dos noches de primavera, frente al reducido aforo del club Botton Line, resucitó el espíritu de Jenny Bruce para conjugarlo con su incisiva labia”. Lou Reed. Rafael Cervera. Cátedra. Rock Pop. 1990.

Otra: “Lou Reed representaba para el rock la alternativa surgida tras la caída de Bob Dylan y la separación de los Beatles. Su voz se había elevado sobre el pandemonium sonoro de Velvet Underground con un timbre personal y tonos de un desprecio más desesperante aún que los del viejo Bobby Dylan. Sus poemas eran de una realidad tan deprimente que resultaban el acorde perfecto para el ritmo sin vida de los urbanitas apresados en la ciudad, para los drogados de traumas, para los marginados de la sociedad blanda, para los amantes de lo sadomasoquista y para los seguidores de lo excéntrico”. Freak Molina. Lou Reed & Velvet U. Rock Comix. 1976.

Canciones: Sweet Jane. I Wanna Be Black. Satellite Of Love. Pale Blue Eyes. Berlin. I’m Waiting For My Man. Coney Island Baby. Steet Hassle. Walk On The Wild Side. Leave Me Alone.

Músicos: Lou Reed (guitarra, Roland guitarra sintetizada y voz), Maty Fogel (saxofón eléctrico), Michael Fonfara (piano eléctrico), Stuart Heinrich (guitarra y voz), Ellard Moose Boles (bajo y voz), Michael Suchorsky (batería), Angela Howell (voz y pandereta) y Chrissy Faith (voz).

Además: “La carátula del disco doble en directo Take No Prisioners resultó ser un plagio de la portada y contraportada que el dibujante Nazario realizó en 1976 para el número 4 de Rock Comix, dedicado a Lou Reed y Velvet Underground. De la revista se sacaron también dibujos de otros artistas como Nazario, Rubiales y Stav para adornar una composición del interior de la carpeta. El disco se puso a la venta en España con una portada distinta que recogía una fotografía de Lou Reed durante una actuación”. Sam Rock.

Pasaje del agua (CBS) 1976
Lole y Manuel
Portada: Mariano Moreno




Una historia: “Pareja gitana formada por la cantaora Dolores Montoya Rodríguez (Sevilla 1954) y el guitarrista, compositor y cantante, Manuel Molina (Ceuta 1948). Se formó el dúo en 1972 y debutaron discográficamente en 1975, consiguiendo una resonancia enorme. Manuel había tocado con los Smash en 1971, época en que publicaron El garrotín. Lole, de la familia de los Montoya, poseía una voz de especial vibración flamenca. Tras varios años de triunfos, fuera de todo pronóstico, se separaron…Regresaron para hacer algunos conciertos puntuales. Lole, en solitario, llegó a ofrecer, como admiradora que es es de Om Kalsoum, un recital con la orquesta El Hilal en 1989. En 1994 han regresado con un nuevo disco en la misma línea de su anterior producción”. Pedro Calvo y José Manuel Gamboa. Historia-Guía del Nuevo Flamenco. Colección La Encrucijada. 1994.



Otra: “Manuel, tras la disolución de Smash, optó claramente por dar salida al inmenso pozo de sensibilidad, no sólo musical, sino también poètica, que contenía en su personalidad, y decidió unirse a su compañera Lole para forma uno de los dúos, indiscutiblemente, más importantes de la música y de la canción en castellano durante los años setenta y ochenta: Lole y Manuel.
Aquella fusión entre la sensibilidad y la profundidad humana y musical de Manuel, y el arte jondo, potente y descaradamente bello de la voz y el corazón de Lole, nos permitió encontrarnos y poder disfrutar con una especie de bocanada de aire y de luz limpia, libre y extraordinariamente tierna que fue capaz de renovarnos, a muchos, la esperanza en ese nuevo día que nos anunciaban en su primer LP; un nuevo día de besos blancos y de pan nuevo, en el que un sol joven y fuerte venciera por fin las tinieblas”. Fernando G. Lucini. Crónica cantada de los silencios rotos. Alianza Editorial. 1998.
Canciones: Tu mirá. Dime. Ay, Ay. Giralda. Alegrías de la Lole. Bujería de Manuel. Alquivira. Taranto del hombre.
Músicos: Manuel Molina (guitarras flamencas), Ricardo Pachón (guitarra acústica), Rafael Pérez (congas), Art Wohl (violín), Christopher Carnes (laúd). Felipe Serrano (órgano, clave y teclados), Marcos Montero (sintetizador y melotrón), Manuel Rosado (bajo), Antonio Rodríguez (batería), voces de los niños Luis Vargas, Juan Manuel Molina, Luis Marín y Carmelo Marín, y poema Giralda a cargo de Juan Manuel Flores.
Además: “Inclinados a tomar parte en algunos experimentalismos de vanguardia, poco a poco se fueron alejando del flamenco ortodoxo, que cambiaron por un tipo de canciones líricas que en la voz de Lole y con la música enduendada de Manuel alcanzaron ancha popularidad”. Ángel Álvarez Caballero.

Más portadas: Nuevo día (1975), Lole y Manuel (1977), Al alba con alegría (1980) y Casta (1984).

Lady Sings The Blues (Sarabandas) 1986
Billie Holiday
Portada: Reggiani



Una historia: “Habría que subrayar que Billie Holiday ha sido la única cantante de jazz inscrita en la línea maestra de la evolución de esta música. Estuvo entre lo más avanzado del jazz durante la época inmediatamente anterior del bop y cumplió la función de sobresaliente innovadora en todas las zonas de la expresión individual. Además de ello, abanderó una de las obras colectivas con mayor trascendencia en el ámbito del pequeño conjunto, e inevitablemente cantó con la orquesta estrella de los últimos treinta. Cuando la dejó, ya había hecho historia”. Maestros del Jazz. Volumen 1. Planeta-Agostini. 1990.

Otra: “Todas las etapas de la carrera de la Holiday poseen un enorme interés. Cuando la voz se hunde al final de su carrera, la crudeza, el sarcasmo y la desesperanza se extreman hasta límites casi dolorosos. La expresión queda desnuda y desvalida, sin ningún elemento que la pueda socorrer. En esa época, la cantante tiene el alma cansada y el voz rota. Para muchos es la verdadera Billie, aunque tampoco faltan quienes opinan que es preferible remontarse en el tiempo e ir al encuentro de una joven rebosante de ilusión, solicitada por doquier y capaz de amoldarse a las exigencias de célebres directores de orquesta y prósperos productores discográficos”. Federico González. Los 100 mejores discos del Jazz. Ediciones La Máscara. 1993.

Canciones: How Deep Is The Ocean (How High The Sky). What Litlle Moonlight Can Do. Stormy Blues. Always. Dep. Song. Now Or Order. Big Staff. Porgy. Moonglow. Easy To Love. Willow Weep For Me. Too Marvellous For Words. Nice Work If You Can Get It. What’s New. Baby, I Don’t Cry Over You. Lady Sings The Blues. 19

Músicos: Bob Haggart And His Orchestra (Nueva York, 14 de agosto y 13 de febrero de 1947). Billy Kyle And His Trio (Nueva York, 9 de abril de 1946). Bobby Tucker And His Trio (Nueva York, 10 de diciembre de 1948). Sly Oliver And His Orchestra (Nueva York, 30 de septiembre de 1949). Billie Holiday And Her Orchestra (Los Ángeles, abril de 1952, Los Ángeles, 3 de septiembre de 1954, Los Ángeles, 23 de agosto de 1955 y Los Ángeles, 25 de agosto de 1955). Billie Holiday And Her Band (Nueva York, 14 de abril de 1954). Tony Scott And His Orchestra (Nueva York, 14 de febrero de 1955). Newport Jazz Festival (Mal Waldron (piano), Joe Benjamin (bajo), Joe Jones (batería) y Billie Holiday (voz).

Además: “Nada fue más perfecto que ella. Ni tampoco más fácil de perderse. (Si es que algo que se pierde puede ser encontrado con luz. Una vez que lo había encontrado, o sentido, cualquier cosa que ella conjuraba crecía en tu carne).
En el momento en que ella dejaba de cantar, quedabas desvalido. Cuando cantaba, escuchabas y te prometías cualquier cosa.
Ella decía siempre, más de lo que yo sentía. Era lo que nosotros conocemos por fantasía. La emoción está allí donde te encuentres. Ella estaba en la calle”. LeRoy Jones. Música negra. Ediciones Júcar 1977.

Más portadas: The Lady Sings (1944), Billie Holiday Sings (1950), At Stroryville (1951), And Evening With Billie Holiday (1953), Lady Day (1955), Music For Tourching (1955), Lady Sings The Blues (1956), A Recital By Billie Holiday (1956), Song For The Dinstingue Lovers (1957), Body And Soul (1957), Lady In Satin (1958), Stay With Me (1959) y The Quintessential Billie Holiday vol. 1,2,3, 4 y 5 (1933-1938), editados en 1988 y 1989.

Cuarenta años después (11)
Discos de 1967

 

 Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Parlophone) 1967
The BeatlesPortada: diseño de Peter Blake y Jan Haworth. Fotografía de Michael Cooper

Una historia: “Pocos discos abrieron tanto de miras el mundo pop como Srt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Experimental en lo ecléctico de sus canciones y también en la instrumentación, y en cierto modo conceptual en las historias que con él se relatan, este álbum significa uno de los puntos más álgidos del talento de John Lennon y Paul McCartney y un punto y aparte en la trayectoria de The Beatles. Se editó el 1 de junio de 1967 y pasó ciento cuarenta y ocho semanas en las listas de éxitos británicas y ciento setenta y cinco en las norteamericanas, y en ambas llegó la posición más alta”. Raúl Fernanández. Los 200 mejores discos del siglo XX. RockDelux. Especial 200. Octubre de 2002.


Otra: “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band marca para muchos la cima de Beatles y también para aquellos buscadores de rastros lisérgicos. Posiblemente así sea. Musicalmente es innegable, aunque por lo que respecta a los textos quizás se haya exagerado un poco. Personalmente creo que hay influencia de Lewis Carrol (Alicia en el país de las maravillas) que del LSD. Lucy in the Sky with Diamonds es el paradigma para muchos de la aportación lisérgica del sargento Pimiento. Lennon siempre lo ha negado. Siempre ha defendido la historia de que la letra está inspirada en el hecho de que un día su hijo vino del colegio con un dibujo que había hecho en el que estaba dibujada su amiga Lucy sobre unas nubes, en el cielo, rodeada de diamantes, ¿Quién puede discutirlo?" Jordi Turtós. Beatles & Drogas. Cañamo Especial Música y Drogas. 2004.

Canciones: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. UIT Little Help From My Friends. Luci In The Sky With Diamonds. Getting Better. Fixing A Hole. She’ s Leaving Home. Being For The Benedit Of Mr. Kite!. Within You Without You. Wen I’m Sixto-Four. Lovely Rita. Good Morning Good Morning. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise). A Day In The Life.

Músicos: John Lennon , Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Productor George Martin. Grabado en los estudios de Abbey Road (Londres) entre diciembre de 1966 y marzo de 1967.

Además: “La idea de la foto postconcierto de la banda del Sargento Pimiento fue del artista pop Meter Blake, famoso por sus pinturas paródicas de Elvis o Bo Diddley. El grupo suministró la lista de 60 héroes, en la que se incluían desde preferencias personales hasta luminarias del panteón de la cultura popular. Y ahí aparecieron desde Marlon Brando a Edgar Allan Poe, pasando por Dylan o Marx. Incluso algún retrato poco o nada reconocible. Sólo dos de los previstos se cayeron del montaje final: Ghandi, para no ofender a los indios, y Hitler (petición de John) por motivos obvios”. Gus Cabezas. Las mejores portadas de discos. Ediciones la Máscara. 1996.
 

Trespass (Charisma) 1970
Genesis
Portada: Paul Whitehead

Una historia: “El fundador del sello discográfico Charisma, Tony Strattron-Smith, llevado por el productor John Anthony, vio actuar al grupo y no dudó en contratarlos para que grabaran Trespass en 1970. Aque disco era una primera obra plena de bellezas musicales. Desde el principio, Genesis fue un clan de músicos excepcionales, dispuestos a probar experiencias dentro y fuera de él, siempre con algo común en el estilo creativo de todos ellos”. Santiago Alcanda. Genesis, la música continúa. Historia del Rock. El País.

Otra: “En sus dos etapas de 1970 a 1975 y desde 1975 hasta los primeros años 80, Genesis ha sido uno de los conjuntos favoritos del rock, tanto por el exquisito tono de su música, inmersa en pautas netamente propias y ricos conceptos, como por el atractivo de su puesta en escena a lo largo de la primera de sus dos etapas. La fantasía y la calidad, aunadas, pusieron a Genesis en la élite de las grandes bandas con personalida para marcar una época”. Historia de la Música Rock.Tomo IV. Orbis.

Canciones: Looking For Someone. White Mountain. Visions Of Angels. Stagnation. Disk. The Knife.

Músicos: Peter Gabriel (flauta, acordeón, pandereta, bass drum y voz), Anthony Phillips (guitarra acústica de 12 cuerdas, guitarra eléctrica, dulcimer y voz), Tony Banks (órgano, piano, melotrón, guitarra y voz), Mike Rutherford (bajo, guitarra acústica de 12 cuerdas, nylon, chelo y voz) y John Mayhew (batería, percusión y voz).

Además: “El segundo disco grande de Genesis constituye la puesta de largo de este grupo formado en 1970 por jóvenes instrumentistas y compañeros de centro educativo, quienes a partir de entonces se adentran en el rock progresivo, como estaba pasando con otras bandas británicas que fusionaban distintos estilos, folk, rock, pop, clásica o jazz, pero con claro protagonismo de guitarras eléctricas y teclados a nivel instrumental. Trespass contiene la esencia de lo mejor de Genesis, la búsqueda de un sonido particular que llevará al conjunto a la cima del éxito a mediados de la década de 1970”. Sam Rock.

Bill Keith and Jim Collier (Guimbarda) 1979 Bill Keith and Jim Collier
Portada: diseño de Christian Gaillard. y dibujo de Alain Trebern

Una historia: “Considerado por muchos como el mejor banjo actual, Hill Keith domina todos los estilos del banjo y de alguna manera le ha dado a este instrumento su carta de nobleza. Hill nació en 1939 en los suburbios de Boston y debutó en la música a través del piano; descubriendo el banjo gracias a Pete Seeger, en la época del folk revival. Después de haber tocado durante varios años en el grupo de Hill Monroe, el padre del bluegrass, Bill Keith revolucionó el manejo del banjo de cinco cuerdas, que hasta entonces no producía más que un fondo sonoro basado en arpegios y encadenamientos, sin melodía definida, Keith impuso entonces un estilo melódico que permite interpretar nota a nota melodías concretas, extendiendo hasta el infinito sus posibilidades”. (Guimbarda 1979)

Otra: “Luego permaneció cuatro años en la Jim Kweskin Jug Band, ampliando en ella sus conocimientos de jazz, blues y ragtime. Ha intervenido también en multitud de festivales y giras, primero en compañía del guitarrista Jim Rooney y ahora también con el también guitarra y cantante Jim Collier.

Entre sus amigos habituales de sesiones y conciertos se encuentra lo más granadodel bluegrass, Tony Rice, David Grisman, Vassar Clements, Richard Greene, el desaparecido Byrd Clarence White, Meter Roowan, antiguo miembro de Seatrain, etc. Para sus giras anuales Judy Collins suele echar mano de él”. (Guimbarda)

Canciones: Smoke smoke smoke. Phlebitis. I think about you all the time. Would you believe it. There´ll come a day. Eight of january the twelfth of never. Beating around the bush. Texas cowboy. Bourree nº 2. Crab waltz. Two twenties.

Músicos: Bill Keith (banjo, Jim Collier (voz principal y guitarras), Kenny Kosek (violín), Nicole Wills (voces). Henri Texier (bajo). Christian Segures (mandolina, guitarras, voz tenor), Lionel Wendling (pedal steel guitar y bajo) y Jacque Paris (percusión y batería).

Además: "Domina también el manejo de la pedal steel guitar. Tanto de este instrumento, como del banjo, ha editado métodos que facilitan su aprendizaje. En la actualidad graba en compañía del virginiano Jim Collier, en exclusiva para el sello francés Hexagone. En el presente álbum colabora el violinista neoyorquino Kenny Kosek, antiguo miembro del grupo Country Cooking y el hoy por hoy mejor mandolinista francés, Christian Segure”. (Guimbarda).

Otras portadas: Bill Keith and Jim Rooney (1963), Mud Acres (1971) y Something Auld, Something Newgrass, Something Borrowed, Something Bluegrass (1979).

Canta en língua galega (Edigsa / Galaxia) 1967
Luis Olivares
Portada: J. Fornas



Una historia: “Uno de los discos previos a los de la denominada Nova Canción Galega (Voces Ceibes) se puso a la venta en el año 1967 bajo el título Luis Olivares canta en língua galega, un EP de cuatro canciones de folk y música popular, adaptadas al gallego por el poeta Xosé Luís. Franco Grande. El también poeta y estudioso Vicente Araguas, miembro del citado grupo de canción gallega nacido en torno a la universidad compostelana en la segunda mitad de los sesenta, reconoce que Olivares era un crooner catalán que cantaba en su idioma estándares que fueron interpretadas con la orquestación ya utilizada en las versiones en catalán de las canciones de dicho disco. We shall overcome, en gallego Venceremos nós, fue el himno central de la primavera santiaguesa de 1968, en el seno de la cual nacería Voces Ceibes, indica Vicente Araguas al hablar de este curioso disco de canciones en gallego. En aquellos años Cataluña disponía de una canción comercial en la que, además de Olivares, estaban Nuria Feliz, Gloria y Maria Pilar, entre otros y otras personas que grababan habitualmente discos pequeños, lo cual demuestra que el ritmo era distinto al de la nueva canción gallega, además de que la casa discográfica, Edigsa, también era catalana, recalca Araguas”.

Otra: “Sobre Salvador Escamilla tengo que decir que fue un gran amigo de la editora discográfica y también personal, y sobre todo, un gran patriota. Muchos artistas fueron descubiertos o lanzados a la fama por las ondas que él dominaba como nadie. Fue el primer valiente de la radiodifusión. La lista de jóvenes popularizados es larga, empezando por los Setze Jutges, mezclados con muchos otros, Jutges o no, como Joan Manuel Serrat, Queta y Teo, Maria del Mar Bonet, La Trinca, Tete Montoliu, Núria Feliu, Maria Cinta, Lluís Olivares, Magda, Glòria, Marina Rossell... casi todos”. Enric Cirici.

Canciones: Si sai o sol (quan surti el sol). Vencermos We shall overcome). Percura a rosa (Cherche la rose). Amor certo (True love).

Además: “Pero, maravilla, terminando la ceremonia, antes de las carreras, comenzamos todos a cantar. Era Venceremos nós, versión gallega del mítico We shall overcome, que algunos conocíamos por la voz de Joan Baez y que ahora aparecía traducida muy bien traducida al gallego, por Xosé Luís Franco Grande. Juraría que fue el día de la estatua el primero en que se cantó en Santiago o después tantas veces repetido himno si bien como tal, tocante a la música, no tenía excesiva fuerza, quizá un cierto aire de bellísima derrota que fue, ciertamente, como había de acabar la batalla que apenas estaba en su comienzo”. Vicente Araguas. Voces Ceibes. Edicións Xerais. 1991

Otras portadas: El món (1965), Quina tristor Venecia (1965) y Si sale el sol (1966).

No manto da auga (Guimbarda) 1982

Emilio Cao
Portada: Fotografía de Emilio Cao

Una historia: “En este álbum he cuidado más las letras que en los anteriores. Aunque en algunos casos las músicas sean tradicionales me he detenido mucho en los arreglos. Es una evolución que parte de los balbuceos del primer disco en el que pretendía reflejar todo lo que estaba haciendo, y que pasa luego por el intento de hacer algo unitario alrededor de una idea común como era Lenda da pedra do destiño”. Emilio Cao. Declaraciones realizadas al sello discográfico Guimbarda.


Otra: E trocouse a cor das algas/ E secou a auga no mar/ E ti baixaches onte correndo ao fondo/Outra vez mais,/Por entre os grandes peixes/Que agonizantes viante pasar…/Berrando moitos nomes de homes/Que moveran o mundo/Pro ningún de eles baixa/Cando algunha noite se nos seca o mar./ Soio na sima mais fonda/podes perlas atopar/Atopar perlas e corales na negrura da noite/Agora que as augas ergueron paseniño o seu manto/Agora deixaremos señales nos oceanos mortos/E saberemos os camiños/Cando algunha noite se nos seque o mar.
“Y cambió el color de las algas/y secó el agua en el mar/Tu bajaste ayer corriendo al fondo/Otra vez más,/Por entre los grandes peces/Que agonizantes te veían pasar/Gritando muchos nombres de hombres/Que movieran el mundo/Pero ninguno de ellos baja/Cuando alguna noche,/Ahora que las aguas(levantaron lentamente su manto/Ahora dejaremos señales en los océanos muertos; Y sabremos los caminos/Cuando alguna noche se nos seque el mar”. Emilio Cao. No manto da auga-En el manto del agua.


Canciones: Pandeirada de Entrimo. Adeus Irlanda. Sara. No manto da auga. Cometa azul. Ela ergueu as duas mans ao vento. De volta para casa. Estrela do norte. Cometa azul II.


Músicos: Emilio Cao (guitarras, arapa, bajo, teclados y voz), Laura y Marina Quintillán (violines), Juan Álvarez (bajo, guitarra rítmica y violonchelo), Xoán R. Silvar (requinta), Emilio Melio (requinta), Benat Amorena (percusión y tablas), Manuel Míguez (trompa), Beatriz, Marta Requejo, Olga Felipez y Nuria Vázquez (voces en Cometa azul II).


Además: El año de la salida del disco No manto da auga, Emilio Cao estuvo presente en festivales de música de Bruselas –en junio en el de la Radio y en septiembre en el Folk de la capital belga, Pontardawe (Gales) y Rotterdam (Holanda).

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (RCA) 1972
David Bowie
Portada: Brian Ward y Terry Pastor

Una historia: “El disco tiene una doble temática: por un lado, se trata de una reflexión irónica del cantante sobre sí mismo, sobre su carrera espectacular; por otra parte hay una serie de temas de ciencia ficción –Starman, Moonage Daydream-, en los que Bowie vuelve a su hit Space Oddity, pero con menos pretensiones, con humorismo incluso. Ziggy Stardust es uno de los álbumes fundamentales de Bowie, y también, probablemente, de los años 70: una desmitificación de la imagen de la rock star, y al mismo tiempo una cierta complacencia en esta misma imagen”. Eduardo Haro Ibars. Gay Rock. Los Juglares. Ediciones Júcar. 1975

Otra: “Debo explicar que no conozco necesariamente la significación de lo que escribo. Lo único que trato de hacer es reunir aquellos temas que más me interesan, como una especie de crucigrama, y eso se convierte en una canción. Quienes escuchen la canción pueden tomar de ella lo que quieran. Cuando grabé Ziggy Stardust, creía que el artista de rock and roll, en tanto enigma, era importante; ahora pienso que el artista de rock and roll reflja en muchas ocasiones lo que le sucederá a la sociedad del futuro”. David Bowie.

Canciones: Five Years. Soul Love. Monnage Daydream. Starman. It Ain’t Easy. Lady Stardust. Star. Hang On To Yourself. Ziggy Stardust. Suffragette City. Rock And Roll Suicide.

Músicos: David Bowie (guitarra, saxofón y voz), Mick Ronson (guitarra, piano y vocal), Trevor Bolder (bajo) y Mick Woodmansey (batería).

Además: "En el año 2002, con motivo del 30 aniversario de la grabación de Ziggy Stardust, se puso a la venta un doble disco compacto con las grabaciones originales, demos de las mismas y otras canciones como las tituladas John, I’m Only Dancing, Velvet Goldmine, Holy Holy, Ámsterdam, The Supermen, Round And Round y Sweet Head. El disco de David Bowie está considerado uno de los mejores de la historia del rock". Sam Rock.

Struttin’ My Staff (Capricorn Records) 1976
Elvin Bishop
Portada: Diseño de Mick Haggerty & John Kehe/Art Attack. Fotografía de David Alexander

Una historia: “Hizo su bachiller guitarrístico con la Paul Butterfield Blues Band de Chicago durante buena parte de los años sesenta, donde aprendió mucha técnica del malogrado Mike Bloomfield, hasta que en 1968 se decidió emprender la aventura solista yéndose a San Francisco . Siguió a vueltas con el blues hasta que fichó por Capricorn. El giro en su música se hace radical, adopta maneras más bailables y fluidas; música de codazo y sudor con finísimos retoques de blues aquí o allá, proyectando el calor guitarrístico de Bishop u Johnny Breñaza sobre las parrillas siempre dispuestas de Phil Aaberg (teclados)”. Antonio de Miguel. Guitarras del sur. Historia del Rock. El País.

Otra: “La formación de Elvin Bishop, comenzada en Oklahoma gracias a numerosos contactos con jóvenes negros, prosiguió en Chicago, en donde el guitarrista formó parte de la importante Paul Butterfield Blues Band, el líder de esta orquesta, P. Butterfield, se había mezclado con músicos de los barrios negros desde finales de los años 50, tocando con ellos en varios clubs, concretamente el Big John’s”. Philippe Bas-Rabérin. Blues Moderno. Los Juglares. Ediciones Júcar. 1975.

Canciones: Fooled Around And Fell In Love. Holler And Shout. Struttin’ My Stuff. Joy. Hey, Hey, Hey. Slicky Titty Boom. Have A Good Time. Grab All The Love. I Love The Life I Lead.

Músicos: Elvin Bishop (guitarras, slide guitar y voz), Johnny V Vernaza (guitarras, slide guitar y voz), Michel Fly Brooks (bajo), Don Baldwin (batería, congas, percusióin y voz), Phil Aaberg (piano y clarinete), Bil Slais (sintetizador y voz), Mike Keck (piano y órgano), Terry Hanck (saxo tenor) y Mickey Thomas (voz y coros).

Además: “Elvin Bishop fue guitarrista habitual en las actuaciones del Fillmore West durante su etapa californiana en el área de San Francisco, donde no renunció al blues como demuestra su presencia al lado de otros músicos impregnados del sentimiento de dicho estilo (B.B. King, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Mike Bloomfield o Al Kooper). También tocó en el Fillmore East, en concreto aparece como guitarrista y voz en una de las canciones del doble disco de The Allman’s Brothers Band: At Fillmore East (1971) ”. En la segunda mitad de la siguiente década, Elvin reafirma su compromiso con el blues al ser contratado por la discográfica Alligator Records”. Sam Rock.

Más portadas: The Elvin Bishop Group (1969), Feel It! (1970), Rock My Soul (1972), Let It Flow (1974), Juke Joint Jump (1975), Big Fun (1988) y Don’ t Get You Down! (1991).

The Marshall Tucker Band

Capricorn Records 1973-1983

The Marshall Tucker Band (1973)

Portada: James Flournoy Holmes

Where We All Belong (1974)

Portada: Jim Campbell

Searchin' For a Rainbow (1975)

Portada: Ken Featherston

Long Hard Ride (1976)

Portada: Frank C. McCarthy (The last crossing)

Carolina Dreams (1977)

Portada: John Kehe/Bill Franks

Togheter Forever (1978)

Portada: David Alexander

Running Like The Wind (1979)

Portada (David Alexander)

Tenth (1980)

Portada: Vigon Nahas Vigo/Peter Greco

Dedicated (1981)

Portada: Phil Rose And Nancy Merritt Rose

Tuckerized (1982)

Portada: Arnold Rosenberg

Greatest Hits (1982)

Portada: John Kehe

Greetings From South Carolina (1983)

Portada: Mark Weiss

Cuarenta años después (10)

Discos de 1967

Procol Harum (Deram) 1967Procol Harum
Portada: Dickinson

Una historia: “Como otros conjuntos británicos de comienzos de la década de 1960, Procol Harum –bajo otro nombre- contribuyó a la difusión del rhytthm blues, para luego pasarse al rock progresivo en el que se entremezclan desde psicodelia a sinfonismo. En esa línea Procol Harum grabaría su primer disco de larga duración, donde se incluye A Whiter Shade Of Pale, número 1 en las listas de éxitos de las Islas Británicas, que constituiría una de las mejores respuestas sonoras a la invasión del flower power y sus melodías procedentes de Estados Unidos”. Sam Rock.

Otra: “Toda la obra de Procol Harum está marcada por la labor del letrista Keith Reid. Aunque no figura como músico, su caso es extraño pues forma parte inseparable del grupo. Es un poco como cuando Pete Sinfield estaba con King Crimson. Según Herve Picard, Reid primero escribe sus letras; luego Gary Broker las selecciona y les pone música. La poesía de Reid incluye tendencias bien definidas: una preferencia por los matices fantasmagóricos y las imágenes de la muerte”. Marcelo Covián. Los cantos de la conmoción. Tusquets.

Canciones: A Whiter Shade Of Pale. Conquistador. She Wandered Through the Garden Fence. Something Following Me. Mabel. Cerdes (Outside the Gates Of). A Christmas Camel. Kaleidoscope. Salad Days (Are Here Again). Good Captain Clack. Repent Walpurgis.

Músicos: Matthew Fisher (órgano), Dave Knights (bajo), Gary Brooker (piano y voz), Keith Reid (letras), BJ Wilson (batería) y Robin Trower (guitarra).

Además: “A Whiter Shade Of Pale se ha convertido en todo un himno de los años sesenta, con su toque de órgano Hammond inspirado en Bach, y periódicamente suele ser recuperada con éxito por parte de las discográficas”. Sam Rock.

Más portadas: Shine on Broghtly (1968), Home (1970), Broken Barricades (1971), Live in Concert with the Edmonton Symphoy Orchestra (1972), Grand Hotel (1973), Exotic birds and fruits (1974), Procol’s Ninth (1975) y Somethig magic (1978).